Gabriel Acevedo Velarde
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Nació en 1976 en Lima, Perú. Vive y trabaja en Berlín.
Gabriel Acevedo Velarde estudió arte en la Universidad de las América, Puebla, México, y fotografía en el Instituto Gaudí de Lima.
Su obra es difícil de sintetizar: en un comienzo, realizó dibujos y animaciones, pero actualmente se concentra en la investigación de ficciones sociales a través del video. El impacto que tuvieron las primeras animaciones de Acevedo Velarde se debió al tipo de virtuosismo social que transmitían, documentando la vida de los personajes mediante escenas de un humor aterrador.
La animación que se exhibe en Proa, Escenario (2004), presenta una parábola sobre las dinámicas sociales: las figuras se presentan en el escenario una después de la otra, las recibe un reflector, caen al suelo y finalmente desaparecen en una masa humana oscura. Esta discusión sobre la condición humana es el tema que une las distintas obras de Acevedo Velarde y lo convierten –según su propia opinión– en un artista político.
Exhibiciones recientes:
- Arte al paso – Colección Contemporánea del Museo de Arte de Lima, Estação Pinacoteca, San Pablo (2011)
- Cone Flow, Modern Art Museum of Forth Worth (2010)
- Runway Dance, Maribel López Gallery, Berlín (2009)
- Quorum Power, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2009).

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Zbynek Baladrán
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Nació en 1973 en Praga, República Checa, donde vive y trabaja.
Zbynek Baladrán estudió historia del arte en la Facultad de Filosofía de la Universidad Carolina de Praga, y comunicación visual en la Academia de Bellas Artes de Praga. Realizó diversas exhibiciones individuales y colectivas en toda Europa.
Además de artista, escritor y curador, Baladrán es un arqueólogo del conocimiento. En sus videos, utiliza imágenes de archivo, fragmentos narrativos y animaciones, todos ellos interrelacionados por un sistema de mapas o diagramas que le permite repetir conceptos, ideas y relaciones de una manera más personal y estructurada.
Exhibiciones recientes:
- Bienal de Sharjah (2011)
- Gallery by Night, Studio Gallery, Budapest (2011)
- Mutující medium, Rudolfinum, Praga (2011)
- No ifs, no buts, Depo, Estambul (2010)
- Cognitive maps, Hunt Kastner Artworks, Praga (2009)
http://www.zbynekbaladran.com

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Ernesto Ballesteros
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Nació en 1963 en Buenos Aires, Argentina, donde vive y trabaja.
Ernesto Ballesteros estudió en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en la Escuela Superior de Publicidad en Buenos Aires. Participó de exhibiciones en Latinoamérica y Europa.
La obra de Ernesto Ballesteros excede la esfera del arte e integra nociones de astronomía, de matemática, de ingeniería y otras ciencias. Ballesteros busca hacer visible lo invisible: el movimiento, el tiempo, la fragilidad del instante presente.
Exhibiciones recientes:
- Instalación fotográfica, Mundo Dios, Mar del Plata (2010)
- Extracto. Dibujos contemporáneos de artistas sudamericanos, Galerie Catherine Putman, París (2010)
- Astronomía Interior, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2009)
- Fantasmas, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires (2008)
http://www.ernestoballesteros.com/

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Eduardo Basualdo
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Nació en 1977 en Buenos Aires, Argentina, donde vive y trabaja.
Eduardo Basualdo crea instalaciones y esculturas que combinan naturaleza y técnica. En casi todas sus obras, su materia prima y tema, simultáneamente, son los elementos naturales como el agua, el viento, el fuego o la luz. Para él, estas fuerzas de la naturaleza representan el aspecto físico de los hombres, mientras que la electricidad representa la racionalidad. En base a estos elementos, las instalaciones y objetos tridimensionales desarrollan una estética poética única.
El uso de los materiales hace que su obra se asocie con el arte povera, mientras que sus técnicas se asemejan a las de las máquinas lúdicas del artista suizo Jean Tinguely. Las instalaciones de Basualdo pueden considerarse como narrativas acerca de la naturaleza y sobre su conexión con la humanidad

Exhibiciones recientes:
- The Travelling Show, Colección Jumex, Ciudad de México (2010)
- Todo lo contrario, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (2009)
- Southern Exposure, Dumbo Art Center, Nueva York (2008)
- Azotado por el viento, Galería Isidro Miranda, Buenos Aires (2007)

