Entrevista: Peter Kogler + Rodrigo Alonso
El crítico argentino Rodrigo Alonso dialoga en este encuentro con el reconocido artista austríaco Peter Kogler sobre el proyecto realizado para la exhibición La Suite en Fundación Proa. A lo largo de la conversación, contextualizan esta pieza dentro de su extensa producción, y presentan gran parte de su trayectoria artística alrededor del mundo.
La obra que el artista diseña - Sin título, 2021- inaugura un proceso de producción, a partir de la recepción de los planos de la entrada de Proa, lugar que los curadores seleccionaron para su implantación. Kogler propone tomar no sólo el espacio de entrada sino también las paredes que van hacia el primer piso. El artista sostiene: “cuando recibí la invitación para la exposición en Proa, estaba muy feliz de estar en el hall de entrada, es una situación en la que me encuentro muy a menudo en exposiciones colectivas: estar en halls de entrada, o en la escalera, o como en Kassel ‘97, que es como un pasillo enorme y largo. Entonces, no es el tipo de espacio clásico donde miras el arte de una manera contemplativa y silenciosa, es más una situación de transición, de movimiento en un espacio. Y me preguntaba, ¿Por qué es así? ¿Por qué siempre estoy entre espacios? Probablemente, una de las razones es que estoy trabajando con información rápida”
La instalación según el pensamiento curatorial, representa la Obertura de una gran suite. Los curadores relacionan las ondas y los movimientos de las líneas con la vibración de una secuencia sonora. El espacio resultante genera una sensación de inmersión que desdibuja los límites de la arquitectura y se asemeja a una caverna, a una partitura musical.
La entrevista entre Artista y Crítico recupera muchos ejemplos de su trabajo, sus primeras exploraciones con el arte digital y las posibilidades que obtuvo de las revolucionarias Macintosh, una innovación tecnológica radical que le permitió explorar las posibilidades de cubrir habitaciones en toda su superficie y proyectar imágenes en los muros. La modificación del espacio expositivo mediante la utilización de la tercera dimensión, la tecnología aplicada a la información, la comunicación y la arquitectura cinematográfica son muchos de los temas fundamentales para entender su trabajo, que también se ponen de manifiesto en este encuentro.
Otro aspecto fundamental de la entrevista, tiene que ver con la interacción de sus piezas con el público, la sensación de inmersión que generan sus impresiones y animaciones en los diferentes espacios. Por último, conversan sobre el desafío de trabajar a distancia con el equipo de montaje de Proa para dar como resultado la extraordinaria pieza que recibe a los visitantes en la obertura de La Suite.
Este video forma parte de las conversaciones entre Artistas + Críticos disponibles en nuestro canal de YouTube para su consulta, estudio y continua difusión de las formas más contemporáneas del arte hoy.
Subtitulado: Matias Nicolás Perez
Edición: Ananda Rigoni Aller
Peter Kogler (Innsbruck, Austria, 1959) Artista y Catedrático en la Academia de Bellas Artes de Múnich, Alemania. Es pionero en el campo de la creación artística asistida por ordenador, empleando tecnología de punta. Durante los últimos treinta años el artista ha hecho uso de una serie de motivos recurrentes, materializados en diferentes formas: estampados bi y tridimensionales, esculturas, mobiliarios, papel tapiz, luminarias, collages y otras instalaciones. Desde el inicio de su carrera, su iconografía ha estado formada por hormigas, cerebros, globos terrestres, bombillas y líneas onduladas, elementos que aluden a las redes, el flujo constante de información y los lazos sociales. Su obra se ha presentado en exposiciones de arte internacionales como Documenta IX y Documenta X, 1997 en Kassel, Alemania; Bienal de Venecia (1986, 1993, 1995) y en instituciones como el Museo de Arte Moderno de Viena, el MAMCO de Ginebra (2007), el Museo Coleccao Berardo (2009), el Museo de Arte Moderno de Nueva York ( 2009) y el Centre Pompidou, París (2012). Actualmente vive y trabaja en Viena.
