LUNES 1 DE OCTUBRE DE 2012
11.00 hs. Presentación del Seminario
11.00 hs. María del Carmen González / Fundación Cisneros
Resumen de la presentación
Un análisis sobre los conceptos de inclusión e integración social.
Cuando hablamos de inclusión o integración social, ¿a qué nos referimos exactamente? ¿Qué pasa cuando agregamos el arte a estas definiciones? ¿Hablamos de una integración social con, y, o a través del arte?
Asimismo, puede existir una disparidad entre lo que entendemos como integración social a nivel individual y desde la óptica de una institución. El hecho de que haya tantas manifestaciones distintas de lo que significa integrar a alguien con respecto a las artes evidencia la falta de claridad en las definiciones, metas y resultados aprendidos y evaluados. Más aún, hay que considerar la relación que tienen estas definiciones con el arte. Es en el cuestionamiento y en la verbalización de definiciones de estos términos que vemos la Torre de Babel en la que nos desempeñamos. Las palabras son las mismas pero las interpretaciones resultan desiguales y hasta incongruentes.
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Un análisis sobre los conceptos de inclusión e integración social.
Cuando hablamos de inclusión o integración social, ¿a qué nos referimos exactamente? ¿Qué pasa cuando agregamos el arte a estas definiciones? ¿Hablamos de una integración social con, y, o a través del arte?
Asimismo, puede existir una disparidad entre lo que entendemos como integración social a nivel individual y desde la óptica de una institución. El hecho de que haya tantas manifestaciones distintas de lo que significa integrar a alguien con respecto a las artes evidencia la falta de claridad en las definiciones, metas y resultados aprendidos y evaluados. Más aún, hay que considerar la relación que tienen estas definiciones con el arte. Es en el cuestionamiento y en la verbalización de definiciones de estos términos que vemos la Torre de Babel en la que nos desempeñamos. Las palabras son las mismas pero las interpretaciones resultan desiguales y hasta incongruentes.
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María del Carmen González es curadora, diseña, desarrolla e implementa alianzas y publicaciones con instituciones educativas y culturales en Argentina, Costa Rica, El Salvador, República Dominicana, México, Estados Unidos y Venezuela. Fue educadora de museo en The Museum of Modern Art de Nueva York entre los años 1992 y 2004, donde estuvo encargada del desarrollo profesional de los educadores del museo y docentes mediante la edición y elaboración de cursos, talleres de desarrollo profesional y manuales, catálogos y folletos para distintas exposiciones. Es coautora de diversos materiales, entre ellos: pedagógicos Piensa en arte/Think Art (2006-2012); “Looking at Matisse and Picasso”, María del Carmen González y Rubin, Susanna (2003); “ModernStarts: People, Places, Things”, John Elderfield, Peter Reed, Mary Chan, María del Carmen González, (1999); “Body Language” Mary Chan, Starr Figura, Sarah Ganz, María del Carmen González, M. Daniel Alexander (1999).
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12 hs. Luis Camnitzer / Fundación Cisneros
Resumen de la presentación
¿Es posible usar la apreciación del arte como se utiliza tradicionalmente para lograr la inclusión social? Camnitzar considera que no es posible, que lo que tiende a lograr esta forma de educación es solamente un aumento de la base de consumo del arte. El propósito de una educación efectiva es el de lograr individuos capaces de contribuir creativamente a su sociedad. Esto requiere que el individuo sea formado no en procesos de consumo sino en procesos flexibles de creación, que desarrolle la habilidad de hacer conexiones y que sea capaz de cuestionar críticamente lo que se le presenta. Por lo tanto, no es la obra de arte lo que importa, sino compartir el campo de especulación que la obra de arte genera.
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¿Es posible usar la apreciación del arte como se utiliza tradicionalmente para lograr la inclusión social? Camnitzar considera que no es posible, que lo que tiende a lograr esta forma de educación es solamente un aumento de la base de consumo del arte. El propósito de una educación efectiva es el de lograr individuos capaces de contribuir creativamente a su sociedad. Esto requiere que el individuo sea formado no en procesos de consumo sino en procesos flexibles de creación, que desarrolle la habilidad de hacer conexiones y que sea capaz de cuestionar críticamente lo que se le presenta. Por lo tanto, no es la obra de arte lo que importa, sino compartir el campo de especulación que la obra de arte genera.
