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• Título: Kara Walker: el lado negro del Gran Sueño Americano
  Autor: Patricio Féminis
  Fecha: 28/09/2026
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  Kara Walker: el lado negro del Gran Sueño Americano
  
  Por primera vez en Argentina y el resto de Sudamérica, Fundación Proa ofrece una muestra integral sobre la gran artista plástica estadounidense que abre sentidos contra la esclavitud, el racismo, la opresión y el patriarcado.
  28/09/2025
  
  
  
  Foto: Ari Marcopoulos
  Por: Patricio Féminis

  Las siluetas negras que traza Kara Walker abren sentidos contra el racismo y la discriminación en Estados Unidos: exponen la contracara negra del Sueño Americano. Y sus esculturas en bronce, dibujos, grabados, esculturas monumentales y murales en papel denuncian la desigualdad y la esclavitud. Un vigor artístico y político que se expone -hasta noviembre- en la flamante muestra sobre Kara Walker en Fundación Proa (Av. Pedro de Mendoza 1929): así ella conjura siglos de opresión a través de su arte revelador.

  

  Kara Walker, nacida en 1969 en Stockton, California, es “una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo internacional”, dice la Fundación Proa en el vasto catálogo de la muestra, sobre todas las facetas de una artista “que combina belleza, ironía y crudeza conceptual”, al dialogar con la historia y con la cultura visual. Allí se destacan sus siluetas recortadas, pero ellas son apenas el puntapié de una obra con “gestos formales y conceptuales que redefinen lenguajes e imaginarios”.
  
  Por primera vez en Argentina y Sudamérica, el acervo de Walker en la muestra interpela los sentidos y las nociones sobre lo instituido: conmociona y genera preguntas constantes.

  La exhibición en Fundación Proa, de miércoles a domingos de 12 a 19, ofrece una selección de obras realizadas entre 1994 y 2021: son 27 años de producción. Allí están sus grandes murales en papel -una técnica del siglo XVIII que ella resignifica-, las esculturas, los dibujos, las serigrafías y hasta las videoanimaciones: un muestreo representativo.

  En las siluetas recortadas, que Walker emplea en múltiples formatos y soportes, se ven esclavos con grilletes, cuerpos negros en danza, mujeres oprimidas y otras empoderadas: gestos catárticos, otros represivos y, en oposición, los liberadores. Así no sólo se tematizan el racismo y la opresión, sino a la vez los feminismos, las disidencias y el maltrato social en general: los efectos históricos más allá de la hegemonía discursiva en Estados Unidos. ¿Y qué más provoca esta producción en el público? Es una diversidad de emociones para abrir la mente y dejarse conmover.

  

  Dice Fundación Proa que aquí “la belleza opera como trampa: la elegancia formal y el humor a primera vista conducen, a medida que se observa con detenimiento, a escenas de gran crudeza, generando una experiencia ambigua que seduce y a la vez desestabiliza a quien la mira”.

  En Proa, la muestra de Kara Walker se distribuye en tres salas. En la primera hay dibujos y videos tempranos. En la segunda están las siluetas recortadas y grabados, entre otros proyectos. Y, en la tercera, las esculturas monumentales: una de ellas es una esfinge afroamericana mitad animal y mitad mujer.

  También hay fotografías de otros proyectos señeros de Walker junto a maquetas y bocetos.

  Kara Walker, una innovadora

  Cuenta Mayra Zolezzi, una de las integrantes del departamento de curaduría y programación de Fundación Proa: “Kara Walker destacó siempre por su innovación en la técnica del dibujo, luego de las siluetas, del video y, más tardíamente, de las obras monumentales, que hizo para lugares como la Domino Sugar Factory de Nueva York o la Tate Modern de Londres. Ella tiene la versatilidad y la destreza para abordar temas del imaginario popular y la identidad de una nación”.

  

  Es, prosigue Zolezzi, “un universo muy propio de la historia norteamericana, de África y de los esclavos, del trabajo de mano de obra forzada y de su traslado a través del Atlántico. Desde Fundación Proa buscamos dar un panorama representativo de todo lo que ha creado Kara Walker a lo largo de los años”. ¿Cómo organizaron la curaduría? “Trabajamos con el Walker Art Center de Minneapolis y el Sikkema Malloy Jenkins de Nueva York, que contribuyeron en forma clave”.

  

  El Walker Art Center aportó las obras más tempranas de la artista, del ’94: los dibujos más pequeños del principio. “Las ideas se extienden en la segunda sala con veintisiete serigrafías -las siluetas-, a escala más grande, y en la tercera están los monumentos, que en realidad funcionan como antimonumentos”, observa Zolezzi.

  “Tenemos un cuerpo de obra que refleja las transiciones de Kara Walker desde su etapa temprana hasta la tardía. Y, en las fotografías, ella reflexiona alrededor de los monumentos y toda la iconografía sobre la esclavitud y el patriarcado”.

  ¿Qué sintió Zolezzi al ver tantas creaciones? ¿Qué captó como curadora? “Las obras tienen algo impactante y contradictorio -responde-. Pero yo siempre termino de cerrar el proceso cuando veo cómo interactúa el público. Y ésta es una producción que da para mucho análisis: hay algo hasta caricaturesco, carnavalesco, en esas siluetas que están en movimiento, pero con un trasfondo muy triste y complejo. De hecho, hay escenas de violencia explícita”. Allí está la puesta en cuerpo del espectador: con sus obras, Kara Walker da testimonio y ejerce la memoria.

  “Es la realidad terrorífica de toda una generación que vivió la discriminación y el racismo en carne propia, años atrás -siente Zolezzi-. Y luego están las segundas, terceras y cuartas generaciones, que atraviesan problemáticas con las autoridades y las instituciones: arrastran un montón de dolores del pasado”.

  

  Y ello no sólo sucede en Estados Unidos: “Walker trabaja sobre el conflicto de la esclavitud y éste trasciende a Norteamérica: hay nuevas corrientes historiográficas que hablan de un proceso de mestizaje muy fuerte en torno a la comunidad y la identidad marrón en Argentina”.

  La presidenta de Fundación Proa, Adriana Rosenberg, dice en la entrevista que le hacen en el catálogo de la muestra que lo que Walker hace “tiene conexiones profundas con experiencias y procesos que también atraviesan a América Latina: son las formas de violencia, la exclusión, el racismo, la desigualdad estructural y las diferentes posturas respecto de las narrativas históricas”.

  En sintonía, Walker también muestra cómo los diseños tribales africanos fueron centrales en el paso del realismo a lo abstracto en artistas como Pablo Picasso.

  Pero no es la única huella que sigue. También hay, en sus dibujos, alusiones a la ilustración popular del siglo XIX, a los cuentos infantiles, a las caricaturas y los caprichos de Francisco de Goya. Como dice Zolezzi: “Walker trabaja con líneas muy transversales a nivel histórico y estético. Esperamos que el público que venga se sienta confrontado”.

  Por eso dicen, justamente, desde Fundación Proa: “La obra de Walker propone una relación activa con el público: sus instalaciones proyectan sombras, imponen recorridos inmersivos y lo comprometen no sólo en lo espacial, sino en lo ético. Intervenciones como A Subtlety y Fons Americanus han generado debates públicos sobre urbanismo, memoria y representación, convirtiéndose en hitos culturales de la última década”.

