Es uno de los artistas argentinos seleccionados por la curadora Victoria Noorthoorn para la Bienal de Lyon (Francia, 2011). Es, también, uno de los artistas argentinos cada vez más resonantes. Con la instalación “Sin causa aparente”, para la muestra Aire de Lyon Bianchi decidió oscurecer parte del primer piso de la sede de Proa y disponer de un espacio neurálgico. Allí, su obra redistribuye el tránsito y pone en escena una singular escena.

En convivencia con la lana diseminada por Cildo Meireles para su “bruja”, la obra de Bianchi instala para el visitante una poética por lo menos incómoda, que en este diálogo con PROA TV, el artista no duda en definir como de orden, sobre todo, físico.

Sábado 19 de mayo, 18 hs.

Informes y reservas: auditorio@proa.org / 4104-1001

Dijo la prensa:
- “Sebald busca en su libro abarcar el Universo, mientras que Gee busca abarcar esa imagen del Universo con su película, y lo que en definitiva logran ambos, cada uno a su modo, es reproducir la infinita melancolía del hombre ante lo inabarcable”. Ariel Magnus. Página 12 / Radar. 15.04.12
- “Una de las visitas más interesantes del Bafici”. Alejandro Lingenti. La Nación. 21.04.12
- “Gee asimila la extraordinaria respiración del autor alemán para traducirla en una cartografía literaria”. Diego Erlan. Clarín / Revista Ñ
- “Se encadenan las voces de quienes conocieron al escritor muerto en un accidente en 2001, las fotografías sobre Sebald parecen cobrar vida y la textura en blanco y negro granulado, paradójicamente, recuerda a uno de los pocos videos de Joy Division”. Federico Lisica. Página 12. 21.04.12
- “Uno de los trabajos literarios y biográficos más interesantes que el cine haya mostrado en los últimos tiempos”. Juan Pablo Russo. Escribiendo Cine
- “Leí a Sebald con placer y admiración hace diez años pero Patience demuestra que la cultura se ha vuelto una pasta tan homogénea que es imposible determinar si sus ídolos son sabios o impostores”. Quintín. Perfil / Cultura. 06.05.12

Descargar Press kit (pdf)

Patience (after Sebald) ensaya una mirada única en torno a la novela Los anillos de Saturno (1995) del escritor alemán W.G. Sebald, texto clave de fines del siglo XX y piedra de toque para los debates en torno a la ficción, la no ficción, la autobiografía y la preeminencia de la primera persona.

Caminante por partida doble, Grant Gee inicia en el documental el mismo viaje que lleva al protagonista de la novela hasta el condado de Suffolk, en la costa este de Inglaterra, y al igual que la figura misteriosa de la ficción literaria, Gee descubre y redescubre cada punto de ese trayecto revelador, surcado por la intensidad de encuentros imaginarios con Thomas Browne, Borges, Flaubert y Chautebriand.

Ni adaptación ni respuesta a la obra original, Patience (after Sebald) prolonga la sofisticación formal de Los anillos de Saturno y vuelve a instalar la pregunta sobre cómo, pese a la fuerza específica de los recuerdos, el hombre se mantiene de pie.

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Patience (After Sebald)
Inglaterra, 2011, 82 minutos
Dirección Grant Gee
Fotografía Grant Gee
Edición Jerry Chater, Grant Gee
Producción Gareth Evans, Di Robson, Sarah Caddy
Compañía Productora Artevents

Comentarios Tacita Dean / William Firebrace / Dan Gretton  / Barbara Hui  / Arthur Lubow / Robert Macfarlane  / Christopher MacLehose  / Jeremy Millar / Katie Mitchell  / Rick Moody / Andrew Motion / Chris Petit / Adam Phillips  / Iain Sinclair / Bill Swainson / Lise Patt /  Marina Warner / Christopher Woodward

Sinopsis
Una película-ensayo, rica en textura del paisaje, el arte, la historia, la vida y la pérdida, Patience (after Sebald) ofrece un recorrido único por la obra del escritor internacionalmente aclamado W.G. Sebald (1944 - 2001) a través de un paseo por East Anglia, rastreando su más influyente libro, Los anillos de Saturno.
La más esperada y nueva presentación del ganador del Premio Grierson, Grant Gee, director de Joy Division.
Patience… es la primera película sobre Sebald a nivel internacional a diez años de la prematura muerte del escritor, con la contribución de importantes artistas y cineastas.