Web oficial: http://www.kogler.net
Web de referencia: http://galeriemitterrand.com/en/expositions/presentation/144/
Rodrigo Alonso (Buenos Aires, Argentina, 1965) Licenciado en Artes especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Es un referente, investigador y teórico de la historia y el presente del arte tecnológico en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 se publicó una recopilación de sus principales textos en el libro Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina. Como curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes partes del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad, The Getty Museum - Fundación Proa, Buenos Aires, 2018; Pensar en abstracto, Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2017; Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s, Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; GAMEC, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, 2012-2013, con Paulo Herkenhoff; Transitio MX. Bio Mediations, Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda, México, 2013, con Sarah Cook; Arqueologías a destiempo, Galería Gabriela Mistral, Chile, 2013 y Relatos de resistencia y cambio, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2010. En 2011 fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y posgrado, y asesor de fundaciones artísticas internacionales. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
Web oficial: http://www.roalonso.net/
Entrevista: Séverine Hubard + Lucie Haguenauer
Desde París y en un profuso intercambio con los curadores, la artista francesa Séverine Hubard propuso a La Suite traer de su memoria y experiencia los tiempos vividos en Buenos Aires. A lo largo de su carrera, toma objetos que dan cuenta de la identidad o idiosincrasia que deja constancia en sus obras.
Tanto los estadios de fútbol como los cajones de fruta artesanales de madera, muy presentes en las verdulerías y mercados, fueron dos de los objetos que Severine rescata de su estadía. De esta conjunción de elementos se presenta Tribuna Libre (2021), en las salas. Construida con 620 cajones recreando la tribuna de un estadio, la pieza forma una geométrica grada a la que no se puede acceder.
Los tiempos actuales de encierro y pandemia, que no le permitieron a la artista venir a construir su obra, están presentes al percibirla. La soledad de los espacios vacíos, carentes de público y de acción como resultado del confinamiento global, los estadios, teatros y tantos otros lugares de la cultura son emulados en esta imponente obra contemporánea.
Lucie Haguenauer, historiadora y curadora de arte, construye un paneo sobre la trayectoria de la artista, su relación con el espacio público y con la arquitectura, en un diálogo sencillo y profundo acompañado por imágenes y videos, que documentan el quehacer de la práctica artística contemporánea.
Hubard vivió en Buenos Aires desde 2011 hasta 2017 y su paso por nuestro país ocupa un lugar central en su trabajo. En la conversación, recuerda grandes instalaciones en centros de arte como el Haroldo Conti y el Centro Cultural Recoleta. La artista se apropia de los espacios públicos en los que ha trabajado y realizado residencias, recuperando su memoria: Marruecos, Grecia, países de América del Sur, Canadá, y en ciudades y regiones de Asia, África, Normandía, Dunkerque, entre otros.
Traducción: Agustina Blanco
Subtitulado: Ananda Rigoni Aller
Edición: Ananda Rigoni AllerSéverine Hubard (Lille, Francia, 1977) Artista francesa sin taller fijo. En su práctica se destacan las intervenciones artísticas realizadas en el marco de numerosas residencias tanto en la Francia rural y urbana como en el resto de Europa, América del Sur, Canadá y Asia. Ha sido profesora de Bellas Artes en Francia, y entre los años 2011 y 2017 vivió en Buenos Aires, Argentina. Recurre a instalaciones tridimensionales que subvierten las convenciones de uso de los materiales de construcción generando estructuras inesperadas; asimismo, los límites de la arquitectura, la escultura, la instalación, el dibujo y la imagen en movimiento son desdibujados en la creación de un lenguaje propio que cuestiona con vigor su relación con el vocabulario mismo y la sintaxis, así como las nociones de escala y espacio. La inercia de la vida es atacada y expuesta en la desviación que Séverine Hubard hace de los materiales, abstraídos y reubicados, invitando al espectador a asumir puntos de vista alternativos en lugar de subalternos.
Web oficial: https://www.severinehubard.net/
Lucie Haguenauer (París, Francia, 1980) Historiadora, curadora y gestora cultural. Se graduó como Historiadora Social y Cultural en la Universidad de La Sorbonne, París. En 2004 inició su carrera en instituciones culturales de Francia, principalmente como encargada de la exposición En la ciudad china, que tuvo lugar en la Cité de l’Architecture et du Patrimoine, París y el CCCB, Barcelona en 2008 y 2009. Desde 2009, trabaja como Adjunta de Intercambios Artísticos en el Institut Français d’Argentine/Embajada de Francia en Argentina. En 2015 obtuvo la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. En su tema de tesis analiza el Premio Braque entre 1963 y 1997. En 2017 curó la exposición histórica sobre el Premio Braque, organizada por el MUNTREF. En el IFA/Embajada de Francia en la Argentina define junto al Agregado Cultural la programación y coordina el área de Intercambios Artísticos - Artes Escénicas, Artes Visuales y Música. Como curadora independiente realizó varias muestras entre ellas: Oficios, Centro cultural Moran, Buenos Aires; El tutor de Séverine Hubard y Julián d’Angiolillo, Fundación OSDE, Buenos Aires; Intersticios de Adrián Salgueiro y Javier Olivera y Balnearios Plus Ultra de Céline Villegas presentados en la Alianza Francesa y, por último, Sudestada II, una muestra colectiva de nueve fotógrafos que retratan el Delta en el Museo de Arte Tigre, Buenos Aires. Ha sido jurado en el Premio Braque 2019, Premio UADE Artes Visuales 2019 y 2020.