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Erick Beltrán.
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Nació en 1974 en Ciudad de México, donde vive y trabaja.
Erick Beltrán realizó exhibiciones individuales en importantes museos de todo el mundo y participó en numerosas bienales de arte.
Su obra analiza y reflexiona sobre los conceptos de edición y sobre las construcciones discursivas. Beltrán se interesa en explorar cómo algunos conceptos, como el de orden, o ciertas categorías de importancia, organizan las sociedades modernas. Así, se autodefine más como investigador que como creador.
Sus investigaciones pueden dar lugar a dibujos, esculturas, libros o mapas. Un proceso en el que el concepto de edición es el centro de todo su trabajo, entendiéndolo como el mecanismo mediante el cual se define, evalúa, clasifica y reproduce la comunicación a través de imágenes que crean discursos políticos, económicos y culturales en las sociedades contemporáneas. Para Beltrán es importante que este proceso de comunicación representado y generado por sus obras sea abierto y demandante: quiere desafiar e invitar al espectador a reflexionar sobre los mecanismos de poder de la sociedad.
Exhibiciones recientes:
- Bienal de São Paulo (2008)
- Malmö Konsthall, Suecia (2008)
- Biennale de Lyon (2007)
- Stedelijk Museum Bureau, Ámsterdam (2005)

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Diego Bianchi
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Nació en 1969 en Buenos Aires, Argentina, donde vive y trabaja.
Diego Bianchi estudió diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires. Participó de exhibiciones en Latinoamérica y Europa.
En contraste con los dibujos y esculturas delicados y conceptuales de varios de los artistas de Aire de Lyon, la obra de Diego Bianchi es cruda, fuerte y directa. El artista junta materiales como cajas, bolsas, plásticos, papeles y muebles que encuentra en la calle, y reutiliza estos objetos para sus esculturas e instalaciones. Al dejar de lado las formas superficiales de belleza, estética y orden, Bianchi abre una visión oscura sobre el mundo. Sus brutales trabajos no pueden ser ignorados: provocan reacciones directas de los espectadores, creando metáforas sobre la crueldad y la complejidad de la vida, insertas en el mundo artificial de la publicidad y los medios masivos.
Las reflexiones de Bianchi sobre los problemas sociales, así como también su metodología de trabajo, muestran una familiaridad con la obra del artista suizo Thomas Hirschhorn, famoso por sus instalaciones radicales que ponen en discusión cuestiones políticas de un modo directo y agresivo.
Exhibiciones recientes:
- The Ultimate Realities (2011)
- Ejercicios espirituales, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires (2010)
- 10ª Bienal de La Habana, Cuba (2009)
- Las formas que no son, Galería Alberto Sendrós, Buenos Aires (2008)
http://diegobianchi.com.ar/

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Katinka Bock
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Nació en 1976 en Frankfurt, Alemania. Vive y trabaja en París y Berlín.
Katinka Bock estudió en la academia de arte de Berlín-Weissensee y en la École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon. Realizó exhibiciones individuales en museos y galerías de Europa y Estados Unidos.
Las esculturas e instalaciones de Bock describen el espacio al definirlo como parte de una materialidad: sus obras en piedra, arcilla, arena, metal o tela permiten una narración que se origina en el objeto individual y también en la referencia entre la obra y el espacio. Los trabajos de Bock van más allá de un juego formal cuando explora la arquitectura de los espacios expositivos para desarrollar obras site-specific. El objetivo de la artista es abrir los ojos del espectador para que descubra el espacio circundante.
Otro tema importante que desarrolla Bock es la descripción del tiempo: en sus delicadas instalaciones combina piezas de diferentes materiales en un frágil equilibrio que anticipa cambios de estado. Su delicadeza puede tomarse como metáfora del paso del tiempo, entre otras posibles asociaciones.
El interés de Bock por los diferentes medios está impulsado por la historia y las cualidades sensoriales de los materiales. En sus últimas obras, suele utilizar cerámica y muestra una fascinación por este material que es tan neutral a primera vista, al no tener forma cuando comienza el proceso de trabajo. Pero cuando toma contacto con el presente, debe ser moldeado y acondicionado, demostrando que lo neutral, como tal, no existe.
Exhibiciones recientes:
- Köln Skulptur 6, Skulpturenpark Köln, Colonia, Alemania (2011)
- Neuw Alchemie, Landesmuseum, Münster, Alemania (2010)
- Spatial City, Museum of Contemporary Art Detroit (2010)
- Frischzelle_12, Kunstmuseum, Stuttgart, Alemania (2010)
- A sculpture for two different ways of doing two different things, Galerie Jocelyn Wolff, París (2009)
- The Sound of Distance, De Vleeshal, Middelburg, Países Bajos (2009)