  ¿En qué sentido? “Obras como Fons Americanus se apropian de los códigos del monumento público para subvertirlos desde adentro: en lugar de exaltar gestas consideradas ‘heroicas’ revelan ausencias y violencias invisibilizadas por esa retórica celebratoria”, opinan desde Fundación Proa.

  Y en la misma entrevista del catálogo, Rosenberg estipula: “Su obra nos interpela desde un lugar más ligado a la condición humana y a los mecanismos que sostienen ciertas jerarquías en distintas geografías y momentos históricos”.

  Si bien lo europeo y lo religioso son también atravesados por el tamiz político, irónico y catártico del ojo de Walker, la historia norteamericana es el recurrente núcleo de sus obsesiones. Basta ver la serie de obras dibujadas y tituladas Final Solutions: “Emancipation Proclaimation”, “Words Too Heavy for my Head” y “Free Northern Girls”. El punto de vista afroamericano grafica la larga marcha hacia el cese de la esclavitud. En su humor gráfico explícito, Walker exterioriza su sarcasmo y su frustración, pero tampoco acalla su voz.

  Y luego está la instalación A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby: la primera obra de arte público y de gran escala de Kara Walker. “La gigantesca escultura de azúcar de Walker -dicen desde Fundación Proa- habla del poder, la identidad étnica, los cuerpos, las mujeres, la sexualidad, la esclavitud, el refinamiento del azúcar, su consumo excesivo y adictivo, la desigualdad de la riqueza y el poder industrial”.

  Y Zolezzi lo ve así: “Walker no hace un historicismo riguroso, sino más errático, pero eso también configura su universo tan potente y desafiante”.

  
  
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• Título: Un recorrido por las grandes muestras de 2025
  Autor: Juan Batalla
  Fecha: 29/12/2025
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  De "¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 > Hoy" (@fundacion_proa)

  Más hacia el sur, en La Boca, la Fundación Proa, se presentó a Kara Walker, a partir de sus dibujos tempranos como un acercamiento a sus monumentos y figuras históricas en los que ingresa en la cultura afroamericana, la esclavitud y el papel de la mujer negra en la historia de Estados Unidos. En ¡Aquí estamos! Mujeres en el diseño 1900 > Hoy se realizó un viaje por la evolución del diseño femenino a lo largo de 120 años, destacando su impacto en el arte, la tecnología y la cultura, en una propuesta en colaboración con el prestigioso Vitra Design Museum.

  A unas cuadras, en Proa21, el curador italiano Marco Scotini llegó con su Archivo de la Desobediencia (Disobedience Archive), que había presentado en la Bienal de Venecia y al que le sumó un capítulo centrado en argentina: otra de las (pocas) propuestas que hicieron foco en lo político y lo social, además de la censura y las fake news, a partir de un display de videoinstalaciones que entrecruza arte con resistencia social.

  
  De "Archivo de la Desobediencia (Disobedience Archive)"
  
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• Título: Recomendados del fin de semana
  Autor:
  Fecha: 05/11/2025
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• Título: Por el camino rocoso
  Autor: Laura Isola
  Fecha: 02/11/2025
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  CULTURA - KARA WALKER EN PROA
  
  Por el camino rocoso
  
  La artista estadounidense, nacida en 1969, aborda con sus obras la historia de la esclavitud, la segregación y el racismo, al tiempo que explora las complejas relaciones de poder y deseos dentro de la sociedad. Sus representaciones visuales combinan formas simples y narrativas complejas para contar, por medio de historias visuales, temas de raza, género, sexualidad y violencia; hace uso de estereotipos, del color negro y contrastes altos, realiza instalaciones monumentales, reflexiona por medio de grandes monumentos sobre el valor del patrimonio y el significado histórico de la conmemoración y la memoria. Hasta el 16 de noviembre, una muestra dedicada a ella puede visitarse en La Boca.
  
  
  | gentileza fundación proa
  
  ​​​​​​
  Laura Isola
   @lauisola
  02-11-2025 02:28

  Kara Walker nació en 1969 en Estados Unidos. Si bien creció en California, en una comunidad integrada, a los 13 años se mudó con su familia a Georgia, cuando su padre aceptó un puesto en la universidad estatal de ese lugar, en el que había nacido en 1935.

  Estas referencias biográficas de la pintora, grabadora, artista de instalaciones y cineasta estadounidense son para insertar en la cronología de la historia de la segregación racial y quizá dar una explicación más ajustada a los temas que trabaja en su obra. Por ejemplo, recordar que las leyes de Estados Unidos que avalaban la segregación racial fueron principalmente las leyes Jim Crow, un conjunto de normas estatales y locales que legalizaron la separación racial en el sur del país desde la posguerra de la revolución hasta mediados de la década de 1960. Estas leyes, justificadas por la doctrina “separados pero iguales”, imponían la segregación en lugares públicos como escuelas, parques, transporte, restaurantes y hospitales, despojando a las personas negras de sus derechos.

  Es decir, para la vida de los Walker, para el padre y la madre, esta situación fue un tema vivido en carne propia. Incluso para Kara, esa mudanza fue un choque cultural: un marcado contraste con el ambiente multicultural generalizado que habían disfrutado en la costa de California, en Stone Mountain todavía había reuniones del Ku Klux Klan. En su nueva escuela secundaria, Walker recuerda que “me llamaron nigger, me veían como un mono”.

  Esto no les gusta a los autoritarios
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  Hoy más que nunca.

  Con esta impronta aborda la historia de la esclavitud, la segregación y el racismo, al tiempo que explora las complejas relaciones de poder y deseos dentro de la sociedad. Sus representaciones visuales combinan formas simples y narrativas complejas para contar, por medio de historias visuales, temas de raza, género, sexualidad y violencia; hace uso de estereotipos, del color negro y contrastes altos, realiza instalaciones monumentales, reflexiona por medio de grandes monumentos sobre el valor del patrimonio y el significado histórico de la conmemoración y la memoria. Usa la animación en cortos de manera pedagógica e irónica. En sus trabajos hay humor, menos para reírse a carcajadas que para alertar sobre sus preocupaciones, que suelen ser emotivas y trágicas al mismo tiempo.

  El siluetazo. Si la palabra silueta es un epónimo, término que se construye a partir del nombre de una persona o un lugar, en este caso del apellido de Étienne de Silhouette, ministro de Hacienda de Luis XV de Francia, podemos imaginar que ahora le pertenece a Kara Walker. No tanto para desplazar su apellido y reinventar el nombre, sino para conquistarlo de esa forma sutil y poderosa de contar la historia política, racial y cultural de esclavos y mujeres negras en Estados Unidos.

  En particular, el ministro de Finanzas francés fue, además, sinónimo de tacañería. Tiempo de ahorro y austeridad hizo que este funcionario ajustara para equilibrar cuentas. Para ello, entre sus medidas fue la promoción de la práctica de recortar figuras en papel negro y reemplazar, de ese modo, los retratos pintados a óleo que la burguesía no podía hacerse, pero de los que tampoco podía prescindir.

  Por su lado, Walker realiza murales utilizando esta técnica, que le presta servicio por partida doble. Es el refuerzo del color de la piel de los personajes que trae a su íntimo panteón, al tiempo que juega con adivinanzas al espectador sobre quién es quién en el universo de Walker.