Apuntes para un filme. Por Grant Gee
En los diez años transcurridos desde su muerte repentina en un accidente de tránsito (14/12/2001), W.G. Sebald comenzó a ejercer una influencia casi sobrenatural sobre el arte contemporáneo y la escritura. Sebald se ha convertido en uno de los escritores más extraños, en un “autor adjetival” en el menor tiempo posible. Lo “sebaldiano” ha entrado en el lenguaje. Yo quería averiguar por qué pasó esto, y rastrear su influencia a través del espíritu de la época.

Mis anteriores largometrajes -Radiohead’s Meeting People is Easy y Joy Division- y también mi más reciente cortometraje, The Western Lands, examinan figuras icónicas contemporáneas, en un contexto de paisajes que habitan respectivamente, los “no-lugares” de giras internacionales, los restos postindustriales de finales de los 70 en Manchester y los acantilados letales de las Islas de Orkney. Estos artistas no pueden ser entendidos completamente sin una comprensión de los paisajes y los lugares que ocuparon. El diálogo entre su personalidad y el lugar donde se encontraban es central para mis investigaciones artísticas.

En raras ocasiones la idea de lugar adquiere una importancia tan prominente para la cultura y el pensamiento como en este momento. Hay muchas razones para esto, y una no menos importante es el efecto de la globalización, con su difusión de la “igualdad” y la enajenación posterior, y la falta de pertenencia que siente la gente. Como cualquier cosa que se borra, se vuelve importante.

Esta destrucción del lugar es una especie de catástrofe en nuestras vidas imaginativas. No toma la forma explícita de un cambio ambiental o topográfico. Tal vez, lo más pernicioso es el efecto psicológico a largo plazo. El cuerpo de obra de Sebald es profundamente consciente de esto y ofrece el más rico discurso que he podido encontrar acerca de la importancia de atender al lugar y las historias que tiene y que ha producido.

Para honrar la naturaleza asociativa del libro y los temas que discute, el film-ensayo -género empleado con gran éxito por realizadores de la talla de Chris Maker, Harun Farocki, Patrick Keiller y Chris Petit- parece muy útil y productivo para explorar este material.

Es una forma que permite múltiples tonos y texturas, esencial para tratar a Sebald y el tema del lugar. Es también una forma personal, no gobernada por estructuras y patrones preordenados. Estoy extremadamente contento de tener la oportunidad de trabajar con este acercamiento, y espero de alguna manera hacerle justicia, en la película, a la notable obra de este escritor tan importante e influyente.

Sobre el director
Como director, Grant Gee es conocido por sus filmes sobre música y músicos. Ha sido nominado al Grammy en dos ocasiones por Meeting People is Easy (sobre Radiohead) en 2000 y Demon Days (sobre Gorillaz) en 2006. También trabajó como director de fotografía.

Su reciente largometraje Joy Division se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2007 y ganó el premio Sound and Vision por “Mejor Música de Cine 2007” en el CPH:DOX Festival en Copenhague, el Premio del Público a la Mejor Película en el Festival Gdansk de 2008 y el In-Edit de Barcelona, en 2008. También ganó el prestigioso Gierson Award 2008 al Mejor Documental de Cine.

Gee filmó y dirigió cortos como City Symphony, 400 Anarchists y (Mr.) Fred Zentner’s Cinema Bookshop Was Here, exhibidos a nivel internacional por el British Council, Onedotzero y otros encuentros. Su más reciente producción, The Western Lands, narra las aventuras del alpinista y escritor Jim Perrin y su ascenso por “The Old Man of Hoy”, un pináculo de 137 metros de alto localizado cerca de la bahía de Rackwick, en la costa oeste de la isla de Hoy, Escocia. Por este trabajo, Gee ganó el premio al mejor cortometraje en los festivales de Vancouver y Baff.

También filmó, editó y realizó el diseño de animación del aclamado documental Scott Walker: 30 Century Man, dirigido por Stephen Kijak en 2006.

Gee nació en 1964 en Plymouth, Inglaterra. Cursó estudios de Geografía en las Universidades de Oxford y de Illinois. Ha trabajado en cine y video desde 1990. Vive en Brighton, Reino Unido.