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François Bucher
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Nació en 1972 en Cali, Colombia. Vive y trabaja en Berlín.
François Bucher estudió escultura en la Universidad de los Andes, Bogotá y cine en el Art Institute of Chicago. Realizó exhibiciones en toda Europa.
Los trabajos de Bucher utilizan diversas fuentes cinematográficas que celebran el potencial político de lo cotidiano. Sus filmes y videos se basan en acontecimientos históricos y políticos que sucedieron en su país de origen, Colombia, y en el resto del mundo.
Exhibiciones recientes:
- Stills-Scotland Centre for Photography, Edinburgo (2011)
- Rational/Irrational, House of World Cultures, Berlín (2009)
- Politics of Vision, Forde, Génova (2008)
- Documentary Film Festival, Kassel (2008)
- Cinema Paradise Festival, Honolulu (2008)

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Virginia Chihota
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Nació en 1983 en Chitungwiza, Zimbabwe. Vive y trabaja en Libia.
Virginia Chihota participó de exhibiciones en África y Europa. Estudió en Harare, Zimbabwe y en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.
En sus obras en papel, Chihota utiliza una gran variedad de materiales: pintura y dibujo en algunos trabajos; en otros, utiliza materiales no convencionales para realizar collages; y, en ocasiones, incluso pinta sobre bolsas, creando obras únicas gracias a su creatividad y sensibilidad.
Exhibiciones recientes:
- Fruit of the dark womb (2011)
- Facet, Zimbabwe Now, Gallery Delta, Harare, Zimbabwe (2010)
- Another Perspective, Gallery 23, Ámsterdam (2009)
- Greatmore Studios, Ciudad del Cabo, Sudáfrica (2008)

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Lenora de Barros
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Nació en 1953 en San Pablo, Brasil, donde vive y trabaja.
Lenora de Barros realizó numerosas exhibiciones en Brasil y España.
La artista, poeta y performer nació en la década de 1950, una época fundamental para el arte brasileño. Un período en el que surgió la poesía concreta, en el que Oscar Niemeyer comenzó a diseñar sus edificios únicos y cuando se fundó la Bienal de São Paulo. Artistas, diseñadores, poetas y músicos convertían a San Pablo en un centro artístico vibrante.
El padre de la artista, Geraldo de Barros –pionero de la fotografía geométrica y miembro del movimiento neoconcreto–, hizo que Lenora se haya familiarizado tempranamente con las ideas del neoconcretismo, en particular, con la creación de nuevas formas de sintaxis. Posteriormente, aplicó estos conocimientos y sus estudios en lingüística a sus trabajos en el departamento de fotografía de un diario paulista.
Así es como la obra de Lenora de Barros, en términos generales, se sitúa en la línea de la tradición de la poesía concreta brasileña, explorando las relaciones entre texto e imagen, y sonido e imagen, al tiempo que indaga sobre la posición del individuo –en tanto sujeto con voz propia– en el mundo.
Exhibiciones recientes:
- ISSOEOSSODISSO, Projeto Passagem, Oi, Brasil (2010)
- Jogos de Guerra, Memorial da America Latina, San Pablo (2010)
- Sopor-estar, Galeria Millan, San Pablo (2009)
- Heleronimia Brasil, Museo de América, Madrid (2008)

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Augusto de Campos
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Nació en 1931 en San Pablo, Brasil, donde vive y trabaja.
En 1952, Augusto de Campos, su hermano mayor Haroldo de Campos, y Décio Pignatari, fundaron la revista literaria Noigandres, introduciendo en Brasil el movimiento internacional de la poesía concreta. Fueron años dedicados a estudiar obras que habían sido marginadas por la crítica del momento, como Un golpe de dados (Mallarmé), los Cantos (Pound), el Finnegans Wake (Joyce), o la poesía de E. E. Cummings. Invocando a Apollinaire, los poetas jóvenes buscaban una poesía “verbivocovisual”: una fusión radical de las técnicas experimentales más avanzadas para hacer posible una “poesía de la invención”, en la que la sintaxis convencional y la versificación serían abandonadas y se acentuaría la materialidad de la poesía.
Desde la década de 1980, De Campos trabaja como artista visual y utiliza medios electrónicos como videotexto y gráficos por computadora, además de realizar poesía mural.
http://www2.uol.com.br/augustodecampos/home.htm

