Thomas Demand. Hanami / Mirar las flores, 2014
"Thomas Demand. El tartamudeo de la historia"
por Adriana Rosenberg
Las imágenes de Thomas Demand producen una extraña familiaridad. Nos enfrentamos a espacios y situaciones que parecen pertenecer a una memoria compartida y, sin embargo, algo en ellos se sustrae. No hay personas, los datos que podrían orientarnos han desaparecido y la ausencia se vuelve parte constitutiva de la imagen. Sabemos o intuimos que algo sucedió, pero nada permite revelarlo.
“El tartamudeo de la historia” presenta un extenso recorrido por la obra de Thomas Demand y por una práctica artística que reúne de manera singular dos dimensiones fundamentales de la fotografía: su condición de documento y su capacidad de creación.
Demand trabaja con frecuencia a partir de fotografías publicadas en los medios de comunicación y otras imágenes vinculadas casi siempre a acontecimientos políticos, sociales y culturales de circulación pública. No las reproduce. Las utiliza como punto de partida para reconstruir a escala real en papel y cartón los espacios que éstas representan, construcciones transitorias que el artista realiza con el objetivo de fotografiarlas según las tomas originales, y luego destruirlas. Esa fotografía es el resultado final de una sucesión de transformaciones pero, si bien conserva los detalles de un episodio trascendente, ya no es su registro directo. Historia y memoria aparecen a lo largo de su producción no como relatos completos y estables, sino atravesados por omisiones y vacíos.
Esos vacíos son también el lugar que Demand le reserva al espectador. La contemplación deja de ser una instancia de observación para convertirse en acción. Al retirar nombres, textos, personas y muchas de las referencias que permitirían reconstruir el acontecimiento, la obra reclama una participación activa. Mirar implica buscar indicios, establecer asociaciones, recordar, imaginar y completar aquello que la imagen deliberadamente no entrega. Cada espectador deberá apelar a su propia memoria, conocimiento y experiencia.
Presentar “El tartamudeo de la historia” en Buenos Aires permite acercarnos a una obra en la que fotografía, escultura, documento y creación se entrecruzan, y en la que los hechos del pasado, transformados por el tiempo y la mirada del artista, adquieren una inquietante presencia. En el contexto de un mundo atravesado por la circulación incesante de imágenes y el avance de la inteligencia artificial, Demand propone algo aparentemente sencillo y, al mismo tiempo, desafiante: detenernos, mirar con atención y volver a preguntarnos qué sabemos acerca de aquello que tenemos ante nuestros ojos.
Fundación Proa agradece especialmente a la Foundation for the Exhibition of Photography (FEP), cuya colaboración hizo posible la presentación de esta muestra en Buenos Aires; a Thomas Demand, por su generosa participación y compromiso con el proyecto, y a Douglas Fogle, curador de la exhibición, por su trabajo y acompañamiento. Nuestro agradecimiento también a los equipos de Fundación Proa que participaron en la realización de la muestra y un reconocimiento especial a Tenaris, Ternium y Tecpetrol, patrocinadores permanentes de nuestra programación, cuyo sostenido apoyo hace posible el desarrollo de nuestros proyectos.
Introducción a la exhibición
Por el curador Douglas Fogle
¿Qué es lo que realmente vemos cuando miramos las fotografías de Thomas Demand? Nacido en Múnich en 1964, Demand lleva casi tres décadas explorando las intersecciones entre la historia, las imágenes y las formas construidas. En sus objetos fotográficos a gran escala, la historia se manifiesta a través de facsímiles -banales pero inquietantes de una manera persistente- de lugares y episodios que no logramos identificar del todo. Aunque parecen representar el mundo real, la similitud de las imágenes es frágil: de hecho, se trata de fotografías de recreaciones escultóricas efímeras. Demand selecciona imágenes de los medios de comunicación, las recrea como maquetas a tamaño real utilizando papel y cartón, y luego las fotografía. La clave de su obra reside en comprender este bucle: desde los acontecimientos reales, pasando por su registro fotográfico en los medios, hasta las recreaciones escultóricas de Demand y sus perturbadoras versiones parafotográficas que vuelven a lanzarse al mundo.
Antes de completar su maestría en Bellas Artes (MFA) en el Goldsmiths College, Demand estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf con el escultor Fritz Schwegler, quien lo animó a explorar las posibilidades expresivas de las maquetas. En un principio, recurrió a la fotografía como una forma de documentar sus efímeras reconstrucciones en papel de objetos cotidianos, pero pronto estas meticulosas construcciones pasaron a realizarse con el único fin de ser fotografiadas. Esto se convirtió en la base de su práctica artística. Después de fotografiar sus maquetas, las destruye, dejando tras de sí únicamente su fantasmal doble fotográfico. El tartamudeo de la historia reside en esa extraña brecha entre el mundo que habitamos y el mundo recreado de papel y cartón que el artista evoca en su estudio.
“Thomas Demand: El tartamudeo de la historia” presenta un recorrido a lo largo de la carrera del artista, abarcando áreas fundamentales de su obra. Sus Uncanny Histories (Historias inquietantes) son fotografías a gran escala de escenarios anónimos, pero de gran relevancia histórica. Estas, al igual que toda su práctica, ponen de manifiesto su compromiso con la memoria personal y colectiva, así como con cuestiones de originalidad, reproducción, trabajo manual y materialidad. La serie Dailies (Diarios), de menor escala, se construye a partir de imágenes tomadas con su teléfono y exploran los misterios de la vida cotidiana. La fascinación de Demand por las formas arquitectónicas es evidente en los Model Studies (Estudios de modelos), que documentan maquetas de papel creadas por arquitectos y moldes de vestidos cortados por diseñadores de moda, así como en el uso de empapelados de su propio diseño. Su compromiso con la imagen en movimiento cobra protagonismo en dos fascinantes exploraciones cinematográficas en stop-motion.
Thomas Demand también ha concebido el diseño de la exposición como una parte integral de su enfoque de la producción artística. Con su uso arquitectónico de empapelados y estructuras temporales, crea un entorno inmersivo para el espectador en el que la imagen y el mundo colisionan.
"Thomas Demand: El tartamudeo de la historia" está curada por Douglas Fogle, organizada por Foundation for the Exhibition of Photography (FEP), Minneapolis, París, Lausana y UCCA, Beijing y Fundación Proa.
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Douglas Fogle
Curador y escritor con más de veinte años de trayectoriaexperiencia en tres importantes instituciones estadounidenses (Walker Art Center, Minneapolis; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh y Hammer Museum, Los Ángeles). Su exposición más reciente, “Andy Warhol: Dark Star”, se inauguró en el Museo Jumex en junio de 2017. De 2009 a 2012 se desempeñó como Subdirector de Exposiciones y Programas y Curador Jefe en el Hammer Museum de Los Ángeles, donde organizó una variedad de exposiciones que incluyen “Ed Ruscha: On the Road” (2011), “Mark Manders: Parallel Occurrences/Documented Assignments” (2010) y “Luisa Lambri: Being there” (2010). Anteriormente, se desempeñó como curador de arte contemporáneo en el Carnegie Museum of Art en Pittsburgh de 2005 a 2009, donde organizó “Life on Mars”, la 55ª Carnegie International en 2008. Antes de eso, Fogle fue curador en el Departamento de Artes Visuales del Walker Art Center en Minneapolis de 1994 a 2005. Como escritor, ha colaborado con numerosas publicaciones periódicas y catálogos de exposiciones de artistas como Leonor Antunes, Irma Blank, Dirk Braeckman y Luisa Lambri.