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Con el auspicio de Tenaris - Organización Techint

Entre la evocación de un pasado próspero y un presente experimentado con desesperanza, las consecuencias del desarrollo de la civilización occidental son el eje excluyente de obra del artista polaco Robert Kusmirowski.

Figura de especial interés el año pasado en la Bienal de Lyon (Francia), Kusmirowski viajó a Buenos Aires en marzo, invitado por la curadora Victoria Noorthoorn y por Proa, para instalar en la sala 2 de la muestra Aire de Lyon, un site-specific para el que deambuló por la ciudad en busca de material, y para el que visitó también una planta industrial en Campana.

Como resultado de este proceso, la obra E.M.A.S.A. abre, para cerrar, el tomo que la historia del siglo XX le tiene que dedicar, según Kusmirowski, a la electricidad, trampa fatal de la inventiva humana y herramienta que comporta tantas soluciones como riesgos.

En este diálogo con PROA TV, Kusmirowski comenta su obra, reflexiona sobre la ciencia y explica por qué, “la melancolía” que atraviesa su trabajo aporta “energía, no depresión”.

En el marco de la residencia MAYO, el nuevo proyecto de Residencia URRA, el sábado 12 de mayo entre las 13:30 y las 15:30 hs., los artistas Carlos Herrera (Rosario, Argentina) y Jacqueline Lacasa (Montevideo, Uruguay) presentarán sus producciones audiovisuales en el Auditorio de Proa.

En la ocasión, Herrera y Lacasa dialogarán con el público mostrando registros de trabajos realizados durante sus carreras y también del trabajo que vienen desarrollando en el marco de la primera edición de la residencia, que hasta el 20 de mayo se realiza en el Espacio Boca Ratón, en el barrio de La Boca. En este contexto, los artistas investigan y experimentan, en una dinámica de interacción permanente, y  articulando ideas tendientes a proyectar propuestas comunes.

Los talleres de la residencia MAYO buscan ser un espacio creativo, atentos a focalizar la experiencia en la ciudad y el barrio y vincular ese horizonte con las producciones de cada participante.

El proyecto se desenvuelve a lo largo de dos semanas, durante las cuales se programan actividades especiales. Su ubicación en el calendario coincide deliberadamente con la feria de arte contemporáneo arteBA, en pos de generar un ámbito de comunicación continua y variada con el medio local y regional.

Luego de la presentación, entre las 16 y las 17 hs., los interesados podrán visitar los talleres de los artistas en el espacio Boca Ratón, sito en la calle Hernandarias 1320.

A su vez, la residencia organiza, para el cierre, su jornada de Estudio Abierto, el domingo 20 de mayo, de 14 a 18 hs.

Durante el estudio abierto se presentará el catálogo de la segunda edición de la Residencia de Arte en Buenos Aires, URRA.

URRA es un proyecto argentino cuyo objetivo es incentivar la producción artística y generar espacios para la reflexión y el conocimiento del arte contemporáneo.

A través de la interacción y el intercambio de saberes y experiencias entre profesionales de diferentes partes delmundo, URRA propone abrir nuevos espacios de aprendizaje e inspiración.

El primer proyecto realizado por URRA es la Residencia de Arte en Buenos Aires, que desde el 2010 se realiza un mes de cada año; la tercera edición se realizará en noviembre del 2012.

El segundo proyecto es la residencia MAYO.

Más información: www.urraurra.com.ar

Con su “Máquina de reeducación” -la inquietante instalación ubicada en la sala 2 de la exhibición Aire de Lyon- la artista checa Eva Kotátková dispone una situación pedagógica que va de la lectura de textos a la disolución progresiva de esos materiales, utilizando una multiplicidad de recursos.

Un site-specific que retoma una de las discusiones más presentes en la obra de la artista, y para la que buscó fuentes locales, en otra de las producciones especiales para la exhibición curada por Victoria Noorthoorn.

En este diálogo con PROA TV, Kotátková narra su experiencia en la Bienal de Lyon (Francia, 2011) y comenta su trabajo para la muestra de Buenos Aires.

Martes a domingo, de 11 a 19 hs. (cada 90 minutos)

Durante la exhibición Aire de Lyon, el Auditorio proyecta obras en video realizadas por los artistas François Bucher, Aurélien Froment, Christoph Keller, Tracey Rose, Alexander Schellow y Javier Téllez.