  En uno de ellos, que está en la pared de la gran sala de la Fundación Proa en la muestra que trae sus obras por primera vez a la Argentina, está la inigualable Joséphine Baker, que se reconoce por su contorno y su inconfundible pollera de bananas. Esta mujer, nacida como Freda Josephine McDonald en Missouri en 1906, fue una bailarina, cantante y actriz francesa de origen estadounidense, considerada la primera vedette y estrella internacional. Su vida es una concatenación de eventos extraordinarios que ella misma fue forjando. Logró escapar de una niñez paupérrima y maltratada en el epicentro de la discriminación y la esclavitud y llegar, casi de niña también, a Nueva York con una compañía de músicos, y de ahí a París, para transformarse en la diva, la inolvidable bailarina de los años 20 con su célebre danza en la que zarandeaba las bananas brillantes.

  Desde esa posición, aunque parezca contradictoria, comenzó una tarea inmejorable para reivindicar derechos: de las mujeres, de las minorías, de los negros. Fue un icono musical y político internacional. Se le dieron apodos tales como la Venus de Bronce, la Perla Negra, la Diosa Criolla, la Sirena de los Trópicos y, sobre todo, la Venus de Ébano.

  Fue una mujer rica e influyente, en un momento (entre los años 20 y 30) y en un lugar (París). Al mismo tiempo, en Estados Unidos, la actriz negra más importante, Hattie McDaniel, hacía el papel de Mammy, cariñosa esclava regordeta, en Lo que el viento se llevó, la película de 1939. Es que, para esa parte de Europa, lo primitivo era asociado a la cultura, y Baker se valió de eso, sin importarle una confusa recepción de sus bailes y sus actuaciones, para construir una sólida tarea de reivindicación.

  Murió en París en 1975. Antes de eso fue espía francesa durante la Segunda Guerra Mundial, filántropa, recibió la Croix de Guerre por parte del cuerpo militar francés. Volvió a Estados Unidos para hacer una presentación y en el hotel le indicaron qué ascensor debía usar. A ella, justo a ella, que suspendió conciertos porque no dejaban ingresar a los negros y fue la primera mujer afrodescendiente en integrar una sala de conciertos en Estados Unidos y en convertirse en una animadora de fama mundial. Por último, pero no menos importante, en 2021 se convirtió en la sexta mujer y la primera mujer negra en formar parte del Panteón Nacional francés.

  Con el Tío Tom y la Mammy. La mammy, como la del film antes mencionado, es un estereotipo histórico estadounidense que representa a las mujeres negras oprimidas, que realizaban tareas domésticas y estaban al cuidado de los niños. Mujeres corpulentas y sonrientes, serviciales y esclavizadas, forman parte de una narrativa de mujeres “contentas” dentro de la institución de la esclavitud entre la servidumbre doméstica. La caricatura de la mammy se vio por primera vez en la década de 1830 en la literatura proesclavista anterior a la guerra, como una forma de oponerse a la descripción de la esclavitud dada por los abolicionistas. Por su parte, una de las primeras versiones ficticias de la figura de la mammy es la tía Chloe en La cabaña del tío Tom, de Harriet Beecher Stowe, publicada por primera vez en 1852. Si bien Stowe escribió la novela desde una perspectiva abolicionista, con la intención de movilizar la opinión pública en contra de la esclavitud, hay muchas críticas sobre los personajes de la novela; especialmente Tío Tom, que perpetúa estereotipos raciales, como la idea de que los negros son pasivos, sentimentales o dóciles. La representación de Tío Tom puntualmente llegó a dar nombre a un término despectivo.

  Para desmontar esta caricatura, como versión femenina del esclavo sumiso, Walker hace varias operaciones: pone el cuerpo copioso y superabundante de una negra en el centro de un retablo medieval, como una diosa, como una reina. Además, construye una gran figura de boca de labios carnosos y grandes pechos, una esfinge recubierta en azúcar blanca para contrastar con el color original del cuerpo. La instalación se llama A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby (La sutileza, o el maravilloso bebé de azúcar), fue exhibida en 2014 en una antigua fábrica de azúcar en Brooklyn y abordaba la historia del trabajo forzado en la industria azucarera a través de la figura arquetípica de la mammy. A su alrededor, niños realizados en melaza se iban derritiendo con el correr de los días de la exposición. La pieza fue destruida, podemos ver una gigantografía en esta muestra, con anhelo de que, en ese gesto, finalice un ciclo de violencia y racismo.

  La larga marcha de Walker. El recorrido comienza por una serie de dibujos de mediados de los años 90, cuando aparece esta forma especial que tiene de renovar lenguajes artísticos e incorporar nuevas temáticas, para revisar en sus obras la tensión y las apropiaciones de la historia del arte y la cultura.

  Al andar por las salas, se pueden reconocer perfiles que aluden al mito de Leda y el cisne, no como referencia precisa sino como interpelación sobre el poder y los límites: formas de engaño, bajo apariencias benévolas, referidas en la metamorfosis de Zeus para enamorar a la mortal Leda. Asimismo, un mito tan transitado por grandes clásicos como Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci, entre otros. Las intervenciones en el espacio público, monumentos y patrimonio, la construcción de una narrativa que combina melodrama y pintura histórica en la gran tradición del arte.

  Las referencias al océano Atlántico como el gran espacio de la trata de esclavos, los barcos que llevaron a sus antepasados de un lado al otro para desandar el comienzo de la historia de Estados Unidos, para ver un posible cierre en una foto muy emblemática: la de Stone Mountain. El lugar que fue sede de manifestaciones del grupo de odio terrorista supremacista blanco estadounidense de extrema derecha, conocido por promover, por medio de actos violentos y propagandísticos, el racismo, la xenofobia y el antisemitismo, así como la homofobia, el anticatolicismo y el anticomunismo, conocido como Ku Klux Klan (KKK). Una sociedad secreta creada en el siglo XIX, inmediatamente después de la Guerra de Secesión, por seis oficiales del Ejército de los Estados Confederados.

  Por eso, en el discurso de Martin Luther King “Tengo un sueño”, menciona: “Que suene la libertad desde la Stone Mountain de Georgia”. Se sabe que esta montaña tiene el monumental grabado confederado y, por eso, la alusión a ese lugar tan emblemático para extender la paz y la libertad.

  Aquí vuelve a aparecer Josephine Baker como hipótesis de cierre, como cita y referencia imaginarias. Porque si algo le faltaba, era haber sido la única oradora invitada en 1963 a la marcha en Washington DC por el trabajo y la libertad organizada por Martin Luther King. En su discurso, habló sobre la discriminación que sufrió en Estados Unidos, contrastándola con la libertad que experimentó en Francia, y animó a la audiencia a luchar por un futuro mejor. Baker, vestida con su uniforme de la Resistencia Francesa, pronunció un poderoso discurso el 28 de agosto de 1963, antes del icónico discurso de Luther King y dijo: “Ustedes saben que yo siempre he tomado el camino rocoso. Nunca tomé el fácil y, como sabía que tenía poder y fuerza, tomé ese camino rocoso y traté de desmalezarlo un poco”.

