Proyecto para el día que me quieras
Leandro Katz

Librería Proa presenta el último libro de Leandro Katz, Los Fantasmas de Ñancahuazú, y las fotografías del Proyecto para el día que me quieras, realizadas especialmente para las portadas de los capítulos de la publicación. Una imagen del cadáver del Che Guevara en Bolivia fue el punto de partida para una extensa investigación del artista que resultó en la edición del libro y la realización del film documental El día que me quieras, que también se puede ver en la Librería.

Los Fantasmas de Ñancahuazú reproduce las fotos del Che Guevara, una serie de trabajos de Katz y un conjunto de extraordinarios ensayos que dialogan sobre el impacto que produjo esta fotografía en la historia reciente de América Latina. Los autores de los textos son John Berger, Jean Franco, Mariano Mestman, Jeffry Skoller y Eduardo Grüner.

El documental El día que me quieras (incluido en formato DVD en la edición de Los Fantasmas…) relata el itinerario que realizó Katz hasta dar con la foto de Guevara y una entrevista con el autor de esa imagen, el fotógrafo boliviano Freddy Alborta.

Los Fantasmas de Ñancahuazú (2010)
Ed. La Lengua Viperina
300 pág. / textos en español e inglés
DVD del film El día que me quieras
ISBN 9789872458119

A la venta en Librería Proa:
libreria@proa.org / +54 11 4104-1005
Compra telefónica con American Express y MasterCard
Av. Pedro de Mendoza 1929 (La Boca), Ciudad de Buenos Aires

Las fotografías del Proyecto para el día que me quieras se encuentran en exhibición en la Librería Proa.

Catálogo
El Universo Futurista. 1909 - 1936 - Agotado

La publicación El Universo Futuristas. 1909 – 1936 reúne un conjunto imprescindible de manifiestos, documentos y textos teóricos en español acompañados por un cuerpo de más de 200 imágenes que dan cuenta del carácter multidisciplinario del movimiento: artes visuales, literatura, arquitectura, cine, fotografía, teatro, danza, y moda.

Gabriella Belli, historiadora y curadora de la exhibición, presenta “Protagonistas y eventos del Futurismo Italiano”, ensayo que revela los acontecimientos más significativos y los artistas involucrados en cada disciplina, que dieron al futurismo, su personalidad e importancia. Un apartado documental presenta los Manifiestos Futuristas, trece de ellos en una rigurosa traducción, donde se puede comprender desde la voz de los artistas la rebelión, la lucha, el deseo de invención, y la utopía de construcción de una nueva sociedad.

Las visitas de Marinetti y Bragaglia a Buenos Aires son relatadas por la investigadora Cecilia Rabossi, quien plantea una cronología a manera de diario de viaje, que permite reflexionar a través de los testimonios seleccionados sobre las repercusiones y contradicciones que las visitas provocaron en el campo artístico porteño de los años 20 y 30.

El cuerpo de ilustraciones con las obras más relevantes del movimiento, enriquecen la edición convirtiéndola en un aporte obligatorio para comprender el Futurismo en español. La crónica de un movimiento “falto de pasado y libre de tradiciones” que, a pesar de todo, marcó una época.

ISBN 978-987-1164-07-3
268 páginas / 200 reproducciones color / 27 cm x 19 cm
$ 150.-

El catálogo se encuentra a la venta en la librería de Fundación Proa:
libreria@proa.org / +54 11 4104-1005

Compra telefónica con American Express y MasterCard.

Av. Pedro de Mendoza 1929 (La Boca), Ciudad de Buenos Aires

Intervenciones en Librería Proa: Mirtha Dermisache

La Librería Proa prosigue con su programa de intervenciones con artistas contemporáneos. En esta tercera ocasión, la artista Mirtha Dermisache recupera obras de los años 70 exhibidas en vitrinas, en diálogo con ediciones actuales que exhibe en una de las mesas del lugar.