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Marina De Caro
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Nació en 1961 en Mar del Plata. Vive y trabaja en Buenos Aires.
Marina de Caro estudió historia del arte en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Participó de exhibiciones en Latinoamérica y Europa.
Su obra consiste en dibujos e instalaciones que suelen estar formadas por cuerpos humanos –reales o escultóricos–. Sus dibujos están plagados de formas orgánicas. En todos los casos, sus trabajos evocan diferentes sentimientos. Cuerpos y formas parecen ser crueles y sufrientes, pero al mismo tiempo se combinan con colores brillantes y alegres.
Exhibiciones recientes:
- My Head Wants To Create A World, Galerie Vanessa Quang, París (2011)
- Who are you, Peter?, Espace Louis Vuitton, París (2010)
- Bienal del Mercosur (2009)
- Domus/casa, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires (2009)
http://marina-decaro.blogspot.com/

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Julien Discrit
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Nació en 1978 en Épernay, Francia. Vive y trabaja en París.
Julien Discrit estudió en la École supérieure d'art et design de Reims. Exhibió sus obras en Francia y Latinoamérica.
En sus filmes y esculturas, Discrit crea metáforas que reflejan los problemas cotidianos a una escala filosófica.
Exhibiciones recientes:
- Diagrammes, Galerie Martine Aboucaya, París (2010)
- America Deserta, Parc Saint-Léger, Francia (2010)
- Entre-Temps, OI Futuro, Río de Janeiro (2009)
- Faux-semblants, CAB, Grenoble, Francia (2009)
http://www.juliendiscrit.org/

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Marlene Dumas
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Nació en 1953 en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Vive y trabaja en Ámsterdam.
Marlene Dumas estudió pintura en la Michaelis School of Fine Arts de la Universidad de Ciudad del Cabo. Realizó exhibiciones en los museos más destacados de los países occidentales.
La gran sensibilidad gestual de la artista y su conocimiento de las tradiciones occidentales del arte se suman a una gran habilidad para la pintura y el dibujo.
Sus obras combinan temas tradicionales del arte occidental, como la pintura de retratos y desnudos, con comentarios sobre cuestiones modernas como el sexismo o el racismo. Siempre con una idea sobre la oscuridad, la brutalidad, la tristeza. En sus pinturas y dibujos, Dumas recalca tanto la realidad física del cuerpo humano como su valor psicológico, describiéndolo de una manera directa y a veces brutal, ignorando los conceptos convencionales de belleza. Sin embargo, sus obras ganan una belleza única por su concentración en la persona retratada y sus grandes habilidades técnicas.
Exhibiciones recientes:
- Tronies - Marlene Dumas and the Old Masters, Haus der Kunst, Múnich (2011)
- Marlene Dumas, Museu Serralves, Porto (2010)
- Measuring your own grave, The Menil Collection, Houston y MoMA, Nueva York (2009)
- Intimate Relations, Standard Bank Gallery, Johannesburgo (2008)
http://www.marlenedumas.nl/

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Aurélien Froment
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Nació en 1976 en Angers, Francia. Vive y trabaja en Dublín.
Aurélien Froment estudió en la École Régionale des Beaux Arts, Nantes, Francia y en la Manchester Metropolitan University, Reino Unido. Participó de exhibiciones en toda Europa.
Froment forma parte de una nueva generación de artistas cuya obra abarca una gran variedad de métodos, medios y temáticas, donde está presente la cuestión de la realidad versus la ficción y la magia.
En su filme The Plate Tectonics (en exhibición en Proa) los límites entre realidad y ficción se desdibujan para discutir acerca de nuestra relación con el arte. La obra documenta una exposición construida a la misma escala que su ambiente exterior. Los dos personajes principales atraviesan un campo como si estuvieran recorriendo una exhibición: el universo, de hecho, se ha convertido en su galería. El enfoque ficcional de Froment está puesto en los comportamientos comunes y las reacciones que se producen frente a una obra de arte y un paisaje, en nuestra tendencia a catalogar las cosas que vemos y el tiempo que nos lleva apreciarlas correctamente.