  Ficha técnica
  Kara Walker
  Hasta el 16 de noviembre
  De miércoles a domingos de 12 a 19
  Visitas guiadas a las 15 y las 17
  Fundación Proa
  Av. Pedro de Mendoza 1929

  
  
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• Título: Recomendados del fin de semana
  Autor:
  Fecha: 24/10/2025
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• Título: Qué hacer en Buenos Aires este fin de semana, 50 planes para disfrutar del viernes 17 al domingo 19 de octubre, con recitales, teatro, cine, streaming, muestras y gratis
  Autor:
  Fecha: 17/10/2025
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  Kara Walker

  Una selección que tiene el sentido de construir un panorama de momentos relevantes de esta artista norteamericana que reflexiona a través de sus trabajos en los procesos migratorios, el encuentro entre culturas, las formas de poder, la persistencia de los símbolos. Una exhibición que reúne tres décadas. Viernes, sábado y domingo, de 12 a 19, en las Sala 1, 2 y 3 de la Fundación PROA, Pedro de Mendoza 1929.

  
  
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• Título: Cine en Fundación Proa
  Autor:
  Fecha: 09/10/2025
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• Título: ARTES VISUALES: Kara Walker y Premio Pictet Human
  Autor:
  Fecha: 02/10/2025
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  ARTES VISUALES: Kara Walker y Premio Pictet Human
  
  

  Exhibición Kara Walker - Fundación PROA / Ana Clara Giannini - Prensa y Comunicación

  KARA WALKER
  6 de septiembre - noviembre 2025

  Organiza
  Walker Art Center
  Sikkema Malloy Jenkins
  Fundación Proa

  Por primera vez en Argentina y en Sudamérica, Fundación Proa presenta una exposición dedicada a la artista estadounidense Kara Walker (Stockton, California, 1969), una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo internacional. Reconocida por sus composiciones con siluetas recortadas y su singular capacidad para articular narrativas que confrontan la historia y la cultura visual, Walker ha construido un lenguaje inconfundible que combina belleza, ironía y crudeza conceptual.

  La muestra, que podrá visitarse entre septiembre y noviembre de 2025, reúne una selección de obras realizadas entre 1994 y 2021, ofreciendo un recorrido por más de veinticinco años de producción. Desde sus grandes murales en papel que resignifican una técnica popular del siglo XVIII— hasta esculturas en bronce, dibujos, grabados, textos y videoanimaciones, el proyecto conforma un panorama exhaustivo de su vasta trayectoria.

  Formada en el Atlanta College of Art y en la Rhode Island School of Design, Walker alcanzó notoriedad a mediados de los años noventa cuando comenzó a trabajar piezas murales mediante la técnica del recorte en papel, creando escenas tan inquietantes como perturbadoras que dicen todo sin mostrar nada. En Fundación Proa, el público podrá aproximarse a estas emblemáticas instalaciones y también a un conjunto de piezas realizadas en otros soportes mediante los que la artista explora la materialidad, el montaje y la escala para interrogar los mecanismos simbólicos que sostienen las estructuras sociales del presente.

  El dibujo ocupa un lugar central en esta muestra antológica. La artista ha desarrollado una extensa obra sobre papel que incluye grafito, acuarela, collage y tinta, con referencias abiertas a la ilustración popular, la caricatura decimonónica, los cuentos infantiles y la obra de Goya y Daumier. A esto se suman videoanimaciones como 8 Possible Beginnings (2005) y Prince

  PREMIO PICTET HUMAN

  Fundación Proa presenta por primera vez en América Latina la exposición “Human”, décima edición del prestigioso Prix Pictet, el principal certamen internacional dedicado a la fotografía contemporánea enfocada en la sostenibilidad. Entre septiembre y noviembre de 2025, la sala 4 exhibe los proyectos de doce fotógrafos finalistas que desde diversas perspectivas y contextos documentan los grandes desafíos que atraviesan nuestro tiempo.
  Las imágenes de Hoda Afshar (Irán), Gera Artemova (Ucrania), Ragnar Axelsson (Islandia), Alessandro Cinque (Italia/Perú), Siân Davey (Reino Unido), Federico Ríos Escobar (Colombia), Gauri Gill (India), Michał Łuczak (Polonia), Yael Martínez (México), Richard Renaldi (Estados
  Unidos), Vanessa Winship (Reino Unido/ Bulgaria) y Vasantha Yogananthan (Francia) abordan cuestiones urgentes como la migración, los conflictos bélicos, el trabajo, la memoria y las tensiones entre desarrollo y degradación ambiental. Cada propuesta ofrece una mirada que
  cuestiona o interroga tanto las condiciones materiales de la existencia como los vínculos éticos y afectivos entre las personas y su entorno. “Estas obras nos alertan sobre todas las amenazas a las que nos enfrentamos y sobre la gama de opciones, cada vez menor, para lograr un resultado positivo” sostiene Sir David King, presidente del jurado. Lejos de limitarse a la denuncia, la fotografía reunida en esta edición del Prix Pictet funciona como una herramienta crítica y sensible que da visibilidad a procesos complejos sin caer en lo literal ni en lo espectacular.
  Creado en 2008 por el Grupo Pictet, desde sus comienzos el galardón se trazó el objetivo de utilizar el poder de la fotografía
  para llamar la atención mundial sobre los desafíos críticos que afronta el planeta.

  

  PREMIO PICTET -HUMAN
  PH: Richard Renaldi / Gentileza: Fundación PROA / Ana Clara Giannini - Prensa y Comunicación

  
  
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• Título: La condición humana hoy en dos muestras de Proa
  Autor: Adriana Lorusso
  Fecha: 16/09/2025
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  CULTURA | Ayer 07:58
  
  La condición humana hoy en dos muestras de Proa

  El Premio Pictet de fotografía y una antología de la obra de Kara Walker reflexionan sobre la sostenibilidad, la migración y la marca de los estereotipos racistas.

  
  
  Adriana Lorusso

  Editora de Cultura y columnista de Radio Perfil.

  El premio Pictet en Proa. | Foto:Cedoc

  Fundación Proa inaugura por estos días dos muestras diferentes pero con muchos puntos en común. Por un lado, la décima edición del Prix Pictet, uno de los más importantes galardones del mundo destinados a destacar el concepto de “sostenibilidad”. Y por otra parte, una antología de la obra de Kara Walker, una destacada artista estadounidense cuyo trabajo gira en torno a conceptos como la cultura popular, los estereotipos, la raza, el género y la violencia (ver recuadro en la otra página).

  En ambos casos, las obras tiene el valor de un testimonio, un gesto artístico que señala (mejor que ningún otro lenguaje) las heridas de una sociedad desigual.

  

  Imágenes

  Patrocinado por el grupo suizo de inversión Pictet y con un premio de US$ 120.000, el Prix Pictet se otorga cada dos años, a partir de temas en relación con la “sostenibilidad”. A diferencia de otros certámenes, los participantes no se presentan espontáneamente sino que son nominados. Y el premio no se otorga a una pieza única sino al proyecto general de un artista.

  En cada edición hay un tema guía. En la última, la que puede verse ahora en Proa, el tópico es la palabra “Human”. En ediciones anteriores fue “Agua”, “Tierra”, “Consumo”, “Desorden”, “Esperanza” y “Fuego”, entre otras temáticas.

  

  El certamen ya ha convocado a más de 5000 fotógrafos para participar y 300 expertos — críticos, curadores y especialistas en artes visuales— para nominar proyectos en relación con los temas del premio. Los artistas seleccionados conforman una exhibición itinerante que recorre las principales capitales del mundo.

  “El Prix Pictet se ha consolidado como una plataforma global para el pensamiento visual crítico, en la que convergen estética, ética y compromiso con el entorno. Su impacto no solo radica en el prestigio artístico de los seleccionados, sino también en la manera en que las obras contribuyen a generar conciencia y reflexión sobre la fragilidad — y la posibilidad— de los ecosistemas humanos y naturales”, explica el texto de presentación del premio.