Entrevista | Adriana Rosenberg
Por el Departamento de Prensa de Proa.
¿Cómo surge el vínculo con la FEP (Foundation for the Exhibition of Photography) y qué otros proyectos han realizado o realizarán en colaboración?
Es la primera vez que trabajamos con la FEP y nos parece una fundación de enorme interés. Al revisar su catálogo de exposiciones, pudimos apreciar un recorrido muy significativo por el arte contemporáneo, a través de algunos de los artistas más notables del siglo XX y de la actualidad. Es un placer para nosotros entrar en contacto con la institución y establecer este vínculo que, creo, abre nuevas posibilidades de exposiciones, intercambios y colaboraciones con destacados artistas internacionales. Esperamos también que, con la llegada de su fundador, Todd Brandow, tenga la oportunidad de conocer más de cerca la producción de los fotógrafos argentinos y el enorme potencial que existe en nuestro país, y que este vínculo pueda contribuir a la difusión internacional de algunos de ellos.
¿Qué nueva discusión introduce esta exhibición en el recorrido que Proa viene construyendo en torno a la fotografía, desde las muestras de Grete Stern y Horacio Coppola, pasando por los fotógrafos de la Escuela de Düsseldorf, hasta la actualidad?
A lo largo de tres décadas hemos puesto en valor a fotógrafos emblemáticos como Christiano Junior, y entre nuestras primeras exposiciones presentamos la obra de Benito Panunzi, autor de uno de los primeros relevamientos fotográficos sistemáticos de la ciudad de Buenos Aires. También colaboramos en el rescate de archivos, en proyectos realizados en su momento con Fundación Antorchas. Hemos incorporado la presencia de artistas y fotógrafos contemporáneos en muchas exposiciones colectivas y también de manera individual, entre ellas la de Sebastião Salgado, una de las más importantes dedicadas a la fotografía. “Espacios Urbanos” exhibió artistas que son antecedentes generacionales de Thomas Demand. La muestra de la Escuela de Düsseldorf tuvo una enorme trascendencia, no solo por su incidencia en la producción fotográfica internacional sino también por sus aportes a la teoría contemporánea sobre la imagen. Hoy, con Demand, continuamos este recorrido ampliando y aportando nuevas miradas.
En Demand, la fotografía que vemos es el resultado de una escultura que ya no existe: la obra se construye para ser fotografiada y después se destruye. ¿Qué plantea esta operación sobre la idea de la obra de arte como un objeto único, material y permanente?
En realidad, la fotografía no es necesariamente una obra única: por lo general existen pruebas, varias tomas de una misma escena, y una edición. Es decir, la fotografía no responde a la categoría de unicidad o de objeto único. Y, en muchos casos, tampoco la escultura: casi siempre existe un boceto y pueden realizarse distintas ediciones. En ese sentido, me parece que en el tratamiento artístico de Demand el concepto de obra única, de objeto único y permanente, está cuestionado por las propias disciplinas con las que trabaja, tanto la escultura como la fotografía. Demand complejiza el proceso porque construye una escultura destinada a desaparecer, cuya existencia conocemos a través de la fotografía. Pero no se trata de que una disciplina sustituya a la otra, sino de que ambas forman parte de la obra. La escultura es única pero transitoria; la fotografía permanece. Esa tensión hace que la idea de obra de arte única quede cuestionada, y pase a ser una de los temas centrales de su procedimiento.
Si pensamos en los cambios y transformaciones de la imagen fotográfica desde las primeras exposiciones de Proa hasta esta retrospectiva, ¿qué reflexión merece el momento actual de la imagen y como la obra de Demand pone en cuestión lo que hemos visto, mirado y asimilado en nuestro imaginario durante todos estos años?
No creo que la obra de Demand cuestione la historia de la fotografía. Desde sus orígenes, la fotografía estuvo estrechamente vinculada a su condición de documento y, a lo largo de su historia fue adquiriendo cada vez mayor relevancia la mirada y la creación del autor. Lo que me parece singular y destacado en Demand es justamente la manera en que articula estas dos dimensiones. Trabaja a partir de fotografías documentales, muchas veces provenientes de la prensa, que registran acontecimientos reales, pero no las reproduce: las toma como punto de partida para reconstruir esas escenas y crear una nueva imagen. De esta manera, Demand reúne en una misma obra dos dimensiones fundamentales de la historia de la fotografía: su condición de documento y la mirada propia del artista. La imagen conserva la memoria de un acontecimiento, pero al mismo tiempo es el resultado de una recreación y de una decisión artística. Me parece que esa capacidad de articular documento y creación, y de incorporar a esa relación los conceptos de historia y memoria, es una de las características que hacen singular la obra de Demand entre los artistas que hemos presentado en Proa.
El artista trabaja con imágenes vinculadas a acontecimientos que ya forman parte de nuestra memoria colectiva. ¿Qué relación encuentra entre esa concepción de la historia y la manera en que hoy recibimos los acontecimientos a través de pantallas, titulares y redes?
Me parece que uno de los aportes más interesantes de Demand es el lugar que ocupa el espectador. En las obras que presenta existe la memoria de un acontecimiento histórico, pero la ausencia de datos, referencias o pistas que permitan reconstruirlo hace que el espectador tenga que asumir una actitud activa frente a la obra.
Por ejemplo, en la imagen de las cajas de archivo, ante la falta de datos que indiquen qué contienen, quien contempla la obra debe, de alguna manera, llenar esas cajas con sus propias referencias. Lo mismo sucede en esas escenas violentas de oficinas, con archivos y papeles destruidos o dispersos: sabemos o intuimos que allí ocurrió algo, pero Demand ha eliminado la información que permitiría reconstruir completamente el acontecimiento. Me parece que ese vacío funciona, por un lado, como un guiño, porque estamos frente a una imagen que de alguna manera creemos conocer o que forma parte de una memoria colectiva; pero, al mismo tiempo, quien la mira debe llenar de contenido ese vacío desde su propia memoria y experiencia. En este sentido, Demand rompe con la relación tradicional del sujeto frente al objeto, del espectador frente a la obra. La contemplación deja de ser solamente una instancia de observación para transformarse en una acción. Frente a la ausencia de información, mirar implica completar, asociar, recordar y reconstruir. La obra no se presenta entonces como una imagen cerrada sino como una construcción que se completa, de manera diferente, en la experiencia de cada espectador.
Con la llegada a Buenos Aires de tres personalidades destacadas en el mundo de la fotografía internacional como Todd Brandow, Douglas Fogle y Thomas Demand, y tratándose de un tema de tanta actualidad, ¿cuál será la propuesta de los Programas Públicos?