Aurélien Froment. La tectonique des plaques, 2011. Cortesía de los artistas, de Motive Gallery, Amsterdam y de Galerie Marcelle Alix, París. Co-producción Musée Departamental d’Art Contemporain de Rochechouart y Bienal de Lyon 2011

Martes y jueves a domingo: Programa 1
Christoph Keller. Retrograd: A reverse chronology of the medical films made at the Berlin hospital Charité (Retrograd: Una cronología invertida de las películas médicas realizadas en el hospital Charité de Berlín), 1999-2000  (32 minutos)
Alexander Schellow. Ohne Titel (Fragment) (Sin título [fragmento]), 2011 (5 minutos)
François Bucher. El hombre que desapareció, 2011 (20 minutos)
Aurélien Froment. La tectonique desplaques (Las placas tectónicas), 2011 (15 minutos)
Javier Téllez. O rinoceronte de Dürer (El rinoceronte de Durero), 2010 (41 minutos)

Miércoles: Programa 2
Tracey Rose. In The Castle Of My Skin (En el castillo de mi piel), 2011 (249 minutos)
Christoph Keller. Retrograd: A reverse chronology of the medical films made at the Berlin hospital Charité (Retrograd: Una cronología invertida de las películas médicas realizadas en el hospital Charité de Berlín), 1999-2000  (32 minutos)
Alexander Schellow. Ohne Titel (Fragment) (Sin título [fragmento]), 2011 (5 minutos)
François Bucher. El hombre que desapareció, 2011 (20 minutos)
Aurélien Froment. La tectonique desplaques (Las placas tectónicas), 2011 (15 minutos)
Javier Téllez. O rinoceronte de Dürer (El rinoceronte de Durero), 2010 (41 minutos)

Christoph Keller. Retrograd: A reverse chronology of the medical films made at the Berlin hospital Charité, 1999-2000. Cortesía del artista y de Esther Schipper Gallery, Berlín

François Bucher. El hombre que desapareció, 2011
Duración: 20min. Video HD, color, sonido. Colección del artista

En 1994 el neurólogo mexicano Jacobo Grinberg-Zylberbaum desaparece sin dejar rastro alguno. Las conjeturas sobre su desaparición tienen un rango inmenso; se especula, por ejemplo, que sus experimentos neurológicos de laboratorio sobre la conciencia habían llegado a inquietar a ciertos grupos poderosos que lo habrían secuestrado o eliminado… se habla del FBI, de la CIA… Algunos afirman que Carlos Castañeda estuvo implicado en dicha desaparición y aluden a motivos oscuros; otros dibujan a un hombre de una conciencia tan evolucionada que hubiera tenido la facultad de desmaterializar su propio cuerpo. Este video de Bucher trabaja en torno a la figura de Grinberg. El video enfoca a Grinberg en su relación con el chamanismo, y ante todo focaliza sobre un punto clave de sus teorías, que, al igual que la cosmología de ciertas culturas arcaicas indígenas, afirman que vivimos en una realidad maleable, donde la imagen está siendo construida constantemente por el observador. + sobre el artista
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Aurélien Froment. La tectonique des plaques (Las placas tectónicas), 2011
Duración: 14min 25seg. Video HD, color, sonido. Con Judith Plas y Laurent Talon. Cortesía de los artistas, de Motive Gallery, Amsterdam y de Galerie Marcelle Alix, París. Co-producción Musée Departamental d’Art Contemporain de Rochechouart y Bienal de Lyon 2011

El film de Aurélien Froment propone una visita a un escenario natural como si se tratase de una gigantesca exposición a cielo abierto. Los límites entre realidad y ficción se desdibujan para discutir acerca de nuestra relación con el arte. Los dos personajes principales atraviesan un campo como si estuvieran recorriendo una exhibición: el universo, de hecho, se ha convertido en su galería. El enfoque ficcional de Froment está puesto en los comportamientos comunes y las reacciones que se producen frente a una obra de arte y un paisaje, en nuestra tendencia a catalogar las cosas que vemos y el tiempo que nos lleva apreciarlas correctamente. + sobre el artista
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Christoph Keller. Retrograd: A reverse chronology of the medical films made at the Berlin hospital Charité (Retrograd: Una cronología invertida de las películas médicas realizadas en el Hospital “Charité” de Berlín), 1999-2000
Duración: 32min. Video DVD. Cortesía del artista y de Esther Schipper Gallery, Berlín

