Encuentros de reflexión | Penumbra: Dia Art Foundation
Penumbra: Contexto histórico y cultural. Parte I, con Luis Sagasti
Jueves 16 de abril, 2026
En el marco de la muestra Fundación Proa presenta dos encuentros a cargo del escritor Luis Sagasti que invitan a recorrer el trasfondo histórico, cultural y filosófico en el que surgieron las obras en exhibición.
A partir de figuras como Michel Foucault, John Cage, Marcel Duchamp, Kurt Vonnegut, Carver y Jorge Luis Borges, Sagasti construye un mapa de época que va de la posguerra a fines del siglo XX: la Guerra Fría, la contracultura, el surgimiento del rock, la crisis de la idea de progreso y la transformación del sujeto contemporáneo.
Penumbra: Contexto histórico y cultural. Parte II, con Luis Sagasti
Jueves 30 de abril, 2026
En ese contexto, los encuentros permiten comprender cómo se configuran los grandes desplazamientos del arte —del minimalismo al conceptual— no como hechos aislados, sino como parte de un cambio profundo en las formas de pensar, percibir y producir cultura.
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Luis Sagasti es profesor y licenciado en Historia. Docente de la Cátedra de Introducción a las Ciencias Sociales en la Universidad Nacional del Sur y de las Escuelas Medias de la misma universidad. Ha estado a cargo del área de Educación y Extensión Cultural del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca desde 1995 a 2003. Entre otras novelas y ensayos ha publicado Lenguas Vivas, Bellas Artes, Los mares de la luna, Cybertlon, Perdidos en el espacio. Su novela Una ofrenda musical ganó el Segundo Premio Nacional de Literatura en 2022. En 2024 le fue otorgado el Premio Konex a la labor literaria. Ha sido traducido al inglés, francés, portugués y turco. Su última publicación, La realidad absoluta, es de febrero de este año.
De Kosice a Benedit: la luz en el arte argentino, con María José Herrera
Miércoles 24 de junio, 2026
A partir de obras de Gyula Kosice, Marta Minujín, Rubén Santantonín, David Lamelas, Oscar Bony y Luis Fernando Benedit, entre otros, la jornada recorre el uso de la luz en el arte argentino de las décadas de 1960 y 1970, un período marcado por la renovación de los lenguajes artísticos.
María José Herrera recorre distintas obras y experiencias del arte argentino de las décadas de 1960 y 1970 que incorporan la luz como material, recurso visual o eje conceptual. Pinturas, esculturas, cajas lumínicas e instalaciones permiten analizar los diversos usos que los artistas locales dieron a este elemento en un período de intensa renovación de lenguajes y prácticas.
Desde las pinturas de marco recortado con tubo fluorescente de neón de Gyula Kosice a mediados de los cuarenta, pasando por las experiencias de las máquinas inútiles de Edgardo Antonio Vigo, los Relativuzgir’s de fines de los cincuenta, los neones vibrantes tomados de la publicidad urbana de La Menesunda de Marta Minujín y Rubén Santantonín en los sesenta; las esculturas lumínicas de David Lamelas que desafían los códigos del museo, las experiencias semióticas de Oscar Bony y los laberintos invisibles de Luis Fernando Benedit (1970), el encuentro examina un conjunto de obras que reflejan la diversidad de búsquedas estéticas, conceptuales y políticas presentes en el arte argentino de la época.
La actividad también aborda los vínculos internacionales, los espacios de exhibición y las instituciones que impulsaron estas experiencias, fundamentales para comprender uno de los momentos más innovadores de la producción artística local durante el siglo XX.
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María José Herrera, licenciada en Artes, UBA. Investigadora, curadora y ensayista. Jefe de Investigación y curaduría del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA, 1999- 2012). Directora Artística del MNBA (2008). Presidente de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2007-2016). Titular de Cátedra de Curaduría en la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Untref, 2010- 2024). Directora Artística del Macba (2012) y Directora General del Museo de Arte Tigre (2014- 2018). Investigadora del Centro Materia, Arte y Cultura (Untref, 2019- 2024). Autora de Cien años de arte argentino (Biblos/OSDE, 2014).
Del paradigma moderno al arte contemporáneo, con Sergio Moyinedo
Jueves 30 de julio, 2026
El historiador del arte e investigador analiza el pasaje del arte moderno al contemporáneo a partir de las transformaciones que atraviesan la producción artística estadounidense de las décadas de 1960 y 1970.
Sergio Moyinedo – historiador del arte, investigador y docente especializado en arte moderno y contemporáneo- propone analizar el pasaje del paradigma moderno a las prácticas que dan origen al arte contemporáneo.
Tomando como punto de partida las obras reunidas en “Penumbra: Dia Art Foundation”, la conversación aborda el “estado conceptual” que caracterizó gran parte del arte estadounidense de las décadas de 1960 y 1970, cuando la materia, la luz, el color, el espacio y la experiencia del espectador se convierten en eje de investigaciones que replantean los fundamentos de la práctica. Las producciones de Walter De Maria, James Turrell, Robert Irwin, Richard Serra, Agnes Martin y John Chamberlain representan ese momento de exploración del lenguaje artístico. En contraste, la obra de Felix Gonzalez-Torres introduce cuestiones vinculadas con la memoria, el afecto y la dimensión política, ampliando el campo de reflexión hacia la experiencia social.
Moyinedo examina las transformaciones que modifican el horizonte del arte a fines del siglo XX y propone una lectura sobre las continuidades y rupturas que explican el paso de la modernidad al arte contemporáneo.
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Sergio Moyinedo es profesor en asignaturas de grado y posgrado sobre arte moderno y contemporáneo en la Facultad de Artes de la UNLP y en el Departamento de Escrituras de las Artes de la UNA. En esta última unidad académica, dirige la Maestría en Historia del Arte Moderno y Contemporáneo e integra el equipo de investigación Procesos contemporáneos de artificación. Aproximaciones desde las teorías de la mediatización y la enunciación. Dirigió varios proyectos de investigación referidos al Arte Contemporáneo y publicó diversos trabajos sobre el mismo tema.