  “Para Fundación Proa, mostrar por primera vez en la Argentina el Prix Pictet significa abrir un espacio de encuentro entre la fotografía contemporánea y las preguntas urgentes del presente -sostiene Adriana Rosenberg, presidenta de Proa-. Este premio, que reúne a artistas de todo el mundo para reflexionar sobre los vínculos entre imagen, sostenibilidad y condición humana, dialoga de manera natural con la misión de Proa: acercar a la comunidad producciones de excelencia que estimulen el pensamiento crítico, la sensibilidad artística y el debate cultural”.

  

  La buena noticia es que proximamente Proa promoverá un premio Pictet sudamericano, en alianza con la institución suiza. Con una larga tradición en la exhibición de fotografía, que comenzó en 2000 con la muestra “Éxodos” de Sebastião Salgado, la institución buscará destacar la trayectoria de importantes fotógrafos de la región.

  Por otra parte, Pictet cerró un acuerdo con el Museo Nacional de Bellas Artes para exhibir en sus salas cada edición del Prix, en su paso por Buenos Aires.

  Los elegidos

  Artistas de todo el mundo forman parte de la selección de “Human”. Ellos reflejan sus entornos geográficos y sus espacios de investigación con una diversidad de técnicas y personajes notables. La lista de nombres es extensa: Hoda Afshar (Irán), Gera Artemova (Ucrania), Ragnar Axelsson (Islandia), Alessandro Cinque (Italia/Perú), Siân Davey (Reino Unido), Federico Ríos Escobar (Colombia), Gauri Gill (India), Michał Łuczak (Polonia), Yael Martínez (México), Richard Renaldi (Estados Unidos), Vanessa Winship (Reino Unido/ Bulgaria) y Vasantha Yogananthan (Francia). La guerra, la migración, los paisajes arrasados, la violencia y la explotación son temas recurrentes en los trabajos de estos artistas.

  “'Human' coloca en el centro la pregunta por nuestra condición actual. La condición humana hoy -explica Adriana Rosenberg-. Lo que me interesa especialmente de esta selección es que, aun abordando cuestiones urgentes —la migración, el trabajo, el cuerpo, las comunidades atravesadas por el conflicto o el cambio climático—, las obras no buscan el golpe de efecto. Son miradas profundas, comprometidas, sensibles, que nos invitan a detenernos y a pensar en lo que somos y en cómo habitamos este tiempo”.

  La ganadora de esta edición es la artista nacida en la India, Gauri Hill. Aunque vive en Nueva Delhi, desde hace alrededor de 20 años trabaja con las comunidades del desierto de Rajastán. Ha mostrado su obra en todo el mundo e instituciones como el Museum of Modern Art de Nueva York o el Tate Modern de Londres han incorporado sus trabajos en sus colecciones.

  

  Así describe Hill la vida en el lugar donde realiza sus fotografías: “Vivir sin tierra y en situación de pobreza en el desierto supone una dependencia ineludible de uno mismo, de los demás y de la naturaleza. Se vive al límite, en contacto directo con los elementos, y la vida es tan frágil como frecuentes las bromas. Dormir a la intemperie sobre las dunas heladas del invierno, apenas cubiertos por una lona y viejas colchas pesadas, exige que todos se agrupen, respirando juntos bajo la misma manta, junto a los perros. En esa maraña, no siempre se sabe bien qué es qué, o quién es quién”.

  La obra de esta artista es sólo un capítulo de la deslumbrante extensión de “Human” y todos los hombres y mujeres que habitan sus escenarios.

  

  Antología/ Kara Walker

  De la caricatura al video, de las figuras recortadas a las esculturas monumentales, la obra de Kara Walker es excepcional por la forma en que se nutre de la cultura popular para denunciar la violencia racial y de género.

  

  La muestra que puede verse en Proa hasta noviembre de este año reúne sus trabajos entre 1994 y 2021. Nacida en California, Walker se formó en el Atlanta College of Art y en la Rhode Island School of Design. “Uno de sus aportes más notables es la relectura de técnicas históricamente consideradas menores, entre ellas las siluetas recortadas —asociadas al ámbito doméstico y decorativo— que ella expande y resignifica a escala monumental, transformándolas en frescos contemporáneos capaces de interpelar desde lo visual y lo simbólico”, explica el texto curatorial de la muestra. Sus inmensos monumentos, que pueden verse en maquetas y fotografías, “se apropian de los códigos del monumento público para subvertirlos desde adentro: en lugar de exaltar gestas consideradas 'heroicas', revelan ausencias y violencias invisibilizadas por esa retórica celebratoria”.

  
  
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• Título: La artista Kara Walker llega a la Argentina con una muestra que desafía el racismo y la memoria
  Autor: Belen Papa Orfano
  Fecha: 11/09/2025
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  Cultura
  
  La artista Kara Walker llega a la Argentina con una muestra que desafía el racismo y la memoria
  • Su obra se caracteriza por siluetas recortadas, esculturas monumentales y relatos críticos.
  • Su mirada revisita la historia de la esclavitud, el racismo y la opresión en Estados Unidos.
  • Fundación PROA presenta por primera vez en el país una selección que revela su potencia artística y política.
  
  Kara Walker en Fundación PROA. Foto: gentileza Fundación Proa
  
  
  Belén Papa Orfano
  
  11/09/2025 12:00

  La obra de Kara Walker (Stockton, California, 1969) desafía los cánones sin impostar solemnidad. La estadounidense, cuyo trabajo se puede ver por primera vez en la Argentina en la recién inaugurada muestra en Fundación PROA, se apodera de relatos históricos, sin rigor y con interpretaciones propias, para repensarlos en el presente a la luz de las corrientes que trabajan sobre las minorías, los feminismos, las disidencias, el racismo y la opresión. En pocas palabras: piensa y trabajo sobre aspectos de la historia que están por fuera de los discursos hegemónicos de Estados Unidos.

  
  Kara Walker en su estudio, 2017. Foto: Ari Marcopoulos, gentileza Fundación Proa.

  Walker es reconocida por sus composiciones con siluetas recortadas que utiliza en animaciones, dibujos y grabados. La técnica nace en el siglo XVIII en Francia como una forma barata de realizar retratos en tiempos de guerra. Se utilizaba tanto en la corte como en las clases más bajas. La técnica se popularizó en Estados Unidos, tanto que desde presidentes hasta esclavos se hacían retratar como siluetas.

  Carta de presentación

  La muestra de PROA funciona como una carta de presentación para el público argentino; una antología no cronológica donde conocer sus trabajos más emblemáticos y técnicas para visitantes no acostumbrados a conocer de primera mano a los artistas contemporáneos de la escena mundial.
  
  La exhibición abre con dos puntas: por un lado, una serie de dibujos tempranos, donde solo con la figura de dos personajes compone escenas con fuerte humor negro e impronta crítica al dominio blanco y el patriarcado.

  Títulos cortos acompañan sus dibujos: “Chicas libre del norte”, “Palabras muy pesadas para mi cabeza” o “Destruyendo el terror” sirven como guía para interpretar esas composiciones por momentos crípticas. La técnica de dibujo que utiliza Walker encuentra sus referencias en la ilustración popular del siglo XIX, la caricatura, los cuentos infantiles y los caprichos de Francisco de Goya.