Web de referencia: https://concursomuralistasargentinas.com/
Entrevista: Pauline Fondevila + Lucie Haguenauer
“El paisaje de Fundación Proa está marcado por grúas, por esos elementos industriales, por ese mundo portuario”, dice Pauline Fondevila en la entrevista que le realiza Lucie Haguenauer para el Festival A+C, dando una pista de los aspectos del paisaje por donde la artista sitúa su ojo: zonas acuíferas, industria, contaminación.
Fondevila participa de la exposición La Suite con un mural titulado “13 lunas sobre el Riachuelo”, una gran silueta que muestra una parte de nuestro río polucionado, de color negro. Proa está ubicado en La Vuelta de Rocha y es ahí donde la conjunción entre agua-trabajo-industria cobra sentido para la narrativa y estética de la artista. En el mural, una serie de barcos contienen en sus velas frases, narraciones y una señalética que indican que la artista está contando una historia.
Pauline Fondevila, según Haguenauer, “navega entre la literatura, las artes visuales, la música y la performance” y es ese el recorrido que le propone a la artista para transitar su trayectoria, y mostrar imágenes de sus performances anteriores.
Quinquela Martín, Víctor Cúnsolo, Eugenio Daneri, Juan Del Prete, Fortunato Lacámera, y tantos otros artistas argentinos crearon el imaginario visual del puerto de La Boca en las primeras décadas del siglo XX y ese es el antecedente estético con el que la artista se encontraba a la hora de pensar un mural que sintetice sus múltiples tradiciones. Una historia de naufragios, de referencias al cine y antecedentes de sus pinturas y performances en su Francia natal están contenidas también en esta obra.
El Festival A+C recupera las voces de los artistas de La Suite, en primera persona y esta es una oportunidad imperdible para conocer más sobre la artista francesa, y poner el foco en cuestiones urgentes del arte contemporáneo: la problemática ambiental, las extranjerías y la recuperación de la memoria.
Traducción: Agustina Blanco
Subtitulado: Sofía Mele
Edición: Sofía Mele
Pauline Fondevila (Le Havre, Francia, 1972) Artista y compositora. Todos sus proyectos involucran el dibujo, de una forma u otra, escribe las letras, canta y dibuja en la banda musical Perro Fantasma. Publicó dos novelas breves donde dibujar es una de las acciones principales de la protagonista: Una casa y un tambor, Ivan Rosado, 2015 y Cinco días en Colón, Ivan Rosado, 2018. Lleva adelante el taller de dibujo Un triángulo y una Calavera junto a Silvia Lenardon. Organiza regularmente muestras de dibujos, en lugares muy diversos, como la Alianza Francesa, la Fundación OSDE de Rosario o el Bon Scott Bar. Participó de numerosos muestras colectivas y realizó muchos proyectos individuales en muchas instituciones y Museos como el Palais de Tokyo, París; CRAC, Sète, Francia; Museo de Arte Decorativo, Buenos Aires; Centro Haroldo Conti; FNA, Buenos Aires; MUSAC, León, España; CGAC, Santiago, España; Artium, Vitoria, España y Momentum 10 la Bienal de los Países Nórdicos, Moss, Noruega, entre otros. En 2013 recibió el Segundo Premio Adquisición del Salón del Museo Castagnino-Macro, Rosario. Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, nacionales e internacionales. Desde 2007 está radicada en Rosario, Argentina.
Web de referencia: https://www.diegoobligado.com/paulinefondevila
Lucie Haguenauer (París, Francia, 1980) Historiadora, curadora y gestora cultural. Se graduó como Historiadora Social y Cultural en la Universidad de La Sorbonne, París. En 2004 inició su carrera en instituciones culturales de Francia, principalmente como encargada de la exposición En la ciudad china, que tuvo lugar en la Cité de l’Architecture et du Patrimoine, París y el CCCB, Barcelona en 2008 y 2009. Desde 2009, trabaja como Adjunta de Intercambios Artísticos en el Institut Français d’Argentine/Embajada de Francia en Argentina. En 2015 obtuvo la Maestría en Curaduría en Artes Visuales de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. En su tema de tesis analiza el Premio Braque entre 1963 y 1997. En 2017 curó la exposición histórica sobre el Premio Braque, organizada por el MUNTREF. En el IFA/Embajada de Francia en la Argentina define junto al Agregado Cultural la programación y coordina el área de Intercambios Artísticos - Artes Escénicas, Artes Visuales y Música. Como curadora independiente realizó varias muestras entre ellas: Oficios, Centro cultural Moran, Buenos Aires; El tutor de Séverine Hubard y Julián d’Angiolillo, Fundación OSDE, Buenos Aires; Intersticios de Adrián Salgueiro y Javier Olivera y Balnearios Plus Ultra de Céline Villegas presentados en la Alianza Francesa y, por último, Sudestada II, una muestra colectiva de nueve fotógrafos que retratan el Delta en el Museo de Arte Tigre, Buenos Aires. Ha sido jurado en el Premio Braque 2019, Premio UADE Artes Visuales 2019 y 2020.