Mirtha Dermisache: Más allá de la escritura
Por Olga Martínez, curadora invitada

En el marco de Sintonías, las obras de Mirtha Dermisache se apropian de algunos espacios de la Fundación. Mesas, estantes y atriles darán oportunidad al espectador/lector a mirar/leer y a transitar por el universo de grafismos desarrollados por la artista desde los años sesenta. La obra de Dermisache es concebida como una escritura. Será Roland Barthes quien la incluya en la categoría de “escrituras ilegibles” (1) y será la misma artista quien postule “esto no quiere decir nada”. Pero que no quiera decir nada no significa que no sea una escritura con pleno derecho, en palabras del mismo Barthes. Estas mismas escrituras o grafismos se manifiestan en formatos propios de la comunicación, como libros, cartas, artículos, diarios, postales; lo cual, además de reforzar la idea de escritura, le imprime cierto marco de legibilidad. A la vez, en su materialidad, en su gestualidad, sus obras no nos permiten olvidar que en la plástica está su origen, más allá de cualquier conceptualización.

En perfecto acuerdo con el destino de sus obras, el criterio de difusión adoptado por la artista es lo múltiple, la publicación y sus formas propias de circulación. Por este motivo fundamental, uno de los acentos en esta intervención está puesto en una publicación tan resonante como el Diario N°1, Año 1, 1972-1995, obra dotada de gran impacto gráfico y fuerte compromiso político. Esta pieza, que está a disposición del espectador/lector, puesta en diálogo con una selección de obras originales concebidas con anterioridad o en paralelo con esta publicación, desplegará la riqueza de la obra de la artista tanto en lo que se refiere al universo gráfico como a la variedad de formatos en los que se inscribe.

Reforzando lo ya expuesto, volvemos sobre este punto central en el trabajo de Dermisache: lo múltiple y su elección por dar a conocer las reproducciones de sus obras originales. Es importante destacar ciertos criterios editoriales vertidos por la artista y celosamente respetados por los que han sido sus editores: no deberán tener ninguna palabra impresa, sólo una nota de presentación desprendible sin la cual perderán toda referencia al autor, editor, colección, alcanzando así absoluta autonomía. Es aquí donde la obra cobra todo su sentido, cuando alcanza este punto en el que la publicación desplaza al original –manuscrito- para comenzar su derrotero por los canales del mundo editorial. Es así como en la Librería se venderán publicaciones recientes de la artista, puestas a disposición del visitante que puede tocarlas, leerlas y también comprarlas, creando un espacio vinculante entre la publicación y el espectador/lector.

Esta intervención también cuenta con dos obras recientes de las series Lecturas públicas y Textos murales.

La particularidad de estos últimos trabajos está dada por su formato y por su propósito. No se trata ya de ese texto íntimo que requiere sentarse a leerlo, sino de un texto que reclama ser mirado/leído por el visitante desde un espacio público, a pesar de lo cual no se impondrá por su estridencia sino por la sutileza de sus trazos en tinta y lápiz. Un texto curatorial preside la Librería, pensado por la artista para iniciar y alentar al público en esta particular forma de lectura, para que acepte el reto y se deje seducir por el recorrido de los trazos, hasta alcanzar lo que Roland Barthes dio en llamar el placer del texto.

(1) Barthes, Roland (1989), “Variaciones sobre la escritura”, en Campa, Ricardo, La escritura y la etimología del mundo, Buenos Aires, Sudamericana

Las obras

Diario Nº1, Año 1, 1972. Impresión offset sobre papel obra, 47,5 x 36,5 cm, 8 págs.

Esta obra fue realizada para ser editada por el Centro de Arte y Comunicación (CAyC), dirigido por Jorge Glusberg, y exhibida en la muestra Arte e Ideología CAyC al Aire Libre, en el marco de Arte de Sistemas II. Fue inaugurada en septiembre de 1972 y arrasada por la policía y la municipalidad por su contenido político contrario al gobierno de Lanusse y alusivo a la reciente Tragedia de Trelew (agosto de 1972). Su proceso creativo retoma grafismos desarrollados en su mayoría en libros realizados por la artista con anterioridad a la concepción del Diario, e incluye una historieta que permite la intervención de quien lo tenga a su alcance mediante la escritura. La pieza ha sido editada en cinco oportunidades: CAyC, 1972; Mirtha Dermisache, 1973; Guy Schraenen, 1975 (Amberes), Artinf, 1974; Mirtha Dermisache, 1995. Además de Diario Nº 1, se exponen otras obras: libros, tarjetas postales, trabajos sueltos, historietas, etc. que corresponden al desarrollo de distintos grafismos en esta diversidad de formatos propios de la comunicación. La obra original permite observar, entre una cantidad de detalles, la presencia del color que desde 1967 en adelante fue acotándose con la única intención de evitar la interpretación decorativa de su trabajo.