  
  Una imagen muestra «Fons Americanus», de la artista estadounidense Kara Walker, recién instalada en la sala Turbine Hall de la galería Tate Modern de Londres el 30 de septiembre de 2019. (Foto de Tolga AKMEN / AFP)

  Por otra parte, un tríptico, que emula a un retablo bizantino, surgido durante una residencia en Roma en 2016. Empapada de la simbología católica que se cruzaba a cada paso de la capital romana, la artista reflexionó sobre el martirio, el mito y la iconografía cristiana anclada en la historia estadounidense y el tráfico de esclavos. Allí aparecen nuevamente las siluetas de dos mulatos, una mujer y un hombre a cada lado.

  En el centro, donde en el arte sacro se ubica la figura de la Virgen, el dibujo de una escena donde la protagonista es la estatua colosal de una mujer negra desnuda que es levantada desde el suelo por figuras más pequeñas.

  Entre la multiplicidad de formatos que trabaja Walker figuran también los videos, donde marionetas hechas de siluetas protagonizan pequeñas escenas. Nuevamente, ese corto que recuerda a las películas mudas de inicios del cine esconde una narración que combina violencia, tensión moral y acción. La factura de la obra emerge cuando aparece la mano de la artista asomando en la escena moviendo sus marionetas. Es un recuerdo de que Walker toma episodios de la historia, pero evita el rigor histórico a partir de incorporarles su mirada, su mano, no exenta de los sesgos.

  
  Kara Walker. An Unpeopled Land in Uncharted Waters, 2010. Foto: gentileza Fundación Proa

  El corazón de la muestra, la sala 2, alberga murales y serigrafías de amplio despliegue. Un mural de siluetas de papel recortadas –"Endless Conundrum", "An African Anonymous Adventuress"– examina la apropiación y exotización de la identidad y la cultura africanas. Deja de lado los temas relacionados a la esclavitud para abordar cómo los motivos tribales africanos jugaron un papel clave en la transición de del realismo a la abstracción y la deconstrucción del espacio en la obra de artistas como Pablo Picasso y Alberto Giacometti.

  Frente a esta obra se despliega un conjunto de 27 serigrafías, "Aproximación a la emancipación", un titulo que refiere a la Proclamación de Emancipación de Abraham Lincoln, el documento donde el ex presidente de Estados Unidos abolió la esclavitud en 1863. Con una técnica victoriana de recortes sobre papel negro y micro escenas con destellos maravillosos Walker realizó una interpretación irónica de esta política que puso un punto final a la esclavitud, pero no a la segregación.

  Lo que a simple vista parece un cuento de hadas, rápidamente abre paso a lo terrorífico. Allí personas con rasgos afroamericanos aparecen con extremidades animales, hay escenas de lesbianismo, abortos, niños que vuelan y hasta se cuelan personajes de Alicia en el país de las Maravillas.

  Por último, PROA presenta dos grandes trabajos tridimensionales de Walker: las esculturas de tamaños monumentales que se vinculan, dialogan e interpelan con la idea de monumento como distinción al mérito. Se presenta el registro fotográfico de dos de sus proyectos más emblemáticos así como maquetas y bocetos que son obras en sí mismas.

  De sus trabajos escultóricos la fundación exhibe el proyecto que la llevó a Walker a montar en la antigua fábrica de azúcar de Domino, en Brooklyn, Nueva York, una inmensa escultura de una esfinge mitad animal mitad mujer con rasgos afroamericanos.

  Es la mummy, un personaje muy arraigado en la cultura estadounidense, asociado al cuidado y la servidumbre. Está recubierta de azúcar, motor de vastas plantaciones en el Caribe y en Norteamérica donde trabajaban los esclavos. La artista busca poner en el centro del debate a las mujeres, la sexualidad, la esclavitud, el refinamiento del azúcar, su consumo excesivo y adictivo, la desigualdad de la riqueza y el poder industrial que utiliza el cuerpo humano para obtener lo que necesita sin importar el costo de la vida y la integridad física.

  Visita guiada con la curadora

  La curadora Sofía Dourron (el sábado 13 de septiembre a las 17 brindará una visita guiada por la muestra en PROA) sostiene que la artista está “pensando y mostrando aspectos de la historia que normalmente no están dentro de los discursos hegemónicos respecto a la historia que está escribiendo en Estados Unidos”. “Lo hace de manera tal que los materiales y las técnicas que ella elige usar van siempre de la mano de lo que ella está tratando de trabajar en esas obras”, apunta.

  El segundo proyecto de tamaño monumental es el que realizó en 2019 para la sala de turbinas de la Tate Modern de Londres, un espacio emblemático para acoger proyectos de gran envergadura. Walker partió de uno de los monumentos más importantes de la capital inglesa, el Victoria Memorial, el homenaje a la reina Victoria ubicado a metros del Palacio de Buckingham. Fue la primera vez que llevó sus esculturas monumentales fuera de Estados Unidos y con la que exploró las historias interrelacionadas de Europa, África y América.

  
  Kara Walker. Resurrection Story With Patrons, 2017. Foto: gentileza Fundación Proa

  En la cima de la versión de Walker una Venus arquea su espalda mientras desde su garganta emerge un chorro de agua, al igual que de sus pechos. Las figuras humanas que decoran su fuente están demacradas y abandonadas; otras aparentan estar cargadas de avaricia y orgullo, vestidas con trajes náuticos que les quedan mal o con un conjunto caricaturizado de un imaginario "traje nacional" africano.

   

  Llega al punto de incluir su propia versión de, como la llama ella, “la reina Vicky”, una mujer con su pollera levantada en actitud sexual. Para la artista la existencia del imperio británico, el que la reina Victoria terminó de dar forma durante el segundo reinado más largo de la historia del Reino Unido, fue clave para el tráfico de esclavos en Estados Unidos.

  Kara Walker en Fundación PROA (Av. Pedro de Mendoza 1929) de miércoles a domingos de 12 a 19, hasta noviembre 2025.

  
  
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• Título: Agenda Radar
  Autor:
  Fecha: 07/09/2025
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  ARTE

  Kara Walker Por primera vez en la Argentina se presenta una selección de obras que resumen 25 años de producción de la artista estadounidense, una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo internacional. Reconocida por sus composiciones con siluetas recortadas, Walker ha desarrollado un lenguaje visual único para indagar en las relaciones de poder, articulando narrativas que confrontan la historia oficial de los Estados Unidos y la cultura visual contemporánea.

  De miércoles a domingo de 12 a 19, en Fundación Proa, Pedro de Mendoza 1929. Entrada: $6000.