En principio, días antes de la inauguración tenemos la fortuna de que los invitados coincidan en Buenos Aires en la primera jornada del Ciclo Encuentros de Reflexión. Es un encuentro muy especial con Thomas Demand; Todd Brandow -director de la Foundation for the Exhibition of Photography (FEP)- y Douglas Fogle, curador de la exhibición. Una ocasión única para escuchar al artista y situar su producción dentro del panorama de la fotografía y la cultura visual contemporáneas. A lo largo de los próximos meses, se amplían los contenidos mediante recorridos especiales junto a artistas y críticos, nuevos Encuentros de Reflexión, además del ciclo de cine y otros programas que aproximan a los temas que atraviesan la exhibición: la construcción de las imágenes, la cultura visual contemporánea, la memoria y nuestra manera de relacionarnos con aquello que vemos. A esto se suman las propuestas educativas de Proa pensadas para diferentes públicos.
La idea es que la exhibición no se agote en una única visita, sino que cada una de estas propuestas abra nuevas formas de entrar en el universo de Demand y de pensar las imágenes que forman parte de nuestra vida cotidiana.
Obras en exhibición
Sprungturm / Trampolín, 1994
C-Print/Diasec
150 x 118 cm
Prueba de exhibición
Mientras terminaba sus estudios de posgrado, Demand concibió la que podría considerarse como su primera obra madura. Sprungturm / Trampolín (1994) fue realizada exclusivamente a partir del recuerdo que el artista tenía de la pileta en la que aprendió a nadar de niño.
Cuando se exhibió por primera vez, la obra provocó reacciones que vincularon su imaginería con la Alemania nazi, los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936 y, específicamente, con la conocida secuencia de saltos de Olympia (1938), el legendario documental de Leni Riefenstahl. Demand era plenamente consciente de que la obra podía suscitar estas asociaciones, especialmente porque se presentaba en la Haus der Kunst, edificio construido originalmente por el régimen nazi para exhibir el arte alemán oficialmente “aprobado”.
Estas asociaciones revelan el poder de las imágenes cinematográficas creadas por Riefenstahl y su extraordinaria persistencia en la memoria histórica. La representación de un moderno complejo de trampolines con una tribuna, situado en Alemania, puede remitir casi automáticamente a aquellas imágenes y a aquel momento histórico. Pero el origen de Sprungturm / Trampolín es otro. La obra nace de un recuerdo personal: el de un artista nacido en Alemania en 1964, veintiocho años después de la realización del documental de Riefenstahl.
Raum / Habitación, 1994
C-Print/Diasec
180 x 270 cm
Prueba de exhibición
En Raum / Habitación (1994) nos enfrentamos a un caótico escenario de destrucción: una habitación que ha volado por los aires. Una mesa colapsada sobre el piso, con una hoja de papel arrugada sobre ella. Hay sillas rotas y tiradas por todos lados. Las ventanas han sido arrancadas de sus marcos por la explosión. Las placas del cielorraso se han desprendido. ¿Qué ocurrió aquí? ¿De qué época se trata? ¿Son estas las inquietantes y perturbadoras secuelas de algún tipo de desastre natural o de un acto deliberado de destrucción? ¿O se trata simplemente de una escena de deterioro y abandono arquitectónico?
La imagen en sí misma no ofrece muchas pistas, lo que la deja abierta a infinitas especulaciones narrativas. La obra tiene su origen en la fotografía de un dramático episodio de la historia: el fallido intento de Claus von Stauffenberg y sus coautores de asesinar a Hitler en julio de 1944.
Demand ha sugerido que se sintió atraído por reconstruir esta imagen debido a su frecuente aparición en los manuales escolares de su infancia, un hecho que, en sí mismo, demuestra la imbricación entre historia y memoria en el mundo de las imágenes.
En cierto sentido, podríamos pensar Raum / Habitación como la primera imagen de desastre de Demand. A pesar de la exactitud y la pulcritud de su reconstrucción en papel, permanece una inquietante sensación ante la catástrofe que este acontecimiento no logró detener y, al mismo tiempo, la incertidumbre acerca de qué fue exactamente lo que ocurrió.
Treppenhaus / Escalera, 1995
C-Print/Diasec
150 x 118 cm
Prueba de exhibición
En Treppenhaus / Escalera (1995), Demand recurrió a su propia memoria, en este caso a la escalera de la escuela a la que asistió, para construir un modelo tridimensional en papel. Junto con Sprungturm / Trampolín, el artista materializa en estas obras recuerdos de espacios arquitectónicos vividos. Mientras que una pieza evoca imágenes asociadas al fascismo alemán, la otra remite a las aspiraciones de diseño utópico de los seguidores de la Bauhaus, muchos de los cuales huyeron de Alemania para escapar de la tiranía del primero.
El detalle de la baranda roja, que asciende hasta la parte superior de la imagen, evoca la filosofía de la escuela de la Bauhaus, en la que “la forma sigue a la función” y, más específicamente, a escaleras legendarias como la que creó Mies van der Rohe, emigrado de la Bauhaus, para el Arts Club de Chicago (1948-1951).
Estas dos obras tempranas de Demand establecen un diálogo entre la memoria personal y la colectiva, y revelan el poder de las imágenes cuando ambas se entrelazan. Es imposible separar estas lecturas históricas de los recuerdos profundamente personales del artista.
Archiv / Archivo, 1995
C-Print/Diasec
180 x 230 cm
Prueba de exhibición
La obra de escala monumental Archiv / Archivo (1995) presenta pilas ordenadas de cajas de cartón; la presencia de una escalera le otorga vitalidad a la escena. Es uno de los primeros trabajos en los que Demand aborda momentos de la historia alemana, en este caso, el archivo de la cineasta Leni Riefenstahl.
¿Qué está representado aquí? ¿Qué fantasmas estéticos o históricos encierran estas cajas? No encontramos referencia alguna que permita identificar su contenido, a diferencia de lo que sucede habitualmente en un archivo, donde se indica aquello que se resguarda.
No se trata de un homenaje ni de una reconstrucción de las imágenes de Riefenstahl, sino de una recreación física de la cruda materialidad de su archivo. Archiv / Archivo es una imagen que retrata el peso –tanto físico como cultural– de la trayectoria de una artista, al tiempo que le niega al espectador la posibilidad de acceder a las imágenes que contiene.
Su serialidad rigurosa, casi minimalista, ofrece una perspectiva diferente sobre el acto de preservar información que construye memoria e historia. Archiv / Archivo es también la imagen silenciosa de otro tipo de desastre, encarnado en la carrera de una cineasta innegablemente brillante que tomó la decisión de crear su obra al servicio de un régimen inmoral.
Büro / Oficina, 1995
C-Print/Diasec
180 x 240 cm
Prueba de exhibición
A los pocos meses de la caída del Muro de Berlín (1989), miles de ciudadanos irrumpieron en las oficinas de la Stasi, la policía secreta de Alemania Oriental, saqueando y destruyendo sus archivos. Durante años, éstos habían sido utilizados como instrumento de vigilancia, represión y persecución política. El episodio tuvo una amplia difusión en la prensa de la época.