Texto mural, 2009. Tinta y lápiz sobre papel, 70 x 100 cm

Lectura pública N°3, 2006. Tinta sobre papel, 59,5 x 72,5 cm

Las series Lecturas públicas y Textos murales son trabajos que la artista comienza a desarrollar en 2005. La particularidad de ellos está dada por su formato y por su propósito. No se trata ya del texto íntimo que requiere sentarse a leerlo, sino de un texto que reclama ser mirado/leído por el visitante desde un espacio público. En el sector de ventas de la librería se podrán encontrar las publicaciones de dos de estas obras: Lectura pública, 2005 y Lectura pública N°3, 2006 editados por Florent Fajole para Le clou dans le fer, Reims y por Mirtha Dermisache, respectivamente.

Texto, 2010. Plotteo de corte sobre vinilo, 150 x 150 cm

Un texto curatorial en el espacio de la Librería interviene la institución misma con sus grafismos, pensado por la artista para incentivar esta particular forma de lectura en el espectador. La pieza fue concebida especialmente para esta ocasión en el formato tradicional de los textos de presentación curatorial.

Mirtha Dermisache
Nació en Buenos Aires en 1940. Estudió artes plásticas en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En 1967 realizó su primer libro de 500 páginas y continuó con el desarrollo de sus grafismos hasta el presente. Sus obras fueron publicadas entre 1970 y 1978 por el Centro de Arte y Comunicación dirigido por Jorge Glusberg. En la década del 70, sus grafismos fueron editados por Marc Dachy y Guy Schraenen en Amberes y también fueron publicados en las revistas Flash art, Doc(k)s, Kontext, Ephemera y Axe. Además, Ulises Carrión expuso sus obras en la galería Other books and so (Amsterdam) y Roberto Altmann en el Malmö Konsthall (Suecia). En simultáneo, creó el Taller de Acciones Creativas en Buenos Aires. Junto a Florent Fajole, realizó desde 2004 una serie de dispositivos editoriales que exploran las dimensiones de la instalación y la edición, destacando ciertos aspectos conceptuales de las publicaciones en una misma realidad espacial. Su primera muestra individual en Buenos Aires fue en la galería El Borde. Más tarde, expuso sus trabajos en el MACBA (Barcelona) y el Centre Pompidou (París)

Intervención en Librería Proa: Recolectora de Paisajes de Inés Drangosch

Ultimas semanas

La artista Inés Drangosch interviene el espacio de la librería con su obra Recolectora de Paisajes, prosiguiendo con el programa de Fundación Proa de promover acciones contemporáneas en los espacios de la fundación. La intervención, curada por Ana Gallardo, entrecruza la palabra y la imagen en obras donde poesía, reflexión y belleza están presentes.

Recolectora de Paisajes, 2009
El ejercicio artístico que viene practicando Inés Drangosch en estos últimos trabajos es sencillo y sutil: dibujos sobre papel. Ejercitando el hábito de la apropiación, dibuja poesías. Trabaja meticulosamente sobre variados papeles, generalmente finos, traslúcidos, como el de calco, que le sugiere aire, agua o luz. Allí deposita las palabras.

En las paredes de la librería
De los mapas al jardín (textos: “Burning in water, drawning in flame” de Charles Bukowski y “Poesía vertical” de Roberto Juarroz), 2009

Dibujos sobre papel calco, ploters sobre vinilo
En la imagen aparente de una enredadera que toma el espacio con su azaroso dibujo, se observa al acercarse el detalle de varios textos. Drangosch elige a tres poetas y sus libros, “Poesía vertical” de Juarroz , “Burning in water, drawning in flame” de Bukowski y “Una temporada en el infierno” de Rimbaud, y de cada uno ellos selecciona frases que combina y relaciona en un dibujo por las afinidades que encuentra entre ellos. Las frases se juntan sin ningún criterio previo, sólo por el vínculo que ella encuentra en común. El resultado es la imagen de la enredadera del lenguaje, un enmarañado bosque que el contemplador puede comenzar a transitar dificultosamente. En las obras expuestas, trabaja con textos que convierte en naturaleza, organizando una nueva trama, una lectura arbitraria.