Web de referencia: https://concursomuralistasargentinas.com/
Entrevista: Clément Cogitore + Leonardo García Alarcón
Les Indes Galantes es una de las piezas más sofisticadas de La Suite. Se trata de una obra-video donde el artista francés Clément Cogitore pone en escena una performance con más de 30 bailarines interpretando la emblemática suite de Jean-Philippe Rameau “Las indias Galantes” desde un punto de vista contemporáneo. Esta pieza musical cuenta, a lo largo de los años, con una gran cantidad de re-interpretaciones y lecturas, pero la de Cogitore, Leonardo García Alarcón y Bintou Dumbelé resultó verdaderamente emblemática para la Ópera de París al cuestionar las nociones más tradicionales de los cánones de belleza, la identidad racial, las reglas del decoro y la “alta cultura”.
En esta entrevista entre el artista y su director musical, el argentino radicado en Francia Leonardo García Alarcón, se ponen de manifiesto todos los matices y polémicas que rodearon su comitancia, ensayos, y puesta en escena de esta increíble ópera. Comisionada por la Ópera de París, la obra se pregunta ambiciosamente “¿puede una nueva generación de artistas tomar la Bastilla hoy en día?” y muestra a un extraordinario grupo de artistas representando la pieza barroca que trataba sobre las historias de amor “galante” en lugares “exóticos” del planeta, mal conocidos como Las Indias. En una interpretación decolonial de esta visión de mundo propia del barroco, Cogitore pone en crisis la supervivencia de estos conceptos en la actualidad, a partir de una interpretación, casi en su totalidad, afrodescendiente.
García Alarcón se pregunta por las pulsiones, las de los bailarines, de la coreógrafa, de la ópera como institución emblemática, e inclusive de sí mismo: el resultado es tan vibrante en escena, que resulta casi imposible no preguntarse cómo se combinaron todas esas emociones y circunstancias en un mismo tiempo y lugar.
Esta conversación, corre a un lado el telón y permite observar el el detrás de escena de esta pieza visual y sonora, que constituye un eslabón fundamental de La Suite, co-curada por Sigismond de Vajay - Juan Sorrentino. Forma parte de las conversaciones entre artistas y críticos que quedarán disponibles en nuestro canal de YouTube para su consulta, estudio y continua difusión de las formas más contemporáneas del arte hoy.
En colaboración con Institut français d´ Argentine - Platform - Fundación Proa
Traducción: Agustina Blanco
Subtitulado: Matías Nicolás Pérez
Edición: Matías Nicolás Pérez
Clément Cogitore (Colmar, Francia, 1983) Graduado en Artes en Le Fresnoy. Estudio Nacional Francés de Artes Contemporáneas, Clément Cogitore desarrolló su práctica artística a mitad de camino entre el cine y el arte contemporáneo. Combinando película, video, instalaciones y fotografías, cuestiona las modalidades de convivencia entre la humanidad y su propia imágenes y representaciones. Ritualidad, memoria colectiva, figuración de lo sagrado, así como un particular idea de la permeabilidad de los mundos son las principales tendencias en su práctica. Su trabajo ha sido proyectado y exhibido en el Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou, París; ICA, Londres; Haus der Kulturen der Welt, Berlín; MACRO, Roma; MoMA, Nueva York; MNBA, Québec; SeMA Bunker, Seúl; Museo de Arte Red Brick, Beijing; Museo Rockbund, Pékin; Kunsthaus, Basilea; Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn, Washington y MUDAM, Luxemburgo. En 2011, fue galardonado con el Gran Premio del Salon de Montrouge de Arte Contemporáneo y al año siguiente se convirtió en residente de la Villa Medici, Academia Francesa en Roma. Sus piezas cinematográficas han sido seleccionadas y premiadas en numerosos festivales internacionales (Cannes, Locarno, Telluride, Los Ángeles, San Sebastián). En 2015, su primer largometraje Neither Heaven nor Earth (Ni el cielo ni la tierra) fue seleccionado en el festival internacional de cine de Cannes. - Semana de la crítica, premiado por la Fundación Gan, aclamada por la crítica y nominada a la mejor primera película en la entrega de premios César. Ese mismo año ganó el premio BAL de arte