Demand recrea una de esas imágenes en una maqueta de cartón a escala 1:1 para luego fotografiarla. Así concibe Büro / Oficina (1995): una oficina arrasada, con el material acumulado y custodiado durante años desparramado por toda la habitación. Una solitaria lámpara articulada es testigo de la escena, mientras las hojas de papel permanecen en blanco, negándose a ofrecer pistas sobre su propósito o sobre la información que podrían haber contenido. Esas hojas ocupan el lugar de expedientes que registraban observaciones secretas sobre la vida de individuos que vivían bajo la vigilancia de un Estado policial.
Tanto en Archive / Archivo como en Büro / Oficina, el archivo es el sujeto de la obra. Aunque pertenecen a dos momentos históricos diferentes, ambas piezas dan testimonio de la circulación de las imágenes y de las políticas de la memoria.
Studio / Estudio, 1997 C-Print / Diasec
183,5 x 349,5 cm
Prueba de exhibición
En Studio / Estudio (1997), Demand pone en primer plano su constante preocupación por la construcción de la verdad visual al recrear una fotografía de archivo del set de un programa de preguntas y respuestas de la televisión de Alemania Occidental de los años setenta llamado Wer bin ich? (¿Quién soy?).
Como primer ejemplo de este formato, hoy tan común en la televisión alemana, “¿Quién soy?” presentaba a un panel de figuras semi-famosas que intentaban adivinar la profesión de un invitado misterioso a través de una serie de preguntas.
Evocando la danza perpetua entre la verdad y la invención, la representación que hace Demand de la escenografía vacía —aunque colorida— de este programa destaca la circulación de imágenes a través de este medio de difusión y su rol en la creación de ficciones vividas.
Copyshop / Centro de copiado, 1999
En varias de las obras de Demand, tanto las implicaciones estratégicas como filosóficas de la repetición y los aspectos de duplicación de la reproducción mecánica se convierten en su tema central, dentro de una exploración bastante autoconsciente de su propia práctica de estudio. En Copyshop / Centro de copiado (1999), por ejemplo, vemos una perspectiva de gran angular de la escena más genérica de la reproducción masiva de finales del siglo XX: un centro de copiado de barrio. Bajo el resplandor gélido e institucional de las luminarias fluorescentes colgantes, en una sala tan anodina que las placas lisas y acústicas del techo resultan casi decorativas, se encuentran un grupo de siete fotocopiadoras en diversos estados de funcionamiento. Hay algo en la naturaleza inexpresiva de esta imagen y en su metacomentario sobre la práctica de Demand de recrear imágenes del mundo en papel (a diferencia de sobre el papel) que la vuelve casi cómica. Uno puede imaginarse al personaje cinematográfico de Jacques Tati, Monsieur Hulot, deambulando torpemente por esta habitación, intentando hacer copias de un documento oficial, pero viéndose perpetuamente frustrado por los atascos de papel y las advertencias de “reemplazar tóner”.
Clearing / Claro en el bosque, 2003
C-Print / Diasec
192 x 495 cm
Prueba de exhibición
Para esta obra el artista construyó más de 270.000 hojas de papel para crear la escena idílica de un bosque con una luz dorada que se filtra a través de las copas de los árboles.
La obra remite a la infundada visión Romántica de una naturaleza pura, inalterada y primigenia, que jamás ha existido por fuera de los marcos filosóficos de la humanidad. Las reconstrucciones en papel que hace Demand de estas escenas no son menos artificiales que esos "no lugares" utópicos. En última instancia, la imagen de Demand plantea una pregunta: en un mundo tan saturado de artificio, "¿qué es lo natural?".
Podium / Podio, 2000
C-Print / Diasec
296 x 178 cm
Prueba de exhibición
Podium / Podio (2000) documenta el lugar donde Slobodan Milošević, político serbio y una de las figuras más determinantes y controvertidas en la historia contemporánea de los Balcanes, pronunció un discurso político incendiario en 1989. El acto celebraba el sexto centenario de la batalla de Kosovo por parte de los nacionalistas serbios, un evento que presagiaba los horrores de las guerras posteriores y la limpieza étnica en la región de los Balcanes.
Con sus indicios de presencia humana —unos micrófonos y un vaso de agua—, el pequeño podio queda empequeñecido ante el diseño gráfico casi fascista de la escenografía. Cabe destacar que esta es una de las pocas obras de Demand que ofrece pistas gráficas precisas sobre su origen y su sentido.
En el telón de fondo, la reproducción que hace el artista de los años "1389" y "1989" tenía, en aquel contexto histórico, una connotación ideológica sobredeterminada que sentaría las bases de la inminente tragedia humana.
Gangway / Escalera, 2001 C-Print / Diasec
225 x 180 cm
Prueba de exhibición
En Gangway / Escalera (2001), la puerta abierta —aunque vacía— de un avión de pasajeros genérico resulta a la vez anodina e inquietante. ¿Alguien acaba de desembarcar o estamos a la expectativa de que aparezca una figura célebre haciendo una entrada triunfal?
Si bien la fuente de esta obra es una fotografía de prensa del papa Juan Pablo II durante su visita a Berlín, la imagen de Demand carece por completo de figuras humanas, sean estas anónimas o de trascendencia histórica. El artista dirige nuestra atención hacia la pasarela del avión, presentándola como un espacio de teatro fotográfico. Allí tienen lugar “entradas” guionadas, enmarcadas en la política dramatúrgica que rige la circulación de imágenes.
Ya se trate del aterrizaje de los Beatles en Estados Unidos o de la llegada del papa a Berlín, la obra nos hace preguntarnos acerca de la identidad de los protagonistas como por la manera en que se construyen estos instantes fotográficos.
Grotto / Gruta, 2006
C-Print / Diasec
198 x 440 cm
Prueba de exhibición
A lo largo de su carrera, Demand se ha interesado en la producción de "naturaleza" por parte de nuestra cultura. Al final, muchas de las imágenes de Demand se preguntan: en un mundo tan impregnado de artificio, "¿qué es lo natural?". En Grotto / Gruta (2006), por ejemplo, Demand planteó esta pregunta de manera célebre al dirigir nuestra atención hacia el legado de la teoría estética de lo sublime en la naturaleza, en relación con el poder de la fotografía para formar (o deformar) la experiencia y la memoria personal.
Para producir esta imagen, Demand utilizó treinta y seis toneladas de cartón para construir una caverna subterránea de tamaño real antes de preservar su imagen fotográficamente. Al igual que las estalagmitas y estalactitas que representa, las cuales se han formado geológicamente a lo largo de milenios a partir del contenido mineral del goteo de agua, Demand construyó esta obra con capa tras capa de cartón. La imagen que recrea es una que bien podríamos haber visto muchas veces antes en las miles de postales de cuevas que se venden en las tiendas de regalos de todo el mundo. El artista reunió cientos de estas postales, y la versión fotográfica final de Grotto / Gruta se convierte en una condensación ideal de nuestra imagen colectiva de una cueva, la cual ha sido mediada, a su vez, por la larga historia de la fotografía.