Mapas de poesía (textos “Burning in water, drawning in flame” de Charles Bukowski, “Poesía vertical” de Roberto Juarroz y “Una temporada en el infierno” de Arthur Rimbaud, componiendo nuevas geografías)
Impresión sobre papel
En estas piezas, la artista representa cartografías, caminos compuestos por palabras, que nos da referencias para que, convertidos en exploradores anónimos, transitemos de escritura en escritura, de rama en rama, leyendo desde arriba, hacia atrás, hacia los costados o a la primer palabra, un brote compartido. Se plantean así siempre nuevos territorios posibles.

En las vitrinas de la biblioteca
“Hojas para…” (texto: poemas de Inés Drangosch traducidos en códigos de color), 2006
Instalación. Hojas cuadriculadas, lápices de color, viruta de lápices de color
Estas hojas cuadriculadas pintadas con lápices de colores, son poemas escritos por la artista, los
cuales traduce a estos códigos cromáticos. Presenta al lado los restos de los lápices que ha utilizado.

“Rimbaud” (Libro de Arthur Rimbaud: “Una temporada en el infierno”, intervenido con cinta de papel después de haberlo leído. Texto arrancado), 2009
Instalación. Cinta de papel pegada sobre el texto y arrancada
Aquí se presenta un libro sin letras, junto a restos de cinta scotch. Son las frases que ha sacado a medida que leía Una temporada en el infierno, cubriendo con cinta el libro y “depilando” suavemente las palabras. Cuidadosamente apila los restos en un grupo suave, secreto e irreverente, cual virutas de una talla de madera. Solamente intentado una y otra vez gestos mínimos, para así ordenar una nueva naturaleza.

Recolectora de paisajes. Ana Gallardo

Cuando Inés sale a su jardín, encuentra palabras.
Va de aquí para allá.
Las encuentra caídas, cruzadas, puntos, comas, acentos.
Cada una de ellas, esta mojada por el rocío.
Las seca.
Pareciera que sus queridos poetas se las dejan, madrugada a madrugada, textos a texto, desparramados entre los pastos, las medianeras, el borde de la pileta, debajo de un limonero, cerca de las azucenas.
Hace un trabajo cuidadoso de recolección, como la espigadora, se agacha y se vuelve a agachar, buscando una a una esa palabra tan querida, leída y releída.
Luego, conforma una gran enredadera de textos que se entrelazan, se adhieren fuertemente al muro, como una enamorada, dejando una huella, un rastro para que nunca se olvide.
Como el agua que corre, bajan y se mezclan, se confunden entre sí, organizando nuevos textos.
Reescribe, como la naturaleza, los poemas que quiere, se apropia de ellos haciendo un nuevo paisaje.
De vez en cuando nos deja una guía, para volver a encontrar el camino,
Números pequeños que nos determina el regreso a ese lugar primero, a esa primera palabra, a un comienzo compartido.
Mapas de poesía, proponiendo varias lecturas posibles
Lee un libro, lo cubre de cinta de papel que después la arranca, borrando el texto.
Primero los vacía como si diera vuelta una bolsa, disimula un abandono sobre el pasto, de aquello que lee y de lo que siente.
Mas tarde, meticulosamente, ordena las pequeñas tiras de palabras arrancadas delicadamente y las apila en un grupo suave, secreto e irreverente.
Todas juntas, como si fueran los restos de una talla de madera.
Aserrín, fino y poético.
Otra vez volvamos a comenzar.
Otro recorrido por una nueva naturaleza, por un nuevo paisaje, por un nuevo poema.

Inés Drangosch
Nació en Buenos Aires en 1956. Actualmente vive y trabaja en Mar del Plata. Se formó en la Escuela Martín Malharro de dicha ciudad. Recibió la Beca de Perfeccionamiento del Fondo Nacional de las Artes y realizó una clínica de obra con la artista Claudia Fontes, en Brighton, Inglaterra. Luego hizo un workshop con el artista Erick Beltran en Can Xalant de Mataró, Barcelona y participó en el Proyecto LIPAC- Centro Cultural Ricardo Rojas de Buenos Aires.
Desde el encuentro con Fontes, comenzó a pensar en sus trabajos como proyectos y surgió la instalación como el medio más adecuado de expresión. El papel como elemento disparador de ideas (fragilidad, marcas, paso del tiempo), la poesía y el texto como imagen están muy presentes en los trabajos que realiza. A la artista le empezó a interesar que la obra corra algún riesgo, que la tinta vaya desapareciendo en el contacto con la luz, que los papeles se rasguen durante su manipulación, que los pizarrones sean borrados sin remedio.
De las muestras que realizó, las que más se destacaron fueron: “De rosas, capullos y otras fábulas” en Fundación Proa (2005) ; “Caja de Música” una instalación realizada en Baltar Contemporáneo en Mar del Plata (2004); “Hojas para”, un proyecto para Trama con la coordinación de Pablo Siquier y Anne-Mie van Kerkhoven (2003) ; “Certeza del abedul que se creía libro” instalación en Lelè de Troya (2003); una instalación en MOTP – Mar del Plata (2002); una muestra en “Belleza y Felicidad” (2000) y “Unplugged” en el C.C. Victoria Ocampo de Mar del Plata (1998).
En el exterior, expuso en el Art Academy of Cincinnati, y es actualmente representada por la Galería Jacobo Karpio en Costa Rica.