Desde los orígenes del cine y hasta la desaparición de su Instituto de Cine, el Hospital de la Caridad de Berlín produjo alrededor de 1.000 películas educativas, médicas, documentales y de experimentación científica. No existen imágenes cinematográficas del funcionamiento del hospital en sí, sólo fragmentos dispersos en forma de notas, artículos, unas pocas fotos y las películas que sobrevivieron. ¿Cómo contar una historia que no existe, y que aparece sólo intermitentemente entre el contexto de imágenes y los documentos repletos de lagunas? + sobre el artista
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Tracey Rose. In The Castle Of My Skin (En el castillo de mi piel), 2011
Duración: 249min. Video color, sonido. Creación 11ª Bienal de Lyon. Colección de la artista

Como parte de su residencia en la Bienal de Lyon 2011, Tracey Rose creó un elenco de ficción de alrededor de 30 personas. En una especie de reality show, la artista cuestiona que a los individuos se les asignen representaciones culturales estrechas y compartimentadas, según la tipología xenófoba basada en el libro de Franz Fanon, Black Skin, White Masks (Piel negra, máscaras blancas), donde el autor se queda espantado cuando al verlo, un niño francés le gritó a su madre: “¡Mirá, mamá! ¡Un negro, mirá! ¡Tengo miedo!”. El video In The Castle Of My Skin se exhibe en el Auditorio durante Aire de Lyon. + sobre el artista
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Alexander Schellow. Ohne Titel (fragment) (Sin título [fragmento]), 2011
Duración: 5min 21seg. Video HD, 16:9,blanco y negro, mudo. Producción Films de Force Majeure / Alexander Schellow. Cortesía del artista

Sin título (Fragmento) es un trabajo en curso basado en sucesivas visitas a una mujer de 96 años que vive en una clínica para pacientes con Alzheimer de la ciudad de Berlín. En su estudio, luego de la visita, el artista recrea meticulosamente los sutiles movimientos de su cara, cuadro tras cuadro, revelando en la duración el fuerte vínculo que une al artista y la paciente. + sobre el artista
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Javier Téllez. O Rinoceronte de Dürer (El rinoceronte de Durero), 2010
Duración: 41min. Película digital transferida a video HD, color, sonido estéreo. Obra concebida para la Fundación Calouste Gulbenkian - CAM (Centre de Arte Moderna), Lisboa, 2010. Cortesía del artista y de la Galería Peter Kilchmann, Zurich

El rinoceronte de Durero fue rodada enteramente en el panóptico del Hospital Miguel Bombarda de Lisboa, y realizado en colaboración con los pacientes psiquiátricos externos de la clínica, quienes integran el elenco de la película.
Construido en 1896 en el terreno del mayor hospital psiquiátrico de Lisboa, el panóptico fue diseñando como una prisión para los criminales inimputables, siguiendo los planos originales de Jeremy Bentham.
 La narración fragmentaria de El rinoceronte de Durero fue escrita por los pacientes en una serie de talleres de escritura que se realizaron antes del rodaje de la película, en los que los pacientes se imaginaban a sí mismos como habitantes de ese ex asilo mental y actuaban escenas de ficción en el interior de la celda que se les asignaba. Esta reconstrucción de la vida cotidiana en una institución psiquiátrica se completa con una voz en off que cita textos como la carta de presentación del panóptico redactada por Jeremy Bentham, el mito de la cueva de Platón, y el cuento corto de Franz Kafka, La madriguera. + sobre el artista

Aire de Lyon cuenta con el auspicio de Ternium Siderar - Organización Techint

Funciones:
- Abril: Viernes 20 y sábado 21, 18 hs. Con la presencia del director
Sábado 28, 18 hs.
- Mayo: Sábados 5, 12 y 19, 18 hs.

Informes y reservas: auditorio@proa.org / 4104-1001

Prensa:
Descargar Press kit (pdf)

Dijo la prensa:
Las lunas de Albion. Por Ariel Magnus. Página 12 / Radar. 15.04.12

En 2012, Proa vuelve a ser sede del BAFICI -el encuentro internacional que año tras año acentúa el prestigio de su programación- y estrena en exclusiva el documental Patience (after Sebald) del realizador británico Grant Gee.