En esta obra, la grandeza aterradora de lo sublime filosófico del siglo XVIII se convierte en la idea de oportunidad fotográfica de la generación de Instagram, y el espectáculo de la naturaleza se ve reducido a una publicación diaria. Como para acentuar el hecho de que ni lo sublime ni la fotografía de Instagram están menos construidos el uno que el otro, Demand permitió que la maqueta de esta obra fuera conservada (solo por esta vez, a diferencia de todos sus modelos anteriores o posteriores), y actualmente se encuentra en exhibición en Milán, en una galería subterránea de Fondazione Prada, junto a vitrinas repletas de su material de investigación. Quizás el peso absoluto de su existencia material fáctica y su enfoque —a modo de estudio de caso— sobre las concatenaciones entre la memoria y la fotografía, llevaron a Demand a permitir la existencia física continua de Grotto / Gruta junto a su contraparte fotográfica: una suerte de monumento a la imbricación mutua de los objetos, la memoria y el proceso fotográfico.
Landing / Descanso de escalera, 2006
En Landing / Descanso de escalera (2006) vemos las secuelas de un accidente sumamente desafortunado ocurrido en el Museo Fitzwilliam de Cambridge en 2006. Según cuenta la historia, un visitante del museo se dio cuenta de que iba en la dirección equivocada, se giró, tropezó con el cordón de su zapato y sufrió una caída que terminó con la destrucción de tres jarrones de la dinastía Qing exhibidos en el descanso de una escalera. La ironía de la reconstrucción en papel, meticulosa y rigurosa, que hizo Demand de esta escena de destrucción no nos pasa desapercibida, ya que su propio modelo terminaría en el contenedor de reciclaje tras ser fotografiado. La conservación y preservación de la cultura material —un rol esencial de los museos— se ve aquí explosivamente desmantelada por una elección de ubicación desafortunada, una señalización de orientación deficiente y un resbalón digno del maestro de la comedia física Buster Keaton.
Fotoecke / Cabina de fotos, 2009
C-Print / Diasec
180 x 198 cm
Prueba de exhibición
En Fotoecke / Cabina de fotos (2009), Demand reconstruye una fotografía que muestra una cabina fotográfica utilizada para documentar a detenidos políticos en la antigua República Democrática Alemana. Se cree que la cabina contenía un aparato de rayos X oculto que provocó la muerte de antiguos prisioneros a causa de cáncer en la sangre. Remontándose a los orígenes de la fotografía de “ficha policial” por parte de las fuerzas del orden en el trabajo del oficial de policía francés Alphonse Bertillon, en el París de la década de 1840, esta obra destaca las formas en que la fotografía ha sido utilizada tanto a nivel administrativo, como medio documental, así como con intenciones políticas más nefastas.
Control Room / Sala de control, 2011
C-Print / Diasec
200 x 300 cm
Prueba de exhibición
En la obra de Demand Control Room / Sala de control (2011), el artista ha construido una especie de complejo industrial-científico genérico, provisto de consolas repletas de medidores irreconocibles, múltiples palancas de control, pantallas de computadora y paneles de lectura. Sorprendentemente, los escritorios también están poblados de carpetas de archivo llenas de papeles y de lo que parecen ser manuales de operación. Como ocurre con toda la obra de Demand, este espacio carece de toda presencia humana visible; sus pantallas en blanco insinúan que se trata de un espacio muerto.
Tras un escrutinio inicial de esta imagen, resulta evidente que algo no está del todo bien. Notamos que las placas de plástico de su cielo raso suspendido iluminado se han soltado por completo y cuelgan precariamente sobre esta sala de control abandonada. Solo después de enterarnos de que se trata de una recreación de la imagen —tomada con un teléfono celular por un técnico de la Compañía de Energía Eléctrica de Tokio— de la central nuclear de Fukushima Daiichi, abandonada y gravemente dañada tras el terremoto y tsunami de Tōhoku en Japón en 2011, comenzamos a cuestionar la serenidad muda de esta imagen, la cual en el fondo trata sobre la arrogancia tecnológica y la ilusión de control. Al hablar sobre las imágenes originales de Fukushima, Demand ha afirmado que “no estamos mirando el desastre, sino una imagen del desastre”.
Tribute / Tributo 2011 C-Print / Diasec
166 x 125 cm
Prueba de artista
En Tribute / Tributo (2011) de Demand, el artista recrea una fotografía de un santuario espontáneo que surgió a raíz de un trágico episodio de pánico masivo en una fiesta rave. Los memoriales de este tipo son monumentos transitorios e improvisados, construidos apresuradamente mediante las acciones descoordinadas de individuos anónimos, que luego se preservan y circulan en fotografías antes de su ineludible desaparición.
En esta obra, que representa un altar ensamblado de manera improvisada y destinado al tacho de basura, Demand aborda la fragilidad de la memoria y su dependencia de un registro fotográfico para sustentarse. Ante la catarata torrencial de eventos trágicos en los medios, donde uno desplaza a otro con una rapidez voraz, este tipo de imágenes actúan como recordatorios que mantienen ciertas tragedias en la conciencia pública por uno o dos días más mientras la cobertura de las noticias se pone al día, antes de desvanecerse finalmente en el abismo amnésico del ciclo informativo.
Vault / Bóveda, 2012
C-Print / Diasec
220 x 277 cm
Prueba de exhibición
La temática de las “imágenes robadas” ha despertado el interés de Demand desde hace tiempo, tanto en sus manifestaciones literales como en su relación metafórica con la práctica de la fotografía, y fue el eje de una exposición que el artista curó en 2016 titulada “L’image Volée”.
La obra Vault / Bóveda de Demand se basa en una fotografía policial de un depósito en el Instituto Wildenstein de París, donde treinta pinturas y esculturas que llevaban décadas desaparecidas fueron descubiertas durante un allanamiento policial en 2011, cuyo objetivo era investigar una supuesta evasión fiscal por parte de esta prominente familia de comerciantes de arte. La fotografía acompañaba un artículo publicado en el New York Times el 20 de julio de 2011.
Al ser confrontado por Suzanne Reinach, heredera de una familia judía francesa desplazada durante el Holocausto, se citó a Guy Wildenstein declarando, en un intento pasivo de alegar inocencia: “Nunca tuvimos un inventario de la bóveda” y “los herederos no habían solicitado la restitución de las obras; de lo contrario, se las habría devuelto”.
En la imagen de Demand, al igual que en la fotografía original, las pinturas desaparecidas —o, más bien, robadas— de la señora Reinach (que incluyen obras de Degas, Manet y Morisot) se encuentran envueltas y dadas vuelta de cara a la pared como rehenes mudos. Demand ha descrito esta bóveda señalando que transmite la dignidad y la monumentalidad de una tumba faraónica.