ISBN 978-987-1164-06-6 192 págs. / 21 cm x 27 cm / Más de 100 reproducciones color.

Catálogo
EL TIEMPO DEL ARTE.
Obras Maestras del Siglo XVI al XXI

El Tiempo del Arte. Obras Maestras del Siglo XVI al XXI presenta un recorrido a través de cinco siglos de historia. La cuidada edición contiene dos textos teóricos y un cuerpo de más de 110 ilustraciones que documentan el paso del tiempo con asombrosas reproducciones.
El texto de Giacinto Di Pietrantonio reflexiona sobre la mirada de la historia del arte desde el presente, poniendo énfasis en las formas textuales actuales que proponen una nueva lectura no sólo de las imágenes sino también de los ensayos sobre el tema.

Se incluye además el capítulo de Georges Didi–Huberman, La Historia del Arte como disciplina anacrónica, del libro Ante el tiempo. Este ensayo cedido gentilmente por la editorial Adriana Hidalgo indaga sobre los profundos vínculos entre el arte y el tiempo.

Un destacado apartado con las reproducciones de las 107 obras que conforman la exhibición, brindan a la publicación un recorrido a través de lo siglos y a través de los núcleos planteados por el curador: Poder - Cotidiano / Amor - Odio / Vida – Muerte / Cuerpo – Mente.

Cada obra reproducida está acompañada por un comentario didáctico que enriquece la lectura y nos brinda datos sobre su ubicación histórica.

Esta edición se propone así, como una lectura profunda y novedosa sobre cómo el arte de diversas épocas ha representado los grandes temas que afectan al hombre desde siempre, estableciendo similitudes y diferencias, pero principalmente marcando el recorrido de nuestra cultura.

Textos de Giacinto Di Pietrantonio y Georges Didi-Huberman
El catálogo de la exhibición El tiempo del arte. Obras Maestras del S.XVI al S.XXI se podrá consultar y comprar en la librería de Fundación Proa.

Para más información: libreria@proa.org (54-11) 4104-1005

Espacios Urbanos: Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff, Thomas Struth, presenta un recorrido por las obras de los destacados artistas desde los años ochenta hasta la actualidad.

180 páginas / 45 reproducciones color
CD: English Translations
Textos: Ludovico Pratesi – Armin Zweite – Valeria Gonzalez – Paolo Perulli
Entrevistas: Andreas Gursky, Candida Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff, Thomas Struth
ISBN 978-987-1164-05-9

Editado conjuntamente con Ediciones Lariviere, el catálogo nos propone una aguda reflexión sobre el devenir en la ciudad contemporánea a través de las reproducciones de obras, en diálogo con un inestimable conjunto de textos. Ludovico Pratesi, curador de la exhibición, y Paolo Perruli dan cuenta de la complejidad de la vida en la ciudad; los textos de Arwin Zweite y Valeria González documentan el paso de los artistas por la escuela de Düsseldorf, sus maestros Bernd e Hilla Becher y el aporte de sus obras en el contexto artístico internacional.

La edición cuenta con un apartado con las obras de los artistas, entrevistas inéditas, y biografías de cada una de ellos, que realzan la edición, dando cuenta de la diversidad, contradicción y complejidad de la tema de la ciudad en la vida urbana contemporánea.

Un documento fundamental para la comprensión del arte contemporáneo y de sus reflexiones acerca del entorno actual.

La edición bilingüe incluye un CD con todos los textos en inglés.

Proa – Ediciones Lariviere

$190.-

Dónde adquirir

Block, de Jorge Macchi

Fundación PROA presenta la intervención del artista Jorge Macchi en el espacio de la Librería PROA, en donde exhibe los dibujos de su libro Block.