  
  
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• Título: Contramonumentos e historias de vida en La Boca, para repensar el pasado y el presente
  Autor: Celina Chatruc
  Fecha: 05/09/2025
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  LA NACION>Cultura
  “Contramonumentos” e historias de vida en La Boca, para repensar el pasado y el presente
  
  Las muestras que presentan por primera vez en la región a Kara Walker y el Premio Pictet de fotografía coinciden en mostrar en Fundación Proa “los extremos de la experiencia humana”
  • 5 de septiembre de 2025
  • 14:25
  • 5 minutos de lectura
  
  
  LA NACION
  Celina Chatruc
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  Las siluetas de Kara Walker sorprenden en Fundación Proa. Soledad Aznarez

  En 2019, Kara Walker recibió una invitación muy esperada para cualquier artista contemporáneo: fue seleccionada para intervenir la Turbine Hall de la Tate Modern de Londres, un espacio emblemático del museo destinado a encargos únicos de gran escala. Fiel a su estilo, la respuesta de la estadounidense fue provocadora: construyó allí Fuente americana, una instalación de trece metros de alto inspirada en el Victoria Memorial. Presentado en 1911 y terminado en 1924, este monumento fue erigido frente al Palacio de Buckingham para conmemorar a la reina Victoria, figura asociada al apogeo del Imperio Británico y a su política de colonización global. El “contramonumento” inaugurado casi un siglo después cuestionaba las narrativas de poder, y ponía foco en los orígenes de la diáspora africana.

  En el corazón de uno de los museos más importantes de Gran Bretaña, Walker reemplazó por ejemplo a la diosa alada Victoria por una “Venus negra”, rodeada por tiburones que acechaban desde el agua y personajes que incluían a un capitán inspirado en Toussaint L’Ouverture, líder de la revolución haitiana. En su versión destinada a repensar la historia, la soberana –rebautizada como “Reina Vicky”- ya no aparece sentada en su trono sino en la parte posterior de la fuente, en el segundo nivel. Ubicada junto a una personificación de la Melancolía, se ríe a carcajadas.

  
  En Proa se exhibe la maqueta de la fuente presentada en la Tate. Soledad Aznarez

  Los bocetos y la maqueta de esa obra se exhibirán desde mañana a las 17 en Fundación Proa, junto a otras realizadas durante un cuarto de siglo, en su primera muestra en Sudamérica. También se presentará por primera vez en América Latina la exposición Human, décima edición del prestigioso Premio Pictet, el principal concurso internacional dedicado a la fotografía contemporánea enfocada en sustentabilidad, que anunció el lanzamiento de una versión sudamericana. Esa última reúne las doce series finalistas que abordaron algunos de los grandes desafíos de la humanidad: la migración, los conflictos bélicos, el trabajo, la memoria y las tensiones entre desarrollo y degradación ambiental.

  
  Una de las series finalistas del Premio Pictet.Soledad Aznarez
  

  “Hay un hilo conductor entre ambas muestras, que es la problemática de la migración, la marginación, con los choques entre diferentes culturas”, explicó Adriana Rosenberg, presidenta de Fundación Proa, que trajo también por primera vez a la Argentina muestras de otros artistas muy relevantes como Marcel Duchamp, Ai Weiwei, Alexander Calder, Louise Bourgeois, Christo y Jeanne-Claude.

  
  La combinación de exposiciones construye según Rosenberg “un relato sobre lo social, lo moral, lo político" Soledad Aznarez

  En este caso, la combinación de exposiciones construye según Rosenberg “un relato sobre lo social, lo moral, lo político. Hay algo muy antropológico en las dos: retratan situaciones concretas, personas reales, escenarios marcados por la fragilidad o la resistencia. Ambas muestras, a su modo, se acercan a los extremos de la experiencia humana: desde el sufrimiento hasta la dignidad, desde la violencia hasta la posibilidad de imaginar otros modos de estar en el mundo”.

  
  Una gigantografía de la obra efímera creada por Walker en 2014.Soledad Aznarez

  Encontrar nuevas formas de visibilizar temas complejos fue justamente lo que impulsó la carrera internacional de Walker en 1994, cuando sorprendió en el Drawing Center de Nueva York con un mural de siluetas de papel que resignificaban una técnica popular del siglo XVIII. Parecidas a las que se exhiben ahora en Proa, de lejos parecen simples e inocentes. Hay que detenerse en los detalles para descubrir situaciones inquietantes.

  
  De lejos, las siluetas de Walker parecen simples e inocentes. Hay que detenerse en los detalles para descubrir situaciones inquietantes.Soledad Aznarez

  Otro hito en su carrera lo marcó dos décadas después, cuando construyó la instalación titulada Una sutileza: o… La maravillosa Sugar Baby. Fue creada dentro de la antigua fábrica Domino Sugar Factory, una planta refinadora de azúcar que estaba en vías de demolición de Brooklyn. La pieza central era una esfinge de más de diez metros recubierta de azúcar blanco, con labios carnosos y pañuelo en la cabeza. Su reproducción en gigantografía ocupa ahora una pared de esta muestra antológica, que incluye además dibujos y videos.

  
  La muestra de Walker incluye también dibujos y videos.Soledad Aznarez

  La monumental obra no solo evocaba las esfinges egipcias, símbolos de poder y eternidad, y a los millones de africanos que fueron forzados a trabajar en plantaciones del Caribe y de América del Norte. Su título aludía también a una escultura de azúcar servida en banquetes aristocráticos de la Europa medieval para exhibir lujo y poder, así como al uso popular del término que designa a mujeres jóvenes mantenidas económicamente por hombres mayores. “Esta referencia introduce la dimensión de sexualización y desigualdad que históricamente ha atravesado los cuerpos femeninos”, apunta el texto de sala, antes de agregar una cita de Walker sobre esta obra: “La razón principal para refinar el azúcar es volverlo blanco –reflexiona-. Incluso la idea de volverse ‘refinado’ parece coincidir con la forma en que Occidente aborda el mundo”.

  
  Otra de las series seleccionadas para el Premio Pictet.Soledad Aznarez
  
  Para agendar:

  Kara Walker y Premio Pictet Human, en Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929) desde mañana a las 17 hasta noviembre. Inauguración con entrada gratis. El resto de los días: $6000 la entrada general; $4000 para estudiantes, docentes y jubilados; menores de 12 años sin cargo.

  
  
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• Título: 7 recomendados de arte y cultura para esta semana
  Autor:
  Fecha: 04/09/2025
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  LA NACION>Cultura
  
  7 recomendados de arte y cultura para esta semana
  
  La agenda del jueves 4 al miércoles 10 de septiembre en Buenos Aires
  • 4 de septiembre de 2025
  • 06:00
  • 3 minutos de lectura
  
  LA NACION
  
  Una visita virtual al Museo del Prado, desde Buenos AiresGentileza Acciona Cultura
   