Patience (after Sebald) ensaya una mirada única en torno a la novela Los anillos de Saturno (1995) del escritor alemán W.G. Sebald, texto clave de fines del siglo XX y piedra de toque para los debates en torno a la ficción, la no ficción, la autobiografía y la preeminencia de la primera persona.

Caminante por partida doble, Grant Gee inicia en el documental el mismo viaje que lleva al protagonista de la novela hasta el condado de Suffolk, en la costa este de Inglaterra, y al igual que la figura misteriosa de la ficción literaria, Gee descubre y redescubre cada punto de ese trayecto revelador, surcado por la intensidad de encuentros imaginarios con Thomas Browne, Borges, Flaubert y Chautebriand.

Ni adaptación ni respuesta a la obra original, Patience (after Sebald) prolonga la sofisticación formal de Los anillos de Saturno y vuelve a instalar la pregunta sobre cómo, pese a la fuerza específica de los recuerdos, el hombre se mantiene de pie.

Patience (After Sebald)
Inglaterra, 2011, 82 minutos
Dirección Grant Gee
Fotografía Grant Gee
Edición Jerry Chater, Grant Gee
Producción Gareth Evans, Di Robson, Sarah Caddy
Compañía Productora Artevents

Sinopsis
Como ya ocurría con Joy Division, se diría que éste es un documental perfectamente convencional, al menos en su estructura sustentada en una serie de entrevistas. Lo que ocurre es que, de esas entrevistas, Grant Gee por lo general se queda sólo con las voces, relegando los rostros a un discreto segundo plano, a veces, literalmente, a las sombras, a las tinieblas. Sobreviven las voces de los entrevistados (Iain Sinclair, Tacita Dean, entre otros), la música de The Caretaker (el “Winterreise” de Schubert emergiendo desde el olvido) y, por supuesto, los textos de Los anillos de Saturno de W.G. Sebald (leídos por Jonathan Pryce). Porque esta película, más que un documental sobre Sebald, es un recorrido por los paisajes de Suffolk que sirvieron de inspiración al autor alemán para su recorrido por aquella región del este de Inglaterra. Una película paisajística que acaba convirtiéndose en la mejor adaptación literaria posible.
Por Jaime Pena

Apuntes para un filme. Por Grant Gee
En los diez años transcurridos desde su muerte repentina en un accidente de tránsito (14/12/2001), W.G. Sebald comenzó a ejercer una influencia casi sobrenatural sobre el arte contemporáneo y la escritura. Sebald se ha convertido en uno de los escritores más extraños, en un “autor adjetival” en el menor tiempo posible. Lo “sebaldiano” ha entrado en el lenguaje. Yo quería averiguar por qué pasó esto, y rastrear su influencia a través del espíritu de la época.

Mis anteriores largometrajes -Radiohead’s Meeting People is Easy y Joy Division- y también mi más reciente cortometraje, The Western Lands, examinan figuras icónicas contemporáneas, en un contexto de paisajes que habitan respectivamente, los “no-lugares” de giras internacionales, los restos postindustriales de finales de los 70 en Manchester y los acantilados letales de las Islas de Orkney. Estos artistas no pueden ser entendidos completamente sin una comprensión de los paisajes y los lugares que ocuparon. El diálogo entre su personalidad y el lugar donde se encontraban es central para mis investigaciones artísticas.

En raras ocasiones la idea de lugar adquiere una importancia tan prominente para la cultura y el pensamiento como en este momento. Hay muchas razones para esto, y una no menos importante es el efecto de la globalización, con su difusión de la “igualdad” y la enajenación posterior, y la falta de pertenencia que siente la gente. Como cualquier cosa que se borra, se vuelve importante.

Esta destrucción del lugar es una especie de catástrofe en nuestras vidas imaginativas. No toma la forma explícita de un cambio ambiental o topográfico. Tal vez, lo más pernicioso es el efecto psicológico a largo plazo. El cuerpo de obra de Sebald es profundamente consciente de esto y ofrece el más rico discurso que he podido encontrar acerca de la importancia de atender al lugar y las historias que tiene y que ha producido.