En Block, Macchi ofrece un panorama no cronológico de los dibujos que realizó entre 1996 y 2008. Tanto el nombre del libro como su formato buscan potenciar la idea de que los dibujos están hechos directamente sobre un Block de hojas en blanco. Las imágenes se ven sin ningún color de fondo y, generalmente, están ubicadas en el centro de la hoja.

Block presenta parte del trabajo artístico de Jorge Macchi no tan conocido como el resto de sus obras. Macchi trabaja cotidianamente con el dibujo.

El libro está auspiciado por la Embajada de Italia en Argentina, con el apoyo de Fundación PROA.

La intervención Block, de Jorge Macchi, inaugura el programa cultural de la Librería PROA, que consiste en presentar al libro desde diversos puntos de vista. En el caso de las artes plásticas, muchos artistas desarrollan obras en formato de libro, conocidas como libros de artista. “El libro de artista es una posibilidad más de la creación que ha sido desarrollada durante el siglo XX, incluso de manera secreta. En los archivos de artistas, es habitual encontrar desde cuadernillos de notas hasta libros de dibujos”, explica Adriana Rosenberg, presidente de Fundación PROA.

En la producción de Macchi, el libro es un espacio de experimentación recurrente. En ocasión de su participación en la Bienal de Venecia, Macchi abandonó el concepto tradicional de catálogo y presentó un libro de artista.

“En la Librería PROA presento Block, una experiencia diferente. Si bien en el libro planteo una secuencia de dibujos, en la instalación esa secuencia se pierde y surge otra cosa. Es una explosión”, explica Macchi.

Biografía

Jorge Macchi

Artista visual. Nació en Buenos Aires en 1963. Cursó estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Realizó exposiciones en Museo Blanton, Austin, Texas (USA), en CGAC, Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela ( España), en The University of Essex (Inglaterra), en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina) y en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes MUHKA (Bélgica). Participó en diversas exposiciones en centros de arte contemporáneo de Argentina y el exterior. Participó de las bienales de Habana (2000), Porto Alegre (2003), Estambul (2003), San Pablo (2004), Venecia (2005) y Porto Alegre (2007). En 2000 recibió el premio Banco de la Nación Argentina y en 2001 recibió la beca Guggenheim. Expuso su trabajo en las galerías Ruth Benzacar de Buenos Aires, Luisa Strina de San Pablo, Distrito4 de Madrid, Gallería Continua de San Gimignano y Peter Kilchmann de Zurich. Entre 1994 y 2002 realizó residencias en el exterior invitado por fundaciones e instituciones de Francia, Holanda, Inglaterra, Alemania e Italia. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Textos

El dibujo
Por Jorge Macchi

“Para mí, el dibujo es una gimnasia. Cuando me pongo a trabajar, pongo el dibujo en la pared y empiezo a imaginar cosas… Funciona como un escalón, como una puerta hacia otras cosas. Es una actividad cotidiana, tanto para bocetar alguna instalación o pintura, como para simplemente trabajar el formato dibujo. Es la manera mas rápida e inmediata de concretar una imagen”.

“El dibujo tiene un carácter muy primitivo: el de la hoja en blanco. Si aparece una imagen que necesita movimiento o sonido, entonces el formato que elijo es el video. O si además del papel, veo que tiene que estar en el espacio, entonces pienso en una instalación. Pero en algunos casos, si satisface todas las necesidades que tiene esa imagen, entonces me quedo con el dibujo”.

“Quería hacer un libro que estuviera en el límite entre registro y objeto. Entonces, surgió la idea de hacer un Block en donde los dibujos están reproducidos sobre cada página como si los hubiese hecho directamente sobre la hoja en blanco. No tienen ninguna anotación: ni título, ni año, ni nada. Block no es un registro de obras sino un registro de imágenes”.

“Creo que Block es un libro de artista porque el objeto es lo importante. Es un Block de dibujos. Y refleja algo que tiene que ver mucho con el dibujo: la cuestión de la inmediatez”.

Un recorrido por el dibujo
Por Cecilia Rabossi

Jorge Macchi presenta Block, un libro de artista que reúne dibujos realizados entre 1996 y 2008, en una suerte de registro de imágenes que se despliegan en este objeto con formato de Block de hojas blancas que intensifica la idea de que los dibujos se realizaron directamente sobre él. Despojados de cualquier rastro de contexto, paisaje, fondo, referencia a la técnica, año de realización, medidas o colección, los dibujos se centran en las figuras y en los objetos representados.