Exhibiciones recientes:
- Paysages, marines, scènes de genre, Musée de Rochechouart, Francia (2011)
- Une exposition comme les autres, Crédac, Ivry, Francia (2011)
- Les articles indéfinis, Galerie Marcelle Alix, París (2011)
- Forme della belleza, forme della natura, forme della conoscenza, Centre Culturel Français, Milán (2011)
- Langue étrangère, langue maternelle, seconde langue, Motive Gallery, Ámsterdam (2010)
- 8ª Gwangju Biennial (2010)
- Froebel Suite, Gasworks, Londres (2009)
- Performa 09, Nueva York (2009)

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Michel Huisman
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Nació en 1957 en Heerlen, Holanda, donde vive y trabaja.
Sus obras se exhibieron en toda Europa, aunque pasó prolongados períodos sin presentaciones públicas.
Michel Huisman piensa acerca de cuestiones fundamentales de la humanidad: para él, el mundo actual está demasiado centrado en la racionalidad e ignora las habilidades sensoriales. En sus obras, Huisman pone en discusión estos conflictos y los representa con criaturas que parecen sufrir su existencia en el mundo. Cada trabajo llama la atención del espectador hacia una escena específica y propone una reflexión acerca de sentimientos universales: amor, comprensión, soledad, dolor. Huisman crea objetos peculiares –con frecuencia representando aves u otros animales– que, al mismo tiempo, evocan sentimientos de belleza y miedo.

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Christoph Keller
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Nació en 1967 en Friburgo, Alemania. Vive y trabaja en Berlín.

Christoph Keller estudió matemática, física e hidrología en Friburgo, Berlín y Santiago de Chile, antes de cursar sus estudios en UdK Berlín y la Media-Art Accademy de Colonia. Realizó numerosas exhibiciones individuales en importantes instituciones europeas.
Keller crea filmes que discuten la historia, la ciencia y su conexión con la concepción contemporánea del tiempo.
Exhibiciones recientes:
- Retrograd. A reverse chronology of the medical films made ar the Berlin hospital Charité (1900-1990)
- Æther, Espace 315, Centre Pompidou, París (2011)
- Archivologie, LiveInYourHead, HEAD, Génova (2010)
- Verbal / Nonverbal, Galerie Esther Schipper, Berlín (2010)
- Voyages Extraordinaires, CRAC Alsace, Altkirch, Francia (2010)
- Observatorium, Kunstverein Braunschweig (2008)
http://www.christophkeller.net/

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Irina Kirchuk
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Nació en 1983 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Irina Kirchuk estudió escultura y artes visuales en el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA) en Buenos Aires. Participó de numerosas exhibiciones en Argentina, Latinoamérica y Europa.
Se interesa en las estructuras arquitectónicas que descubre paseando por Buenos Aires y en los objetos de la vida cotidiana. Trabaja con una gran variedad de materiales plásticos que modifican los usos de los objetos, convirtiéndolos en obras de arte. Muchas de sus instalaciones son site-specific: su estructura y sus materiales responden a la arquitectura del espacio expositivo. Por eso, para algunos lugares, trabaja con estructuras arquitectónicas delicadas, mientras que en otros, realiza esculturas firmes y poderosas. Todas las intervenciones y esculturas tienen en común la riqueza de colores que utiliza Kirchuk. Sus intervenciones abren muchas posibilidades para comprender la obra, pero el objetivo principal siempre es el de llevar la atención del espectador hacia las estructuras que la rodean.
Exhibiciones recientes:
- Défense passive, 2011
- Sabotaje, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (2011)
- Petrobras, arteBA, Buenos Aires (2010)
- Troogle, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires (2010)
- Alternos Internos, Centro Cultural Borges, Buenos Aires (2009)
http://irinakirchuk.tumblr.com/

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Eva Kotátková
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Nació en 1982 en Praga, República Checa, donde vive y trabaja.
Eva Kotátková estudió en la Academia de Bellas Artes de Praga y en el San Francisco Art Institute. Participó de exhibiciones en toda Europa.
La artista crea enormes instalaciones combinando dibujos y esculturas que invocan la fuerza del contexto físico y social sobre el cuerpo del ciudadano. Utilizando complejas piezas de equipamientos para encerrar o deformar el cuerpo humano, sus obras generan situaciones en las que sus dispositivos se convierten en máquinas vivientes.
Para comprender el presente, Eva Kotátková construye y revaloriza el pasado desde un acercamiento arqueológico. Este método suele convertirse en una especie de examen de su propio pasado y de su psiquis cuando recolecta materiales como ropa o mochilas escolares de su infancia para utilizarlos en sus instalaciones. Además, suele combinarlos con dibujos de distintos formatos y tipos de papel, donde la artista retrata cuerpos enteros o en partes, caras de niños, animales y ancianos en situaciones surrealistas. Los retratos evocan una atmósfera oscura con personajes torturados.
Sus últimas obras estudian el rol de los individuos en relación con ciertas estructural sociales –con sus costumbres, reglas, rituales y estrategias de comunicación–, llevando sus experiencias personales hacia exploraciones de temáticas más generales.