contemporáneo. En 2016, ganó el Premio Sciences Po de Arte Contemporáneo y el XVIII Premio Fondation d'entreprise Ricard para arte contemporáneo. Desde 2018, es profesor en la Ecole des Beaux Arts de París, donde está a cargo de un estudio. En 2018, Clément Cogitore recibió el Premio Marcel Duchamp de Arte Contemporáneo. Para celebrar su 350 aniversario, la Ópera Nacional de París ha confiado a Clément Cogitore la puesta en escena de la ópera-ballet de Jean-Philippe Rameau, Les Indes Galantes (Las Indias galantes). El estreno tuvo lugar en septiembre de 2019 y fue seleccionada por The New York Times como una de las mejores producciones de ópera de 2019, nominada Mejor producción de ópera 2019 por la Giornale della Musica y ganó el Trofeo Forum Opera de Mejor nueva producción de ópera 2019. En 2020, Les Indes Galantes fue seleccionada como mejor performance por los Premios Oper!. El trabajo de Cogitore pertenece a varias colecciones públicas, entre ellas: Centre Georges Pompidou, National Fund for Contemporary Art; Fondo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de París; FRAC Alsace, FRAC Aquitaine; FRAC Auvernia; MAC VAL; Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Estrasburgo y colecciones privadas como la Colección de arte Daimler y Fondation Louis Vuitton. Actualmente vive y trabaja entre París, Francia y Berlín, Alemania.
Web de referencia: https://dafilmfestival.com/en/director/clement-cogitore/Leonardo García Alarcón (1976, La Plata, Argentina) Clavecinista y profesor, es considerado como uno de los directores de orquesta más brillantes de su generación, además de contar con el aplauso del público y la prensa por su redescubrimiento de piezas olvidadas y sus innovadoras interpretaciones del repertorio musical. Es habitual de las óperas y las salas de conciertos de todo el mundo. En 1997 se traslada a Europa y entra en el conservatorio de Ginebra, donde recibe clases de la clavecinista Christiane Jaccottet. Allí entra a formar parte del Ensemble Elyma y es asistente de Gabriel Garrido. En 2005 fundó su propia agrupación, Cappella Mediterranea; ese mismo año, comienza a impartir el curso “maestro al cembalo” y es nombrado director del Departamento de Canto Barroco del conservatorio de Ginebra. Entre 2010 y 2013 es residente del centro cultural de encuentro de Ambronay, donde ejerce como artista asociado desde 2014. En 2010 es nombrado asimismo Director Artístico y de Orquesta del Coro de Cámara de Namur. En 2015 fundó Millenium Orchestra. Alarcón posee una extensa discografía: Vespro a San Marco de Antonio Vivaldi, Il diluvio universale y Nabucco de Michelangelo Falvetti, Vespro della Beata Vergine de Claudio Monteverdi (éditions Ambronay), Ave Maria de Giovanni Giorgi, Romerico Florido de Mateo Romero, y Carmina Latina, un retrato del barroco latinoamericano (ricercar). I 7 peccati capitali (alpha classics) fue nominada a los premios Victoires de la Musique 2017 en la categoría «mejor grabación». En 2018 ha grabado Grands Motets de Jean-Baptiste Lully, un conjunto de canciones populares de Joan Manuel Serrat asociadas a obras del siglo de oro español (ambos Alpha Classics) y Motets y Madrigales de Jacques Arcadelt (Ricercar). En 2018, interpretó a un impresionante King Arthur de Purcell en la Ópera de Ginebra y dirigió el Orfeo de Monteverdi de Sacha Waltz en la Staatsoper de Berlín. En 2019, recreó la olvidada ópera Finta Pazza de Sacrati en Dijon y Versalles. Ha dirigido Médée de Charpentier en la Ópera de Ginebra y se prepara para dirigir dos producciones, en París y Ginebra, de Les Indes Galantes de Jean-Philippe Rameau. Ya sea como director de orquesta o como clavecinista, es invitado por festivales y salas de conciertos de todo el mundo. La pasión de Leonardo García Alarcón por la voz es el hilo conductor de su investigación artística y musicológica.
En los últimos tiempos, ha indagado en los ideales estéticos de los grandes músicos del sur de europa y américa latina para identificar y codificar elementos barrocos aún presentes en la música que se crea hoy en día en dichas regiones. Leonardo García Alarcón es caballero de las Artes y de las Letras en Francia.