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Luis Camnitzer es profesor de Arte emérito de la State University of New York, College at Old Westbury. Ha recibido gran número de becas y homenajes a su trabajo. En 1988 representó a Uruguay en la Bienal de Venecia. En 1998 recibió el premio de “Crítico Latinoamericano del Año” de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (AACA) y en 2011 recibió el Premio Frank Jewitt Mather del College Art Association. Participó en la Bienal de Whitney 2000 y en Documenta11 en 2003. Actualmente es asesor pedagógico de la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Algunos de sus libros son: New Art of Cuba, University of Texas Press, 1994/2004; Arte y Enseñanza: La ética del poder, Casa de América, Madrid, 2000; Didactics of Liberation: Conceptualist Art in Latin America, University of Texas Press, 2007 y On Art, Artists, Latin America and Other Utopias, University of Texas Press, 2010.
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14:30 hs. MESA CASOS LOCALES: Fernanda Laguna y Mariela Scafati / Escuela Belleza y Felicidad
Resumen de la presentación
Presentación del caso de la Escuela Belleza y Felicidad de Villa Fiorito. En 2009, la Dirección General de Educación de la Provincia de Buenos Aires aprobó el proyecto de un Secundario Superior orientado en Artes Visuales redactado por el equipo de Belleza y Felicidad y presentado por la Escuela. En 2010 comenzaron las clases con la nueva orientación. A partir de allí, el equipo asesora a la dirección de la escuela y diseña con ella estrategias metodológicas que integren las artes visuales con todas las otras materias curriculares para que, de este modo, el aprendizaje sobre arte se vuelva más integral y orgánico.
Los objetivos generales son: destacar ante la comunidad y ante el alumnado la identidad de un secundario en arte; apuntar que el desarrollo de la mirada de los alumnos, ya sea como espectadores o como productores de arte, genera cuestionamientos y salidas creativas a problemáticas o situaciones cotidianas; buscar la integración de distintas materias de la escuela para potenciar los contenidos curriculares en general. Estos objetivos requieren de estrategias pedagógicas que pongan en marcha diversos dispositivos de producción y comunicación de contenidos, buscando generar lazos entre espacios de arte tanto alternativos como institucionales.
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Presentación del caso de la Escuela Belleza y Felicidad de Villa Fiorito. En 2009, la Dirección General de Educación de la Provincia de Buenos Aires aprobó el proyecto de un Secundario Superior orientado en Artes Visuales redactado por el equipo de Belleza y Felicidad y presentado por la Escuela. En 2010 comenzaron las clases con la nueva orientación. A partir de allí, el equipo asesora a la dirección de la escuela y diseña con ella estrategias metodológicas que integren las artes visuales con todas las otras materias curriculares para que, de este modo, el aprendizaje sobre arte se vuelva más integral y orgánico.
Los objetivos generales son: destacar ante la comunidad y ante el alumnado la identidad de un secundario en arte; apuntar que el desarrollo de la mirada de los alumnos, ya sea como espectadores o como productores de arte, genera cuestionamientos y salidas creativas a problemáticas o situaciones cotidianas; buscar la integración de distintas materias de la escuela para potenciar los contenidos curriculares en general. Estos objetivos requieren de estrategias pedagógicas que pongan en marcha diversos dispositivos de producción y comunicación de contenidos, buscando generar lazos entre espacios de arte tanto alternativos como institucionales.
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Fernanda Laguna es artista, escritora y curadora. Fundó el espacio de arte y editorial Belleza y Felicidad. Participó del proyecto de un secundario especializado en arte. Curó más de doscientas muestras en espacios independientes y museos de la Argentina y el exterior. Participó de la creación y organización de Periférica, feria de espacios de arte independientes en el Centro Cultural Borges. Formó parte del grupo fundador de Eloísa Cartonera y del espacio No hay cuchillos sin rosas. Impulsó la apertura del espacio de poesía y performance Tu rito. Obtuvo las becas Kuitca y Foundation for Arts Initiatives. Participó en múltiples exposiciones individuales y colectivas. Publicó incontables plaquettes de poesía en diversas editoriales y los libros Control o no control (2012), Me encantaría que gustes de mí (2006) y Dame pelota (2009), editados por la editorial Mansalva.
Mariela Scafati es profesora en Artes Visuales y diseñadora gráfica. Expuso en diversas galerías de arte, espacios independientes y museos de la Argentina y el exterior. En 2002 participa de la creación del Taller Popular de Serigrafía (T.P.S.). En 2007 crea el encuentro de serigrafistas queers. En 2010 crea junto a Lola Granillo la Radio Electrónica Artesanal, REA. Desde 2010 junto al equipo byffiorito coordina el proyecto de un secundario especializado en arte de la mano de la escuela pública N° 49 del mismo barrio, proyecto que recibió dos becas de Fondo Nacional de las Artes. En 2012 participa del Premio Petrobras - ArteBA con el proyecto La Multisectorial Invisible.