Exhibiciones recientes:
- The Re-education Machine (2011)
- Duum umeeni, House of Art, Ceske Budejovice, República Checa (2011)
- Educational Model, Kunstvereniging Diepenheim, Países Bajos (2011)
- City of Old, Meyer Riegger, Karlsruhe, Alemania (2010)
- Reading Room, Space for One Work, Moravian Gallery, Brno, República Checa

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Robert Kusmirowski
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Nació en 1973 en Lodz, Polonia. Vive y trabaja en Lublin, Polonia.
Robert Kusmirowski estudió en las universidades de Lublin, Polonia y Rennes, Francia. Sus obras fueron exhibidas en numerosas muestras internacionales como la Bienal de Berlín de 2006 y en destacados museos como Migros Museum en Zúrich y Van Abbe Museum en Eindhoven.
En sus instalaciones, Kusmiroski desarrolla una singular capacidad para elaborar réplicas y generar ilusiones altamente atmosféricas a partir de materiales encontrados. Más allá de su efecto sensorial, las instalaciones traen los recuerdos personales del artista y temas históricos haciéndose eco de mundos que se han perdido.
En 2005 hizo una réplica en tamaño real de su antiguo estudio inspirado en el funcionalismo minimalista de la arquitectura soviética. Para la Bienal de Berlín, Kusmirowski creó una copia de un vagón de tren polaco de los años 20 que, combinado con el espacio expositivo –una ex escuela judía para mujeres–, evoca pensamientos oscuros sobre la historia alemana. En la Barbican's Curve Gallery de Londres, utilizó un búnker de la Segunda Guerra Mundial a escala real para evocar los tiempos de guerra.
Exhibiciones recientes
Cosmorama / P.A.P.O.P., Galleria Civica di Arte Contemporanea, Trento, Italia (2010)
Shelf Life, Haifa Museum of Art, Israel (2010)
Barbican Centre, Londres (2009)
T2 Torino Triennale, Torino (2008)

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Luciana Lamothe
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Nació en 1975 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Luciana Lamothe ha participado de exhibiciones en Latinoamérica y Europa, incluyendo la 6ª Bienal de Berlín (2010). Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Arte Prilidiano Pueyrredón.
Lamothe encuentra inspiración en las calles para sus esculturas e instalaciones. Reúne diversos objetos como latas de basura, puertas de baños públicos, candados de bicicleta y otros materiales. En los últimos años, comenzó a crear esculturas arquitectónicas con materiales de construcción.
En las esculturas de Lamothe, la combinación de estos materiales en bruto con las estructuras frágiles resulta en una estética personal muy particular.
Exhibiciones recientes:
- Plan (2011)
- Sabotaje, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (2011)
- Galería Oscar Cruz, San Pablo (2010)
- Paraconstrucción, Itaú Cultural, Buenos Aires (2010)
- Argentina Hoy, Banco Do Brasil, Río de Janeiro (2009)
http://lucianalamotheesculturas.blogspot.com/

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Guillaume Leblon
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Nació en 1971 en Lille, Francia. Vive y trabaja en París.
Guillaume Leblon realizó numerosas exhibiciones individuales en destacados espacios públicos de exhibición en Europa. Estudió en la École Nationale des Beaux-Arts de Lyon y realizó una residencia en Rijksakademie, Ámsterdam (1999-2000).
La obra de Leblon reconoce constantemente diferentes culturas sin adherir a ninguna tendencia artística en particular. Sin embargo, su modo de proceder y la precisión de sus instalaciones parecen ser compartidos por algunos de sus contemporáneos en Francia. Nacidos entre 1970 y 1975, estos artistas abandonan la preocupación de las generaciones pasadas que buscaban encontrar nuevos modos de producción, cambiar el rumbo del sistema económico o la "efectividad" social; en cambio, toman referencias de la abstracción pictórica, de la escultura estadounidense de la década de 1960, del arte conceptual o del arte procesual. Un enfoque que puede variar en términos formales pero deriva de un concepto común: la obra de arte es una pista, por leve que sea, que abre un espectro de referencias, una construcción, una historia, un mundo entero.
Monumental y discreta a la vez, la obra de Leblon utiliza materiales como escombros o piedra para construir un paisaje frágil. El artista utiliza una y otra vez los mismos objetos y materiales y, a través de esta repetición de elementos, genera una sensación inquietante. Su estética áspera, junto con la cuidadosa ubicación en tiempo y espacio de los objetos, hacen que la obra de Leblon muestre una familiaridad con las formas del arte povera. Después de todo, Leblon crea en sus obras una tensión entre la negación de la claridad y una materialidad muy tangible y directa.
Exhibiciones recientes:
- Strange Form of Life, ProjecteSD, Barcelona (2010)
- Bild für Bild, Film und zeitgenössische Kunst, Museum Ostwall im Dormunder U,  Dortmund, Alemania (2010)
- Sampler #1, Galleria Alessandro de March, Milán (2010)
- The Unknown Group, FRAC - Bourgogne, Dijon, Francia (2010)
- Circuit céramique: la scène française contemporaine, Les Arts Décoratifs, París (2010)
- La Carrillon de Big Ben, Centre d'art contemporain d'Ivry - le Credac, Ivry sur Seine, Francia (2010)
http://guillaumeleblon.com/