Atelier / Taller de artista, 2014
C-Print / Diasec
240 x 341 cm
Prueba de exhibición
En Atelier / Taller de artista (2014), Demand ha recreado una fotografía del estudio de Henri Matisse que el artista llevó consigo durante muchos años. Aquí vemos una profusión cálida de los restos multicolores de los recortes de papel de Matisse, esparcidos por el piso de parqué dorado de su estudio con una especie de sprezzatura despreocupada mientras trabajaba. En la recreación en papel de esta fotografía realizada por Demand, los recortes de Matisse se convierten en marcadores del espacio negativo del proceso creativo del artista y en un reconocimiento tanto del carácter efímero delicado como de las posibilidades infinitas que ofrece el medio del papel. La explosión cálida de color y creatividad personal de Atelier / Taller de artista proporciona un contrapunto filosófico al pathos oscuro del uso del papel en la explosión de los expedientes de la policía secreta en Office / Oficina o a la puesta en escena nihilista de la "verdad" política en forma de la pila de los supuestos documentos de Donald Trump en Folders / Carpetas.
Ruine / Ruina, 2017
C-Print / Diasec
180 x 300 cm
Prueba de exhibición
A veces, el desastre está lejos de ser espectacular en sus efectos visibles. Ruin / Ruina (2017) de Demand, por el contrario, se convierte en una especie de imagen de archivo de todos los desastres que circulan en los medios de comunicación de todo el mundo. Esta representación casi incolora de una habitación destruida, con sus sillas de plástico universalmente reconocibles enterradas entre los escombros, es un contrapunto plano y banal al Grand Guignol de los accidentes automovilísticos serigrafiados de Andy Warhol. No necesitamos saber que la imagen de origen capturó a niños jugando en las ruinas de esta casa en luego de un atentado, como el de Gaza tras el impacto de un misil, ya que imágenes como esta se han vuelto deprimentemente intercambiables y circulan digitalmente como marcadores genéricos de un despliegue casi pornográfico del desastre y el sufrimiento. La repetición en papel, intencionalmente despojada de detalles, que hace Demand de una de las tragedias infinitamente intercambiables de los conflictos contemporáneos nos hace cuestionar la circulación misma de estas imágenes en la economía política del sufrimiento, la resistencia y la explotación, la cual ha llegado a definir en parte nuestra cultura contemporánea de consumo de imágenes.
Werkstatt / Taller, 2017
C-Print / Diasec
180 x 310 cm
Prueba de exhibición
En Workshop / Taller (2017), Demand presenta al espectador otra perspectiva del taller del artista bajo la forma del ordenado interior del estudio de un luthier. Basada en fotografías históricas de un pueblo bávaro, célebre desde el siglo XVII por sus violines excepcionales, la imagen incluye estantes con herramientas y decenas de instrumentos en diversas etapas de elaboración. Al describir el violín como un objeto con "una forma que ha quedado fuera del tiempo", el artista enfatiza la continuidad de la tradicional y muy sofisticada labor artesanal de los luthiers. De este modo, Workshop / Taller se convierte en una metáfora que reconoce la perseverancia del trabajo manual frente a la industrialización robótica de nuestro mundo contemporáneo.
Folders / Carpetas, 2017
C-Print / Diasec
125 x 195 cm
Prueba de artista
En Folders / Carpetas (2017), Demand nos pide una vez más que consideremos el rol del papel en el gran esquema de la historia. Esta imagen es una reconstrucción de la presentación teatral de “pruebas” por parte de Donald Trump y sus abogados en una conferencia de prensa en enero de 2017, en la que se comprometió a apartarse del control de sus diversos intereses comerciales antes de asumir la presidencia estadounidense, con el fin de evitar cualquier conflicto de intereses. La conferencia de prensa estuvo marcada por la extrema reticencia del entonces presidente a permitir que los periodistas observaran más de cerca las pilas de carpetas, las cuales, sospechosamente, parecían estar llenas de hojas de papel en blanco. Aquí, el papel se convierte en una verdadera escultura de la “verdad” desplegada al servicio de la política.
Balloons / Globos, 2018 Animación en video
7’ 47’’
Un ramo de globos flota perezosamente sobre una vereda de hormigón y ladrillo, con su flotabilidad gaseosa mantenida en un suspenso provisional por el peso de una pinza para la ropa de plástico rojo brillante. Incapaces de escapar por completo de los efectos de la gravedad, pero sin estar ancladas de forma segura al suelo, vemos las cintas que sujetan los globos moverse de un lado a otro mientras participan en un minueto ebrio y azaroso. Los propios globos existen en un estado de limbo visual, ocultos justo fuera de los bordes de la pantalla, y su inminente presencia queda marcada únicamente por las sombras que proyectan en el suelo. Esta escena de gracia casual fue meticulosamente reconstruida con papel y cobró vida toma a toma gracias a la técnica de animación stop motion de Thomas Demand. Miles de movimientos sutiles fueron grabados individualmente en esta sinfonía cinematográfica de una ciudad hecha de papel. En Balloons / Globos (2018), Demand da vida a la poesía de los momentos ignorados de la vida cotidiana, esos que llenan los vacíos entre los compromisos supuestamente más significativos que ocupan nuestros calendarios y agendas; mientras tanto, su insinuación en forma de sombras de un grupo de globos flotantes evoca una interpretación chaplinesca del mito de la caverna de Platón, en la cual las sombras son vistas como una aproximación imperfecta de la verdad suprema del mundo.
Pond / Estanque, 2020
C-Print / Diasec
200 x 399 cm
Prueba de exhibición
Si bien Demand ha dirigido su atención a los efectos del mundo natural —y específicamente al océano— en obras como Control Room / Sala de Control y su película Pacific Sun / Sol de Pacífico, también se ha interesado en la producción de “naturaleza” por parte de nuestra cultura desde los inicios de su carrera. En Pond / Estanque (2020), representó una escena completamente llena de nenúfares. De escala monumental, el estanque de Demand llena horizontalmente el campo de visión del espectador para crear un entorno casi inmersivo, al mismo tiempo que participa del trillado discurso sobre la belleza generado por la difusión y la popularización en formato de póster de los Nenúfares de Monet.
Model Studies (Estudios de maquetas) Sphere 93, Sphere 17 / Esfera 93, Esfera 17, 2015 Kindergarten 22 / Guardería 22, 2015 Learning Center 50 / Centro de aprendizaje 50, 2015 Printing Factory 56 / Fábrica de impresión 56, 2015 Farm 31 / Granja 31, 2015 Chiffchaff / Mosquitero (ave), 2020 Chaffinch / Pinzón (ave), 2020 Grosbeak / Picogrueso (ave), 2020 Kinglet / Reyezuelo (ave), 2020 Sparrow / Gorrión, 2020 Starling / Estornino (ave), 2020 Impresiones de pigmentos enmarcadas
165,3 x 129,4 cm
Temple 54 / Templo 54, 2015
122,5 x 156,1 cm
122,5 x 156,1 cm
122,5 x 156,1 cm
165,3 x 129,4 cm
122,5 x 156,1 cm
135 x 172 cm
172 x 135 cm
135 x 172 cm
135 x 172 cm
172 x 135 cm
135 x 172 cm
Pruebas de artista
Como ha sugerido Thomas Demand al referirse a su práctica: “Supongo que el núcleo de la obra radica en convertir el mundo en una maqueta al rehacerlo y despojarlo de su parte anecdótica; es entonces cuando se convierte en una alegoría y el proyecto se vuelve una metáfora. La construcción de maquetas es una técnica cultural: sin ella estaríamos ciegos”.