Para honrar la naturaleza asociativa del libro y los temas que discute, el film-ensayo -género empleado con gran éxito por realizadores de la talla de Chris Maker, Harun Farocki, Patrick Keiller y Chris Petit- parece muy útil y productivo para explorar este material.

Es una forma que permite múltiples tonos y texturas, esencial para tratar a Sebald y el tema del lugar. Es también una forma personal, no gobernada por estructuras y patrones  pre ordenados. Estoy extremadamente contento de tener la oportunidad de trabajar con este acercamiento, y espero de alguna manera hacerle justicia, en la película, a la notable obra de este escritor tan importante e influyente.

Sobre el director
Como director, Grant Gee es conocido por sus filmes sobre música y músicos. Ha sido nominado al Grammy en dos ocasiones por Meeting People is Easy (sobre Radiohead) en 2000 y Demon Days (sobre Gorillaz) en 2006. También trabajó como director de fotografía.

Su reciente largometraje Joy Division se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2007 y ganó el premio Sound and Vision por “Mejor Música de Cine 2007” en el CPH:DOX Festival en Copenhague, el Premio del Público a la Mejor Película en el Festival Gdansk de 2008 y el In-Edit de Barcelona, en 2008. También ganó el prestigioso Gierson Award 2008 al Mejor Documental de Cine.

Gee filmó y dirigió cortos como City Symphony, 400 Anarchists y (Mr.) Fred Zentner’s Cinema Bookshop Was Here, exhibidos a nivel internacional por el British Council, Onedotzero y otros encuentros. Su más reciente producción, The Western Lands, narra las aventuras del alpinista y escritor Jim Perrin y su ascenso por “The Old Man of Hoy”, un pináculo de 137 metros de alto localizado cerca de la bahía de Rackwick, en la costa oeste de la isla de Hoy, Escocia. Por este trabajo, Gee ganó el premio al mejor cortometraje en los festivales de Vancouver y Baff.

También filmó, editó y realizó el diseño de animación del aclamado documental Scott Walker: 30 Century Man, dirigido por Stephen Kijak en 2006.

Gee nació en 1964 en Plymouth, Inglaterra. Cursó estudios de Geografía en las Universidades de Oxford y de Illinois. Ha trabajado en cine y video desde 1990. Vive en Brighton, Reino Unido.

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Con el auspicio de Tenaris - Organización Techint

Con el payaso inmóvil, tan inquietante como nómade, que aparece emplazado en diferentes sectores de la exhibición Aire de Lyon, la artista brasilera Laura Lima actualiza una de sus principales líneas de trabajo: la imagen de la figura humana.

En este diálogo con PROA TV durante su visita a Buenos Aires, Lima comenta los trabajos que presentó el año pasado en la Bienal francesa, arriesga sentidos de la pieza que presenta en Proa y revisa su idea de la representación y la performance.

En la segunda parte de la conversación que Cildo Meireles mantuvo con PROA TV durante su visita a Buenos Aires para la apertura de la muestra Aire de Lyon, curada por Victoria Noorthoorn, el artista analiza el crecimiento del arte brasilero y el rol del artista en un campo cultural profesionalizado. Además, cita a Borges y revela su admiración por Adolfo Bioy Casares.

Domingo 15 de abril
15.45 hs. Il sorriso del capo (2011, 74 minutos)
17 hs. Mesa redonda: El cine político. Con Marco Bechis, Fernand Melgar y Eduardo Russo

Cupo limitado. Entradas en BAFICI
Informes: auditorio@proa.org / 4104-1000

Después del estreno en el BAFICI de Il sorriso del capo, su última producción, el realizador Marco Bechis -responsable del exitoso filme Garage Olimpo- dialogará con el público en un intenso debate sobre cine político y documental, este domingo 15 de abril en Fundación Proa.

Il sorriso del capo despliega un impactante montaje de imágenes de propaganda del régimen fascista de Benito Mussolini en Italia, muchas de ellas inéditas, registradas por la histórica Agencia Luce y reunidas por primera vez en un filme: material de promoción, discursos del “Duce”, avisos para cine e imágenes de guerra estructuradas por una voz en off.

Un ejercicio de mirada hacia el pasado desde la contemporaneidad histórica, en un intento por descubrir las razones del consenso social logrado por el fascismo. Un modo de narrar con voces oficiales una versión “extraoficial” de un capítulo decisivo del siglo XX.