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Mariela Scafati es profesora en Artes Visuales y diseñadora gráfica. Expuso en diversas galerías de arte, espacios independientes y museos de la Argentina y el exterior. En 2002 participa de la creación del Taller Popular de Serigrafía (T.P.S.). En 2007 crea el encuentro de serigrafistas queers. En 2010 crea junto a Lola Granillo la Radio Electrónica Artesanal, REA. Desde 2010 junto al equipo byffiorito coordina el proyecto de un secundario especializado en arte de la mano de la escuela pública N° 49 del mismo barrio, proyecto que recibió dos becas de Fondo Nacional de las Artes. En 2012 participa del Premio Petrobras - ArteBA con el proyecto La Multisectorial Invisible.
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15 hs. Marina De Caro / Propuesta Educativa Bienal del Mercosur
Resumen de la presentación
La presentación dio cuenta del proyecto pedagógico elaborado por Marina de Caro para la 7a. Bienal del Mercosur, donde cumplió el rol de curadora pedagógica. El proyecto requirió el diseño de ejes de trabajo que estuvieran en consonancia con la curaduría general de Grito e Escuta, a cargo de Victoria Noorthoorn.
El espacio propuesto por la Fundación Bienal para un curador pedagógico se tomó como un espacio abierto a reflexionar sobre el campo de la educación, hace décadas cristalizado en estructuras jerárquicas y con pocas posibilidades de experimentar alternativas a las currículas escolares del sistema educativo institucional.
Esta Curaduría Pedagógica pensó el Proyecto Pedagógico como una práctica concreta y experimental, donde el diálogo entre arte y educación enmarcara un espacio de intimidad autónomo que genera acciones para explorar la realidad y ejercitar un pensamiento poético y libre, independiente del imaginario social homogéneo presentado por el sistema institucionalizado.
En consonancia con estas ideas, la propuesta dio visibilidad a propuestas educativas no formales, desarrolladas de manera independiente por artistas contemporáneos.
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La presentación dio cuenta del proyecto pedagógico elaborado por Marina de Caro para la 7a. Bienal del Mercosur, donde cumplió el rol de curadora pedagógica. El proyecto requirió el diseño de ejes de trabajo que estuvieran en consonancia con la curaduría general de Grito e Escuta, a cargo de Victoria Noorthoorn.
El espacio propuesto por la Fundación Bienal para un curador pedagógico se tomó como un espacio abierto a reflexionar sobre el campo de la educación, hace décadas cristalizado en estructuras jerárquicas y con pocas posibilidades de experimentar alternativas a las currículas escolares del sistema educativo institucional.
Esta Curaduría Pedagógica pensó el Proyecto Pedagógico como una práctica concreta y experimental, donde el diálogo entre arte y educación enmarcara un espacio de intimidad autónomo que genera acciones para explorar la realidad y ejercitar un pensamiento poético y libre, independiente del imaginario social homogéneo presentado por el sistema institucionalizado.
En consonancia con estas ideas, la propuesta dio visibilidad a propuestas educativas no formales, desarrolladas de manera independiente por artistas contemporáneos.
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Marina de Caro es artista visual y Licenciada en Historia del Arte (Universidad de Buenos Aires). Realizó exposiciones individuales, performances, bienales y exposiciones colectivas. Coordinó en Buenos Aires, junto a Claudia Fontes e Irene Banchero, Proyecto Trama, programa internacional de cooperación y confrontación entre artistas 2001/05. Organizó en el 2005 los encuentros de Video Bastardo. Desarrolló el Proyecto Pedagógico Artistas en Disponibilidad. La educación como un espacio para el desarrollo de micrópolis experimentales para la 7ma. Bienal do Mercosul: Grito e Escuta, Brasil. Realizó los Consultorios A la hora del vermouth y Guardias Urgentes Cuadros agudo, junto a Mariela Scafati y Ana Gallardo en CIA, Buenos Aires.
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15.30 hs. Juliet Kinchin / MoMA
Resumen de la presentación
La exposición giró en torno a la investigación y la curaduría de la exhibición Century of the Child: Growing by Design 1900-2000, realizada en el MoMA, entre julio y noviembre de 2012.
A través del recorrido visual de los objetos, diseños y arquitecturas desarrolladas especialmente para los niños, podían deducirse las distintas concepciones de la infancia que atravesaron el siglo XX.
Desde los diseños de escuelas de principios de siglo, pasando por la utopía de las vanguardias en las décadas del 20 y el 30, los períodos de posguerra, los diseños alternativos y críticos de las décadas de los 60 y 70 hasta los diseños contemporáneos, Kinchin reflexionó sobre las formas de reclusión o inclusión generados por ellas.