Entrevista: Elina Brotherus + Sergio Baur
La artista finlandesa Elina Brotherus es entrevistada desde Francia, en un encuentro imperdible a cargo de Sergio Baur. A partir de este fluido intercambio, ambos repasan el proceso de producción de la obra The Black Bay Sequence (La secuencia de la bahía negra) que Brotherus presenta en La Suite, un film que propone un estudio sobre el paso del tiempo y los cambios en el paisaje, en vínculo con la naturaleza a partir del gesto de repetición humana como acto insistente.
Con el recurso o tema rector del autorretrato, Baur va guiando la conversación para trazar un recorrido por sus principales obras y momentos radicales de su vida personal, que marcaron el curso de sus intereses y exploraciones artísticas.
Su infancia, la temprana muerte de sus padres, la fotografía y su ambivalente interés tanto por las artes como por las ciencias, dan como resultado una profusa carrera que combina videos, fotografías, performance en vínculo con la naturaleza, la problemática ambiental, los feminismos, y las múltiples citas a la historia del arte a partir de imágenes o de artistas y períodos que la inspiran a emularlos.
La obra que presenta en La Suite tiene estrecha relación con muchas de sus producciones en foto o en video, que también pueden recuperarse en esta entrevista, y dan al espectador una idea general de su estética, la forma de componer sus imágenes e incorporarse a ellas tanto como artista, como modelo y como protagonista de sus propias obras.
En colaboración con Institut français d´ Argentine - Platform - Fundación Proa
Traducción: Agustina Blanco
Subtitulado: Matías Nicolás Pérez
Edición: Matías Nicolás Pérez
Buenos Aires noviembre de 2021.
Elina Brotherus (Helsinki, Finlandia, 1972) Artista finlandesa que trabaja principalmente la fotografía y la imagen en movimiento. Tiene una Maestría en Fotografía de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki (ahora Universidad Aalto) y una Maestría en Química de la Universidad de Helsinki. Desde 1997 comenzó a exhibir su obra internacionalmente. En sus proyectos ha ido alternando enfoques auto biográficos e histórico-artísticos; las fotografías que retoman la figura humana y el paisaje, la relación de la artista y la modelo, dieron paso a imágenes sobre experiencias subjetivas en sus últimas obras Annonciation y Carpe Fucking Diem. En su trabajo actual, está revisando las Events Score Fluxus y otras instrucciones escritas para el arte orientado a la interpretación de las décadas de 1950 y 1970. Sus obras se encuentran en colecciones públicas que incluyen el Centro Pompidou, París; el Museo de Arte Contemporáneo Kiasma, Helsinki; Moderna Museet, Estocolmo; Museo Folkwang, Essen y MAXXI, Roma, por nombrar algunos. Su trabajo ha sido destacado en numerosos libros y revistas de arte y fotografía. Ha publicado once monografías, la más reciente Seabound. A Logbook con AKO Kunst Stiftelse y Kehrer Verlag. Ha sido galardonada, entre otros, con Carte blanche PMU, Francia, 2017; Premio Estatal de Fotografía, Finlandia, 2008 y el Prix Niépce, 2005. Elina Brotherus vive y trabaja entre Helsinki, Finlandia y Avallon, Francia.
Web oficial: http://www.elinabrotherus.com/
Sergio Baur Profesor de Historia y diplomático de carrera. Fue ayudante de la Cátedra de Historia de América Latina Prehispánica y Colonial. Desde 2018 es Académico de número en la Academia Nacional de Bellas Artes desde 2018. Se desempeñó como Agregado Cultural en la Embajada Argentina en España, Embajador en la República Tunecina y en la República Árabe de Egipto. Fue Director de Asuntos Culturales y Director Nacional de Ceremonial en la Cancillería argentina. Curó numerosas exhibiciones, entre ellas: Literatura argentina de vanguardia, 1920 – 1940, Casa de América, Madrid; Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz; Casa natal de Pablo Picasso, Málaga y en la Haus der Kulturen der Welt, Berlín, 2010. En el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires fue curador de las muestras: El periódico Martín Fierro en las artes y en las letras, 2010; Claridad, la vanguardia en lucha, 2011 y Norah Borges, una mujer en la vanguardia, 2020. Publicó artículos en diarios y revistas del país y del exterior. Fue comisario del envío argentino a la Bienal de Venecia en las ediciones de 2005 (Jorge Macchi); 2007 (Guillermo Kuitca); 2009 (Luis Felipe Noé); 2011 (Adrián Villar Rojas) y 2019 (Mariana Tellería). Actualmente se desempeña como Embajador de la República Argentina en Finlandia.