El vínculo entre cine y política atraviesa toda la filmografía de Bechis. Tras el enorme suceso internacional alcanzado por su revisión de la última dictadura militar argentina en Garage Olimpo (1999), el realizador elige una estrategia narrativa que está en consonancia con otros notables proyectos documentales del mundo: dar cuenta de un momento político utilizando exclusivamente archivos fílmicos estatales.

Después de la proyección del documental, el director compartirá una mesa redonda con el realizador suizo Fernand Melgar -fundador del mítico movimiento audiovisual Le Cabaret Orwell e integrante del destacado colectivo de productores audiovisuales Climage- y moderada por el especialista Eduardo Russo -crítico, docente e investigador de cine y artes audiovisuales, director del Doctorado en Artes de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata y autor de numerosas publicaciones especiales-.

Marco Bechis nació en Santiago de Chile en 1955 y vivió su infancia y juventud entre São Paulo (Brasil) y Buenos Aires. Exiliado de Argentina por razones políticas, se radicó en Milán y vivió en Londres, Nueva York y París. Su opera prima, Alambrado (1991), fue proyectada en los Festivales de Locarno, Madrid y Bruselas. Garage Olimpo (1999) es uno de sus más notables filmes, exhibido en el Festival de Cannes y premiado con numerosos galardones internacionales.

Il sorriso del capo
Argentina/Italia, 2011, 74 minutos
Dirección Marco Bechis
Guión Marco Bechis, Gigi Riva
Fotografía Alvise Tedesco
Edición Iacopo Patierno, Marco Bechis
Producción Marco Bechis
Compañía Productora Cinecittà Luce, Karta Films
Ver trailer

Mesa redonda: El cine político

- Marco Bechis nació en Santiago de Chile en 1955, y vivió en Argentina, Brasil, Estados Unidos y Europa. Estudió cine en Milán, Italia. Dirigió el mediometraje Luca’s Film (1997) y los largos Alambrado (1991), Garage Olimpo (1999; Cóndor de Plata al mejor director), Figli/Hijos (2001) y BirdWatchers (La terra degli uomini rossi) (2008).

- Fernand Melgar nació en una familia de sindicalistas españoles exiliados en Tánger, Marruecos. Sus padres lo llevaron escondido con ellos cuando emigraron a Suiza en 1963. A comienzos de los años ochenta, abandonó sus estudios en administración de empresas para fundar con varios amigos Le Cabaret Orwell en Lausana, el cual muy pronto se volvió una meca para la cultura subterránea francófona en Suiza. Luego creó La Dolce Vita, un club de rock de reputación internacional, también en Lausana, que ofrecía un programa de proyecciones de video-arte. Autodidacta, no tardó en dedicarse a dirigir y producir películas y, a partir de 1983, empezó a reunir varios films experimentales y reportajes iconoclastas para la televisión. En 1985 entró al colectivo Climage, una asociación de cineastas comprometidos e independientes y una de las productoras documentales suizas más prolíficas de la actualidad. Un tema atraviesa todas las películas documentales de Melgar: la injusticia. Este hilo conductor nace de su experiencia como inmigrante, filtrada por una sensibilidad anarco-sindicalista dedicada a la defensa de los valores sociales. Con una intensidad emocional, nunca lacrimosa, que sirve de respaldo a la ética que alimenta su punto de vista, el cine de Fernand Melgar hace honor, en definitiva, a eso que llamamos cine de lo real.

- Eduardo Russo es crítico, docente e investigador de cine y artes audiovisuales. Doctor en Psicología Social. Dirige el Doctorado en Artes de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Profesor de Teoría, Análisis y Crítica de Artes Audiovisuales y nuevos medios en carreras de grado y posgrado de Argentina y diversos países latinoamericanos. Autor de Diccionario de Cine (Paidós, 1998) y El cine clásico: itinerario, variaciones y replanteos de una idea (Manantial, 2008). Compilador de Interrogaciones sobre Hitchcock (Simurg, 2001), Cine Ojo: un punto de vista en el territorio de lo real (2007), Hacer Cine: Producción Audiovisual en América Latina (Paidós, 2008) y The Film Edge: Contemporary Filmmaking in Latin America (2010).

Con el auspicio de Tenaris - Organización Techint