  • Art Masters. Una exposición de realidad aumentada en el Pabellón Frers de La Rural permitirá desde hoy interactuar con cinco obras maestras del Museo del Prado. De martes a jueves, adultos $30.000; menores de 14 años, $20.000; pack familiar (2 adultos y 2 menores), $75.000; de viernes a domingos y feriados, $40.000, $30.000 y $90.000, respectivamente. Entradas en www.laruralticket.com.ar.
  • Día de la Historieta. En celebración del Día de la Historieta hoy, a las 17.30, tendrá lugar una charla en el marco del cierre de la muestra Gardel dibujado. Historietas e Ilustraciones del Zorzal Criollo, en la Casa del Historiador (Bolívar 466). Con la moderación de Mariano Oropeza y la participación de los dibujantes Sócrates y Sergio Más. Además, el sábado 6 y el domingo 7, de 14 a 21, se realizará el Festival Argentino de Historieta (¡FAH!), en el Centro Cultural Rojas (Av. Corrientes 2038). Con entrada gratuita, participarán 40 sellos de todo el país y habrá charlas, talleres y proyecciones.
  • Inauguraciones. Ayer abrieron en el Palacio Libertad las muestras La piel del color, de Cristian Mac Entyre; Tan lejos, tan cerca, de Susana Barbará y Viviana Berco, y Chupetes enjaulados (Caged Pacifiers), instalación inmersiva de Luli Sulichin. Mañana a las 18 se inaugurará en Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831) Eduardo Mac Entyre y Miguel Ángel Vidal. Arte generativo: el futuro a crear, muestra que reconstruye el contexto artístico y de pensamiento que dio origen al Arte Generativo durante los años 60. El sábado a las 15, el Centro de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella (UTDT) presentará Estructuralia (fósil/corpo), muestra de Sofía Durrieu, en Leandro N. Alem 815. Y a las 17, Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929), otras dos: Kara Walker, la primera exposición de la artista estadounidense en Sudamérica, y Human, con fotografías de los doce finalistas del prestigioso Premio Pictet. También el sábado, a las 18, abre Picnic. Animate a morder el arte, con obras de Andrea Guedella, Caro Malbran, Toto Montivero, Luc Mogni y Racha Studio, en Cohen (Sebastián El Cano 406, Bajo San Isidro).
  • Documental en el Malba. Los sábados de septiembre a las 18 continúa presentándose en Cine Malba Yo y la que fui, el documental de Constanza Niscovolos sobre Adriana Lestido, quien estará presente el 13, 20 y 27 para conversar con el público tras la función.
  • Encuentro en La Boca. El sábado a las 16, Gian Paolo Minelli y Cintia Mezza conversarán sobre los archivos fotográficos en el marco de la muestra Archivo 1995, con retratos de artistas visuales. Entrada: $5000 con inscripción previa.
  • Jornadas. A medio siglo de la muerte de Hannah Arendt, el Goethe-Institut y la Cátedra libre Walter Benjamin - DAAD organizan las Jornadas Hannah Arendt Buenos Aires. Del exilio a la posverdad, desde hoy hasta el domingo, en el Cultural San Martín (Sarmiento y Paraná). Entrada libre. Programación completa en este enlace.
  • Día del Lunfardo. Este viernes se celebra el Día del Lunfardo y, a modo de festejo, la Academia Porteña del Lunfardo organiza el Lunfardazo el sábado 6 a partir de las 15.30 en Estados Unidos 1379. A las 15.45, Ema Cibotti brindará las palabras de apertura y luego habrá una serie de mesas y paneles temáticas. A las 18.30, será el cierre musical con el Díúo Placenti.
  
  
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• Título: Agenda Septiembre
  Autor:
  Fecha: 03/09/2025
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  🌹 #AGENDA | Septiembre, ¡qué lindo sos! Una selección de planes - fresca, creativa y contundente - para arrancar bien arriba el mes con la energía más linda del año. | Por @belurtraverso
  
  🧑🏼‍🍳🍕 Miércoles 3:
  - @mengano.ba cocina en @orno.pizzeria.cantina en la fecha 1 de “Fuera de Serie”
  
  🎧🇪🇸 Jueves 4:
  - Hay “Audiófilo” en @artlabpro: una escucha envolvente del disco “Circles” de Mac Miller
  - Se baila flamenco y se escucha a @angelatorres en @xpaquitobarx con @muy.rico.todo
  
  🌙🌟 Viernes 5:
  - Se arma mesa compartida con banquete y vino en @muy.nuestra
  - Una nueva asamblea hedonista con banquete y gran lineup en @bonaireba @casafuturo_ba
  
  💃🏼 💐 Sábado 6:
  - Pop up vintage directo desde Italia con @bougiewoogie____ en @h0lalula
  - Feria @migramigra de arte impreso en dos días completos
  - Inauguran dos nuevas exposiciones de arte contemporáneo y de fotografía en @fundacion_proa
  - Vuelve @algo_____random con instalaciones artísticas, música y @_guchito
  - Hay @polenta.polenta y hay baile toda la noche en @ccomplejoartmedia
  
  🙆🏽‍♀️🍝 Domingo 7:
  - @michdibastiano reservó un bus turístico entero para día de recorrido, museo y vinito con @mevoyalclub
  - Brunch con quesos de @elabascaybrandsen y vermut de @alfonsina.vermut en @coracafe.ba
  - Domingo de pastas (siempre es buen plan) en @cortomaltescafe con @abuelogrunon______
  
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• Título: KARA WALKER EN PROA
  Autor:
  Fecha: 03/09/2025
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  KARA WALKER EN PROA
  
  
  Del 6 de septiembre al 30 de noviembre.
  FUNDACIÓN PROA 

  Por primera vez en Argentina y en Sudamérica, Fundación Proa presenta una exposición dedicada a la artista estadounidense Kara Walker (Stockton, California, 1969), una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo internacional. Reconocida por sus composiciones con siluetas recortadas y su singular capacidad para articular narrativas que confrontan la historia y la cultura visual, Walker ha construido un lenguaje inconfundible que combina belleza, ironía y crudeza conceptual. La muestra, que podrá visitarse entre septiembre y noviembre de 2025, reúne una selección de obras realizadas entre 1994 y 2021, ofreciendo un recorrido por más de veinticinco años de producción. Desde sus grandes murales en papel —que resignifican una técnica popular del siglo XVIII— hasta esculturas en bronce, dibujos, grabados, textos y videoanimaciones, el proyecto conforma un panorama exhaustivo de su vasta trayectoria. Formada en el Atlanta College of Art y en la Rhode Island School of Design, Walker alcanzó notoriedad a mediados de los años noventa cuando comenzó a trabajar piezas murales mediante la técnica del recorte en papel, creando escenas tan inquietantes como perturbadoras que dicen todo sin mostrar nada. En Fundación Proa, el público podrá aproximarse a estas emblemáticas instalaciones y también a un conjunto de piezas realizadas en otros soportes mediante los que la artista explora la materialidad, el montaje y la escala para interrogar los mecanismos simbólicos que sostienen las estructuras sociales del presente.

  El dibujo ocupa un lugar central en esta muestra antológica. La artista ha desarrollado una extensa obra sobre papel que incluye grafito, acuarela, collage y tinta, con referencias abiertas a la ilustración popular, la caricatura decimonónica, los cuentos infantiles y la obra de Goya y Daumier. A esto se suman videoanimaciones como 8 Possible Beginnings (2005) y Prince McVeigh and the Turner Blasphemies (2021), en las el que traslada su imaginario al cine de animación mediante técnicas como el stop motion y teatro de sombras, enfatizando así su investigación crítica del lenguaje y la memoria. Con el apoyo del Walker Art Center y la Galería Sikkema Malloy Jenkins, la muestra se desarrolla en tres salas, trazando un panorama completo de los momentos más significativos en la producción de esta artista cuya mirada cautiva y desafía al espectador. En la primera sala se presentan dibujos y un video muy tempranos. En la segunda proponemos un diálogo entre la obra mural de siluetas recortadas enfrentadas a una serie de grabados que, juntos, organizan un relato cinematográfico; mientras en la última sala se concentra la problemática de los Monumentos mediante documentación de las obras a gran escala en las que Walker recrea, contrapone y propone a los nuevos héroes de la historia.

   

  Del 6 de septiembre al 30 de noviembre. Puede visitarse de miércoles a domingos de 12 a 19.

  Entrada general, 6.000 pesos: estudiantes, docentes y jubilados, 4,000; menores de 12 años sin cargo y miércoles entrada gratis.

  Fundación Proa (Pedro de Mendoza 1929).

  
  
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