Quizás sea por ello que se alejó de su técnica habitual —la reconstrucción escultórica de imágenes preexistentes del mundo— para enfocar su lente directamente en las maquetas preparatorias de papel de arquitectos y diseñadores para su serie Model Studies / Estudios de maquetas, realizada durante su residencia en 2011 en el Getty Research Institute de Los Ángeles.
Ya sea al ofrecernos vistas fragmentadas y sin alteraciones de las endebles y sorprendentemente provisionales maquetas de arquitectos de mediados de siglo como John Lautner y de firmas arquitectónicas contemporáneas como SANAA, o de los radicales moldes de costura en papel del diseñador de moda Azzedine Alaïa, los Model Studies / Estudios de maquetas de Demand revelan que el mundo que nos rodea está construido sobre cimientos de papel.
Daily #2, #7, #10,#13 / Diario #2, #7, #10,#13, 2008 Impresión por transferencia de tintes enmarcada
93 x 74 cm /83 x 77 cm /79 x 71 cm /63 x 71 cm
Daily #15 / Diario #15 , 2011 / 73 x 59 cm
Daily #21 / Diario #21, 2013 / 59 x 45,4 cm
Daily / Diario #22, 2014 / 62 x 49 cm
Daily #26/ Diario #26, 2015 / 66 x 51 cm
Daily / Diario #27, 2016 / 66 x 50 cm
Daily #28, #30, #32 / Diario #28, #30, #32, 2017
66 x 54 cm / 67 x 54 cm / 65 x 55 cm
Daily #34/ Diario #34, 2020 / 65 x 55 cm
Pruebas de artista
En 2008, Demand dio un giro radical a su práctica que, en retrospectiva, parece el cierre casi inevitable de un círculo, marcando un desplazamiento de lo monumental hacia lo personal y cotidiano. Para su serie Dailies / Diarios, el artista comenzó a construir maquetas de papel que recreaban fotografías personales tomadas con su iPhone durante sus paseos por el barrio y en sus viajes. De formato íntimo e impresas mediante un proceso de transferencia de tintes (dye transfer) pronto a desaparecer, estas obras se presentan enmarcadas a la manera de las fotografías tradicionales. En ellas se retratan momentos aparentemente ordinarios y, en ocasiones, de un humor absurdo, que a diario pasamos por alto sin darnos cuenta: un chicle pegado en la rejilla de ventilación, vasos de plástico incrustados en los huecos de un alambrado, un envase vacío de yogur helado con su cucharita de plástico rosa, la ropa inerte tras el vidrio de una secadora, o la correa tensa de un perro enredada en un poste de luz, cuyo cautivo se encuentra en algún lugar fuera de cuadro.
En oposición creativa a la gran escala y a las temáticas de sus obras históricas de mayor tamaño, estas piezas enfatizan la intimidad y prestan atención a los episodios menores y a esos momentos de gracia espontánea, asombro e hilaridad que pueblan nuestras vidas y que a menudo ignoramos. Cada Daily / Diario parece ofrecer la secuencia inicial de una historia que aún está por escribirse. ¿Quién dejó esa barra de jabón apoyada precariamente en el borde del lavabo en Daily #21? ¿Cuánto tiempo lleva acumulándose esa pila de correspondencia debajo del buzón de la puerta principal en Daily #37, y qué presagia? ¿Qué decía el cartel amarillo fotocopiado, con sus tiras troqueladas para arrancar, que está abrochado al poste de teléfono en Daily #34? ¿“Compramos casas en efectivo”? ¿Un número de teléfono para reportar una mascota perdida? ¿Quizás se perdió el perro invisible de Daily #28?
Estas obras son, al mismo tiempo, un relato autobiográfico de los tránsitos del artista por el mundo y una celebración del poder narrativo de los acontecimientos y situaciones menores. Si bien esta serie tiene una fecha de caducidad inminente —ya que los materiales y el proceso necesarios para su impresión están desapareciendo con rapidez—, los Dailies / Diarios continuarán ofreciendo un contrapunto personal y complementario a las reconstrucciones fotográficas más monumentales que Demand hace de las imágenes marginales de la historia. Cuando la historia tartamudea, los Dailies / Diarios de Demand llenan los vacíos.
Refuge II, V / Refugio II, V, 2021
C-Print / Diasec
160 x 200 cm / 90 x 70 cm
Pruebas de exhibición
En su serie Refuge / Refugio (2021), Demand vuelve a posar su mirada sobre los espacios domésticos banales en los que se han encontrado diversas figuras de la historia mundial. La presente exhibición incluye dos de las cinco obras que conforman este proyecto, en las cuales el artista explora la habitación en el aeropuerto de Sheremétievo (Rusia) en la que se presume que vivió el informante y prófugo de la seguridad nacional estadounidense, Edward Snowden. Como especialista en tecnología de internet y contratista de la Agencia de Seguridad Nacional (NSA), Snowden filtró lotes de documentos clasificados a un grupo de periodistas de investigación, aportando pruebas de un programa activo de vigilancia global de correspondencia electrónica y conversaciones telefónicas por parte de agencias de espionaje estadounidenses. El 14 de junio de 2013, Estados Unidos acusó de espionaje y robo de bienes del Estado a Snowden en su ausencia. Poco después huyó de su país, primero a Hong Kong y luego a Rusia, donde pasó más de un mes en la zona de tránsito del aeropuerto de Sheremétievo antes de que se le concediera la residencia permanente.
Las fotografías de Demand reconstruyen la habitación de hotel donde se hospedó Snowden, retratada como un espacio lúgubre, sin ventanas y marcado por el tedio genérico de lo corporativo. Esta celda de detención de facto, impecablemente ordenada, es la máxima “tierra de nadie” para un apátrida: un teléfono con cable descansa sobre la mesa de luz, una pantalla de televisión vacía emite su frío resplandor desde una pared cercana, un solitario aplique hace las veces de ventana junto a una cama tendida con pulcritud, y un pasillo de hotel desangelado enmarca una manguera de incendios de un rojo brillante que evoca el peligro, pero que al mismo tiempo es la única “vida” colorida en este entorno de penumbra perpetua.
Finalmente, Demand adopta un punto de vista radical en Refuge I / Refugio I al mostrar el cielorraso suspendido de la habitación, en el cual un detector de humo, una rejilla de ventilación, un rociador y una luz cenital pueblan e interrumpen la geometría cuasi modernista de las placas cuadriculadas del techo. Capturados desde la perspectiva de una persona acostada en la cama, estos elementos básicos de la arquitectura de una habitación de hotel adquieren el carácter ominoso y paranoico de posibles dispositivos de escucha. En su conjunto, estas imágenes representan la banalidad de un estado de emergencia en el mundo moderno de la vigilancia tecnológica.