Entrevista: Laurent Perbos + Rodrigo Alonso
El artista francés Laurent Perbos que sorprende en La Suite con su bosque de mangueras de colores, sostiene en esta entrevista a cargo de Rodrigo Alonso: “Digamos que a lo largo de mi carrera en la Escuela de Bellas Artes trabajé sobre todo la pintura, el soporte pictórico. Muy rápidamente, tuve una fascinación -y tal vez se deba a mi infancia- por los medios masivos de comunicación, los cómics, las cosas de la imaginería popular. Así que realicé pinturas muy “pop”, siguiendo la línea del pop art. Eso me influenció mucho. Tan pronto como salí del cuadro, tan pronto como abandoné el soporte pictórico para pasar al soporte escultórico, con suma naturalidad me interesaron más o menos el mismo tipo de imaginerías. Así que me volqué hacia el objeto, el objeto industrializado, aquel que encontramos por todas partes”.
Su instalación Souches (2009/2021), se trata de un gran bosque talado y construido con mangueras de caucho, que reflexiona por un lado sobre el dispositivo que habilita el riego, y por otro sobre la tala indiscriminada que se demanda para la obtención de los plásticos. A lo largo de su carrera, el artista utiliza el objeto como elemento básico de composición, acción heredada del ready-made, que en este caso son las mangueras de jardín. En otras piezas, recurre a elementos como cuerdas elásticas y pelotas de diferentes deportes que generan nuevas lecturas y reinterpretaciones.
En la conversación guiada por Alonso, Perbos reflexiona también sobre la diferencia entre ser un escultor y una artista visual, sus intereses por el ensamble y la cultura del consumo masivo, y sobre los códigos diversos del mundo que toma para luego darles otro sentido.
El Festival A+C recupera las voces de los artistas de La Suite, en primera persona y esta es una oportunidad imperdible para conocer más sobre la artista francesa, y poner el foco en cuestiones urgentes del arte contemporáneo: la problemática ambiental, las extranjerías y la recuperación de la memoria.
Traducción: Agustina Blanco
Subtitulado: Sofía Mele
Edición: Sofía Mele
Laurent Perbos (1971, Burdeos, Francia) Licenciado en Pintura clásica en 1997 por la Escuela de Arte de Burdeos. Ha expuesto en toda Francia, incluso en el Centro de Arte Contemporáneo Walter Benjamin en Perpignan en 2015, y en Brasil, Alemania, Marruecos e Italia. Forma parte de Buy-Sellf, un colectivo de artistas visuales que tiene como objetivo apoyar la creación contemporánea. Su obra es muy variada y se caracteriza por mezclar humor y poesía; el artista busca generar cierta familiaridad en el espectador utilizando objetos de la industria del consumo masivo. Desde la pura tradición del arte del assemblage, cuestiona cómo las cosas ordinarias, una vez revisadas, pueden verse como una narrativa más que como una imagen. Un mundo donde las cosas sufren una metamorfosis formal y filosófica creando un trabajo de ambivalencia mental y visual. Actualmente vive y trabaja entre París y Marsella, Francia.
Webs de referencia: http://www.documentsdartistes.org/artistes/perbos/repro.html, https://www.chateaudurivau.com/fr/art-laurent-perbos.php
Rodrigo Alonso Licenciado en Artes especializado en arte contemporáneo y nuevos medios. Investigador y teórico en el campo del arte tecnológico, es un referente de la historia y el presente de esta producción en América Latina. Ha publicado numerosos ensayos y libros sobre el tema; en 2015 se publicó una recopilación de sus principales textos en el libro Elogio de la Low-Tech. Historia y estética de las artes tecnológicas en América Latina. Como curador independiente ha organizado exhibiciones en diferentes partes del mundo; entre sus exhibiciones recientes se encuentran: Fotografía Argentina 1850-2010. Contradicción y continuidad (The Getty Museum, Fundación Proa, Buenos Aires, 2018), Pensar en abstracto (Museo de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, 2017), Pop, realismos y política. Brasil/Argentina. 1960s (Fundación Proa, Buenos Aires; Museo Oscar Neimeyer, Curitiba; GAMEC, Bérgamo; Museo de Arte Moderno, Río de Janeiro, 2012-2013, con Paulo Herkenhoff), Transitio_MX. Biomediations (Centro Nacional de la Imagen/Laboratorio de Arte Alameda, México, 2013, con Sarah Cook), Arqueologías a destiempo (Galería Gabriela Mistral, Chile, 2013), Relatos de resistencia y cambio (Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, 2010). En 2011, fue curador del Pabellón Argentino de la LIV Bienal de Venecia. Es profesor universitario de grado y postgrado, y asesor de fundaciones artísticas internacionales.