Como señala Giorgio Guglielmino, en el texto que acompaña al libro, “… el fondo simplemente no existe. Los objetos (verdaderos protagonistas de los dibujos de Macchi) y las figuras (como soporte de los objetos) están siempre suspendidos en medio de la hoja blanca como si fueran pensamientos…”.

Macchi parte de objetos cotidianos y les cambia su función, su contexto, o establece asociaciones con otros objetos que generan una manera diferente de percibir la realidad. Para él, dibujar es una tarea cotidiana y poder compendiar esta producción, sin referencia de ningún tipo, refuerza la relevancia que posee el dibujo dentro de su trabajo ya sea como boceto preparatorio para una pintura, una instalación, un video, o de manera autónoma.

En este libro de artista, Macchi juega con el objeto y su contenido, y con el formato del objeto real -el Block- y su funcionalidad: ser soporte de imágenes y de lo representado. El libro es un formato frecuente en la producción del artista de diversas maneras. La ascensión, Diez Gotas y Buenos Aires Tour son algunos ejemplos.

Macchi propone desmembrar el libro, arrancar las hojas del Block y esparcirlas en el espacio de la Librería PROA. Desarmar el libro, quebrar el orden establecido, permite mostrar las imágenes en simultáneo, dejando al espectador la posibilidad de establecer diferentes relaciones entre ellas. De esta manera, la intervención permitirá plantear, según el artisa, una “visión ramificada del libro”.

El dibujo como muestrario de la mente
Por Giorgio Guglielmo
Fragmento del texto incluido en el libro Block

“Los colores son vivos, generalmente puros y no mezclados, no hay borrones o marcas de pinceladas. El uso del color y la sencillez del dibujo derivan también de la necesidad de modelar las imágenes de manera clara, concisa y veloz. Todo es nítido y esa nitidez – que corresponde a la lucidez de pensamiento del artista – contribuye a la aparente naturalidad y realismo de objetos y situaciones imposibles”.

Ver imágenes de la exhibición.

Proa en La Boca, de Facundo de Zuviría
Libros de fotografía

Proa en La Boca Fotografía: Facundo de Zuviría Gentiliza Fundación Proa

Desde el sábado 14 de marzo de 2009
Fundación PROA presenta Proa en La Boca, libros de fotografía de Facundo de Zuviría que rescatan el vínculo entre la arquitectura de PROA y el barrio de La Boca.

El fotógrafo Facundo de Zuviría realiza un registro del nuevo ediﬁcio de PROA a partir de determinados encuadres, en los que rescata detalles, formas y elementos de la arquitectura. El resultado es un conjunto de imágenes abstractas que dialogan con el entorno de La Boca.

De Zuviría nos presenta al barrio en sus elementos característicos: el Puente, el Riachuelo, sus casas y sus calles. A través de su peculiar mirada, se concentra en los materiales característicos del barrio: el hierro, el agua, la chapa acanalada y la piedra. Con profunda sabiduría, pone en diálogo estos materiales con la construcción de la nueva PROA, que se enriquece a través de su nueva mirada.

El proyecto surgió cuando Facundo de Zuviría comenzó con este relato de manera espontánea. Fundación PROA consideró que, en ocasión de la exhibición de libros de artista, era posible rescatar el concepto de álbum de fotografías ligadas a la ciudad, tema recurrente en la producción del artista. De Zuviría retoma este concepto a través de los nuevos medios, la impresión en plotter y la digitalización de las imágenes. El resultado es una novedosa producción fotográﬁca de ejemplares únicos, que da cuenta del diálogo entre ciudad y arquitectura, y experimenta con nuevas formas de expresión de la fotografía actual.

“Es un trabajo que abre fronteras en la percepción de imágenes. El visitante, al dar vueltas las páginas de este libro, reﬂexiona y dialoga con la mirada del fotográfo. Recorrer el ediﬁcio y contemplar las imágenes desde el punto de vista del artista permite construir una nueva reﬂexión acerca de la mirada. Ese momento de interrogación entre la propia lectura del ediﬁcio y la del artista abre un interrogante acerca de la certeza de lo que el ojo ve, y le brinda al visitante la posibilidad de descubrir un nuevo punto de vista”, explica Adriana Rosenberg, presidente de Fundación PROA.