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Christian Lhopital
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Nació en 1953 en Lyon, Francia, donde vive y trabaja.
Christian Lhopital participó de numerosas exhibiciones en Francia.
Una especie de caricatura absurda de nuestra sociedad, una crítica aguda de la condición humana disfrazada bajo apariencias falsamente livianas: en los dibujos de Christian Lhopital, esos mundos contradictorios en tensión permanente evocan tanto la inocencia de la in fancia como la perversidad de las pesadillas.
Utiliza antiguas técnicas de dibujo: trabaja con polvo de grafito, un material ligero e impredecible que aplica directamente con sus dedos o con un paño. Como resultado, sus delicadas obras parecen ser románticas y oscuras al mismo tiempo.

Exhibiciones recientes:
- Cosmogonies lunatiques, Galerie Domi Nostrae, Lyon (2011)
- Opening night, Galerie Polaris, París (2010)
- Collection Florence et Daniel Guerlain, Musée des Beaux-arts de Besançon, Francia (2010)
- Le bizarre, l'étrange et l'incongru, Biennale de Sélestat, Francia (2009)
- L'énigme demeure, Musée d'Art Contemporain, Lyon (2008)

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Laura Lima
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Nació en 1971 en Governador Valadares, Brasil. Vive y trabaja en Río de Janeiro.
Laura Lima estudió en la Universidade do Estado de Río de Janeiro. Participó de numerosas exhibiciones en Brasil.
Lima se ocupa principalmente del cuerpo humano, a menudo como parte de un todo mayor, ya sea en conexión o en contradicción con otros objetos. Sus obras son una reflexión sobre la extrañeza, la fantasía y, a veces, la desilusión. Con humor y con una gran riqueza imaginativa, crea contrastes inesperados y metáforas para desencadenar la acción en el espacio expositivo.

Exhibiciones recientes:
- Gala Chicken and Gala Coop (2004-2011)
- Padedéu, Galeria Luisa Strina, San Pablo (2009)
- Paisagem Ready Made, Museu da República, Río de Janeiro (2009)
- Fuga, A Gentil Carioca, Río de Janeiro (2008)

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Jorge Macchi
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Nació en 1963 en Buenos Aires, Argentina, donde vive y trabaja. Nació en 1963 en Buenos Aires, Argentina, donde vive y trabaja.
Jorge Macchi estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Realizó importantes exhibiciones individuales en Europa y Latinoamérica.
Aunque sus instalaciones se basan en objetos cotidianos y de la cultura popular, siempre evita ser ilustrativo o didáctico. Por el contrario, estos objetos están formados por múltiples capas de resonancia y permiten diversas interpretaciones. Su principal herramienta artística es la sensibilidad y la capacidad de descubrir lo extraordinario dentro del lugar común. Ninguna explicación puede agotar las posibilidades contenidas en el objeto, y ningún texto puede sustituir la experiencia que se encuentra en él. Si el término post-conceptualismo existe, aplica perfectamente a la obra de Macchi.
Exhibiciones recientes:
- Marienbad (2011)
- Music stands still, SMAK, Gante, Bélgica (2011)
- All of this and nothing, Hammer Museum, Los Angeles (2011)
- Radical shift, Museum Morsbroich, Leverkusen, Alemania (2011)
- Crónicas Eventuales, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires (2010)
- The end of the world as we know it, Kunsthalle Mulhouse (2010)
- Rendez-vous, Galleria Continua, San Gimignano, Italia (2009)
http://jorgemacchi.com