Web oficial: http://www.roalonso.net/Entrevista: Arno Rafael Minkkinen + David Travis
El fotógrafo finlandés Arno Rafael Minkkinen cumple 50 años de carrera artística y este encuentro para el Festival A+C a partir de La Suite, se propone recuperar algunos de los momentos más relevantes de su carrera como artista. Entrevistado por el curador de fotografía David Travis, repasan los trabajos más emblemáticos de su producción artística y su particular y reclusivo modo de trabajo.
Las dos fotografías de gran tamaño que se presentan en La Suite sostienen un diálogo estrecho con las otras piezas de su vasta producción y conjugan una estética que se percibe como fundamento creativo. El paso del tiempo, recreado mediante el sutil gesto de unir dos manos de diferentes edades, o lo imposible de una caminata sobre el agua que propone el personaje -casi bíblico- que levita en el lago, condensan instantáneas que se encuentran dentro de la conceptualización de sus obras: “lo que pasa dentro de tu mente puede pasar dentro de una cámara".
En sus obras, Minkkinen se pregunta por la fragilidad de la vida y la belleza inerte del cuerpo a partir de su temprana migración a los Estados Unidos desde Finlandia, su amor por la naturaleza y su método de trabajo desde un continuo desnudo solitario.
A partir del análisis de una de sus primeras piezas fotográficas, Minkkinen relata con especial entusiasmo lo que significa el vínculo con sus estudiantes, sus años como docente en el MIT y la influencia de sus grandes maestros, que le hicieron convertirse en el profesor y mentor que es hoy en la actualidad.
Con este video se completa el ciclo de entrevistas para el Festival A+C que recupera las voces de los artistas de La Suite de la mano de especialistas, críticos y curadores, que profundizan en los métodos e hipótesis de trabajo. Todo este material, quedará disponible en nuestro canal de YouTube PROATV.
En colaboración con Institut français d´ Argentine - Platform - Fundación Proa
Subtitulado: Matías Nicolás Pérez
Edición: Matías Nicolás Pérez
Buenos Aires noviembre de 2021.
Arno Rafael Minkkinen (Helsinki, Finlandia, 1945) Es un fotógrafo estadounidense de origen finlandés, actualmente es profesor emérito en la Universidad de Massachusetts y docente en la Universidad Aalto de Helsinki. Realizó más de 100 exposiciones individuales y 200 colectivas en galerías y museos de todo el mundo. Diez monografías incluyen: Waterline, Grand Prix du Livre, 25th Rencontres d’Arles (Marval, Aperture, Otava); SAGA: El viaje de Arno Rafael Minkkinen: treinta y cinco años de fotografías (Chronicle Books, 2005), Homework: The Finnish Photographs, 1973 a 2008; y Minkkinen (Kehrer), premio alemán Photobook en oro (2019) y finlandés Premio Álbum Fotográfico Selección del Jurado de Honor (2021). Con obras realizadas en más de 80 prominentes colecciones de museos en todo el mundo, Minkkinen ha recibido una Beca del Fondo Nacional de las Artes (1991), la Orden del León de Finlandia Medalla de Caballería de Primera Clase (1993, Premio Estatal de Arte de Finlandia (2006), Premio Lucie por logros sobresalientes en bellas artes (2013), a John Simon Beca de la Fundación Guggenheim (2015) y la medalla Pro Finlandia conferido en el Centenario de la Independencia de Finlandia (2017)
Web oficial: http://www.arno-rafael-minkkinen.com/
David Travis es el curador de fotografía retirado del Art Institute of Chicago, donde dirigió programas de fotografía y adquisiciones desde 1972 hasta 2008. Fue el curador fundador del Departamento de Fotografía en 1975 y dirigió y diseñó la gran renovación de vanguardia de las galerías, la sala de estudio, el laboratorio y las bóvedas en 1982. Desde entonces, este modelo ha sido copiado en todo el mundo. En sus funciones administrativas ha prestado especial atención al desarrollo de un fuerte programa en conservación fotográfica, así como al uso de la colección en la sala de estudio, que ahora cuenta con una asistencia de unas 2.000 personas al año. Después de jubilarse en 2008 del Art Institute of Chicago, comenzó a enseñar historia de la fotografía en Columbia College Chicago como profesor adjunto. Especialidades: Comisariado de exposiciones de fotografía; Conferencias sobre aspectos de la fotografía creativa y la historia de la fotografía; Enseñanza de la historia de la fotografía.