Klee / Trébol, 2025 Impresión UV sobre cobre
166 x 125 cm
Prueba de artista
El cobre es un elemento de la tabla periódica (n.º 29, Cu). En lo que respecta a la historia del arte, Demand considera este metal como “un material con bastante aura”. En el siglo XVI, los artistas comenzaron a pintar sobre cobre porque la madera se deformaba y los lienzos montados en bastidores aún no se utilizaban de forma generalizada. El grabado en planchas de cobre fue también una de las primeras técnicas empleadas para reproducir imágenes mecánicamente a principios del siglo XV, mientras que, siglos más tarde, las primeras fotografías también se imprimieron sobre cobre. Demand recurrió al cobre como soporte para esta obra, ya que las técnicas de impresión fotográfica analógicas, como la transferencia de tintes (dye transfer) y los procesos cromogénicos, han desaparecido de forma repentina. Klee / Trébol es la primera imagen impresa por Demand sobre cobre. La imagen en sí es sencilla y no narrativa. Transmite un único mensaje: suerte.
Badezimmer / Baño, 1997
C-Print / Diasec
160 x 120 cm
Prueba de exhibición
En esta obra Demand recrea una controvertida fotografía de prensa de una bañera en el Hotel Beau-Rivage en Ginebra, Suiza, donde Uwe Barschel, ministro del estado alemán de Schleswig-Holstein, fue hallado muerto el 11 de octubre de 1987, en lo que parecía un suicidio, aunque se han barajado diversas teorías que apuntan a un asesinato.
Barschel fue el protagonista de un escándalo político en el cual se lo acusó de contratar a un detective privado para descubrir información comprometedora sobre la vida sexual de un opositor de su propio partido. Tras verse obligado a renunciar a su cargo, Barschel voló a Ginebra y se registró en el Hotel Beau-Rivage, donde esperaba reunirse con un informante que tendría datos para desvincularlo de cualquier acto ilícito en el escándalo.
La imagen del cuerpo sin vida de Barschel, tomada por el periodista que lo descubrió un día después, se convirtió en el centro de un debate sobre la ética del fotoperiodismo, así como sobre el uso de las fotografías en la construcción de narrativas políticas. Demand vacía la imagen del cuerpo del político y deja al espectador únicamente con los vestigios escenográficos de este teatro político de las imágenes.
Pacific Sun / Sol de Pacifico, 2012 Animación en video
Sonido: David Cunningham
2’ 02’’
Una cualidad absurda —que recuerda al caos de la comedia física y el cine mudo (slapstick)— sirve como telón de fondo para la monumental animación en stop-motion Pacific Sun (2012). En esta película, el artista reconstruyó dos minutos de las imágenes de las cámaras de seguridad del crucero Pacific Sun mientras era azotado por olas gigantescas durante una tormenta tropical frente a la costa de Nueva Zelanda. Al eliminar de la escena a los empleados y pasajeros, Demand pasó meses recreando minuciosamente con papel y cartón el caótico ir y venir de sillas, mesas, armarios, platos de papel, monitores de computadora y, de manera bastante hilarante, una única planta en maceta, mientras se precipitaba de un lado a otro bajo la cubierta.
El absurdo definitivo aquí reside en el acto, insoportablemente meticuloso, de Demand al recrear unos instantes de caos descontrolado, en los que la naturaleza sacudía inesperadamente la ingeniería artificial del barco. En su reconstrucción escénica de esta disrupción —casi brechtiana— del feliz sueño de clase media de unas vacaciones en crucero, el artista se convierte en coreógrafo del mundo que nos rodea. Utiliza el papel para componer un ballet aleatorio a partir de los restos y desechos de los objetos inertes y absolutamente ordinarios que pueblan nuestras vidas en silencio.
Labor / Laboratorio, 2000 C-Print / Diasec
180 x 268 cm
Prueba de exhibición
En Labor (2000), Demand recreó la imagen de una cámara anecoica —una habitación insonorizada y sin eco— diseñada específicamente por el fabricante de automóviles BMW para evaluar los niveles de ruido de los autos como si estuvieran yendo a gran velocidad por un campo vacío, sin viento ni obstáculos acústicos.
La imagen de Demand muestra un fragmento de esta cámara: la parte superior, donde una esquina se une con el techo. De apariencia casi abstracta, con sus pilares de espuma acústica, producto de ingeniería avanzada, formando una especie de textura geométrica similar al efecto moiré, somos devueltos al aquí y ahora cuando notamos los cuatro micrófonos suspendidos del techo.
Utilizados para capturar los sonidos generados por las pruebas de BMW, estos micrófonos señalan un propósito paralelo al de la cámara fotográfica de Demand, ya que registran las simulaciones acústicas del mundo real tal como son recreadas en este laboratorio. En esta obra, Demand ha logrado capturar el aspecto visual del sonido del silencio, revelando al mismo tiempo el artificio que opera en el mundo de la ingeniería.
Hanami / Mirar las flores, 2014 Impresión UV sobre papel mural no tejido
Medidas variables
"Al pie de las escaleras que conducían al jardín, había un cerezo cubierto de lo que parecían ser unas flores magníficas. Me sorprendió que hubiera florecido tan temprano, y pensé que, si el cerezo ya estaba en flor, los ciruelos debían estar en pleno esplendor. Entonces me di cuenta de que las flores eran artificiales. Su matiz, sin embargo, no era en absoluto inferior al de las flores reales. ¡Qué destreza debió requerirse para hacer que se vieran tan reales! Me entristeció pensar que todas se arruinarían si empezaba a llover".
Esta observación de Sei Shōnagon en sus reflexiones de principios del siglo XI, El libro de la almohada, inspiró Hanami (2014) de Thomas Demand, uno de los empapelados del artista: obras fotográficas creadas específicamente para ser producidas y montadas como experiencias arquitectónicas inmersivas. En esta obra, el artista recreó un sinfín de flores de cerezo japonesas en papel, que luego fotografió para generar esta imagen densamente envolvente. Su título, Hanami, alude a la costumbre tradicional japonesa de reconocer el carácter transitorio de la belleza y de la vida, celebrando la floración de los cerezos durante su breve aparición en primavera. Tanto en el caso de las observaciones de Shōnagon sobre las flores de cerezo artificiales, como en la recreación deliberada en papel que Demand hace de sus flores, Hanami nos ofrece una meditación sobre el carácter fugaz y cíclico de la vida, así como sobre el poder de la simulación para crear belleza frente a la cruda realidad del mundo.
Zimmer / Habitación, 1996
C-Print / Diasec
172 x 232 cm
Prueba de exhibición
En Zimmer (1996), Demand reconstruye una imagen de la habitación de hotel donde el controvertido escritor estadounidense y fundador de la Cienciología, L. Ron Hubbard, vivió y trabajó entre 1972 y 1973. Hubbard era notoriamente solitario, pasaba su vida y trabajaba en habitaciones de hotel, y rara vez era fotografiado (solo se conocen siete fotografías existentes del autor). Desprovistos de la presencia física del profeta de esta supuesta iglesia, se nos presentan únicamente las herramientas de difusión de sus ideas —una máquina de escribir eléctrica, papel, libros, un cenicero y una taza de café—, todas ellas esparcidas casualmente en una habitación desordenada y que evidencia un gran uso. La fotografía de Demand nos ofrece un momento al estilo de El Mago de Oz al correr el telón y revelar los verdaderos orígenes de un autor que llegaría a construir una organización global de carácter sectario con sus propias y cuestionables pretensiones de verdad.