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La exposición giró en torno a la investigación y la curaduría de la exhibición Century of the Child: Growing by Design 1900-2000, realizada en el MoMA, entre julio y noviembre de 2012.
A través del recorrido visual de los objetos, diseños y arquitecturas desarrolladas especialmente para los niños, podían deducirse las distintas concepciones de la infancia que atravesaron el siglo XX.
Desde los diseños de escuelas de principios de siglo, pasando por la utopía de las vanguardias en las décadas del 20 y el 30, los períodos de posguerra, los diseños alternativos y críticos de las décadas de los 60 y 70 hasta los diseños contemporáneos, Kinchin reflexionó sobre las formas de reclusión o inclusión generados por ellas.
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Juliet Kinchin ingresó en el MoMA de Nueva York en 2008 como curadora en el Departamento de Arquitectura y Diseño. Es curadora, profesora universitaria e investigadora de temáticas del diseño del siglo XX y la cultura material, interesándose a lo largo de los años especialmente por los contextos sociales y políticos del diseño moderno. Actualmente es miembro honorario superior de Investigación en la Universidad de Glasgow y directora fundadora del Programa de Posgrado en Artes Decorativas e Historia del Diseño. También ha ocupado cargos docentes en historia del arte y diseño en la Escuela de Arte de Glasgow y el Centro Bard Graduate de Estudios en Diseño, Artes Decorativas y cultura material en Nueva York. Trabajó como curadora en museos y galerías de arte de Glasgow y en el Victoria & Albert Museum, Londres.
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17.00 hs. Silvia Ojeda / Más Arte Más Acción
Resumen de la presentación
Más Arte Más Acción genera proyectos artísticos interdisciplinarios con artistas y escritores que abordan temas sociales y de medio ambiente, y que a menudo involucrándose en procesos con comunidades poco favorecidas para estimular el intercambio cultural y el diálogo, consolidando así la práctica artística en Colombia y el mundo. La selva del Chocó es la fuente de inspiración del proyecto Base Chocó, un espacio para realizar residencias de artistas contemporáneos en la pequeña población Guachalito, ubicada dentro en la selva tropical colombiana. Base Chocó fue construida en 2011 como una plataforma de lanzamiento de proyectos liderados por artistas y de intercambios culturales internacionales. Es parte del proyecto llamado Nuevatopías que cada año invita a artistas para reflexionar sobre diferentes temas e ideas relacionados con la pérdida de la biodiversidad, el crecimiento exponencial de la población, la urbanización y el consumo humano.
Por último, se abordó la financiación internacional que permite la realización de la propuesta.
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Más Arte Más Acción genera proyectos artísticos interdisciplinarios con artistas y escritores que abordan temas sociales y de medio ambiente, y que a menudo involucrándose en procesos con comunidades poco favorecidas para estimular el intercambio cultural y el diálogo, consolidando así la práctica artística en Colombia y el mundo. La selva del Chocó es la fuente de inspiración del proyecto Base Chocó, un espacio para realizar residencias de artistas contemporáneos en la pequeña población Guachalito, ubicada dentro en la selva tropical colombiana. Base Chocó fue construida en 2011 como una plataforma de lanzamiento de proyectos liderados por artistas y de intercambios culturales internacionales. Es parte del proyecto llamado Nuevatopías que cada año invita a artistas para reflexionar sobre diferentes temas e ideas relacionados con la pérdida de la biodiversidad, el crecimiento exponencial de la población, la urbanización y el consumo humano.
Por último, se abordó la financiación internacional que permite la realización de la propuesta.
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Silvia Ojeda es Manager de proyectos de la Fundación Más Arte Más Acción. Fotógrafa y artista visual con maestría en edición de contenidos. Ha sido coordinadora de proyectos de intervención a la comunidad a través de la cultura y la comunicación en regiones afectadas por el conflicto armado y ha desarrollado eventos de alta escala para la concientización sobre problemáticas sociales. Comunicadora, editora y realizadora de piezas escritas, crónicas, foto reportajes, audiovisuales y documentales vanguardistas de alta calidad. Se destaca dentro de su experiencia la creación y conceptualización de la metodología para intervención con comunidades desplazadas “Un camino hacia el poder creativo” y “Estrategia multiformato de comunicación y cultura”; la realización del audiovisual “Renace Bajo Grande”, “La Voz del Salado” y “Siembra esperanza en tu país”; la edición de la revista Opción Vida 2009-2010, la edición del cuento infantil Juan Camina; y la edición del libro Lavandería, entre otros.
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18.00 hs. MESA CON EXPOSITORES
18.30 hs. Cierre de la actividad