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Cildo Meireles
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Nació en 1948 en Río de Janeiro, Brasil, donde vive y trabaja.
Cildo Meireles estudió en la Fundação Cultural do Distrito Federal en Brasilia y en la Escola Nacional de Belas Artes en Río de Janeiro. Sus obras se exhibieron en los centros de arte contemporáneo más importantes, incluyendo la Tate Modern de Londres y la Bienal de Venecia. En 2008, ganó el Premio Velázquez de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España.
Actualmente, Cildo Meireles es reconocido mundialmente por sus obras de las últimas cuatro décadas que tienen sus raíces en la confluencia de la política, la filosofía y los símbolos de nuestro tiempo. La figura de Meireles es crucial para comprender la vanguardia artística brasileña de postguerra ya que su obra sirvió como puente entre el neoconcretismo de finales de la década de 1950 y el arte conceptual brasileño de finales de los años 60.
El neoconcretismo –cuyos principales representantes (Hélio Oiticica, Lygia Clark, Lygia Pape) son los referentes constantes en la obra de Meireles– rechaza el racionalismo extremo de la abstracción geométrica con el fin de crear trabajos más sensoriales y participativos que no solo apelan a la mente sino también al cuerpo. El optimismo utópico del movimiento se derrumbó luego del golpe de estado de 1964, que derivó en un régimen militar dictatorial y marcó a una nueva generación de artistas –incluido Meireles– cuya obra tiene un compromiso político mayor, como reflejo del contexto histórico.
La obra de Meireles podría definirse como un acercamiento poético al estudio de la sociedad ya que tiene por objetivo responder a las problemáticas sociales: examina el proceso de comunicación, la figura del espectador, el valor del arte y los legados de la historia. Una de sus obras maestras, Cruzeiro do Sul (1969-70), es un buen ejemplo del método de trabajo de Meireles: un cubo diminuto de madera de roble y pino –dos tipos de madera sagrada para los indígenas tupíes brasileños como fuente de fuego– se exhibió en una gran sala. A primera vista, la obra discute los problemas estéticos de los materiales y las formas, con referencias al arte abstracto occidental. Pero por su tamaño y materiales particulares, el artista plantea cuestiones políticas sobre futuro de los mitos indígenas y la concepción eurocéntrica de la historia del arte. Así, Cruzeiro do Sul combina los enfoques político y sensorial en una misma obra.
Exhibiciones recientes:
- A Bruxa (1979-81)
- Cildo Meireles, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, México (2010)
- 53ª Biennale di Venezia (2009)
- À Contre-Corps, Frac Lorraine, Metz, Francia (2009)
- Cildo Meireles, Tate Modern, Londres (2008)

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Garrett Phelan
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Nació en 1965 en Dublín, Irlanda, donde vive y trabaja.
Participó de exhibiciones en destacadas instituciones artísticas.
La obra de Phelan va de la escultura a la performance, desde la producción por inmersión, la descomposición o el enterramiento, hasta su interés por alterar la transmisión de información y la formación de opinión. Ya sea en la galería, en la radio o en otra ubicación, la preocupación del artista demanda una respuesta personal por parte del espectador en lugar de someterse a la opinión recibida.
Exhibiciones recientes:
- Apertures & Anxieties, RHA, Dublín, Irlanda (2011)
- Kunst Radio, ORF Radio, Austria (2011)
- Context Gallery, Derry, Irlanda del Norte (2010)
- 4th Auckland Triennial, Auckland, Nueva Zelanda (2010)
- SMART, Ámsterdam, Países Bajos (2010)
- Getting Even, Kunstverein, Hannover, Alemania
- The End of the Line: attitudes in Drawing , Fruitmarket Gallery, Edimburgo, Middlesborough Museum of Modern Art, Bluecoat, Liverpool (2009)
- The Last Broadcast Revelations - Mother's Tankstation, Dublín (2009)
http://www.garrettphelan.com/

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José Alejandro Restrepo
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Nació en 1959 en Bogotá, Colombia, donde vive y trabaja.
Estudió arte en la Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, y en la École des beaux arts de París. Ha participado de numerosas exhibiciones como la Bienal de La Habana (1995 y 2000), la 23ª Bienal de São Paulo (1996) y la 52ª Bienal de Venecia (2007).
El campo de trabajo de Restrepo va de la performance y las videoinstalaciones a la investigación y la docencia. Sus filmes muestran un acercamiento científico en la investigación de los sujetos desde un contexto político, histórico o religioso.
Utiliza para sus producciones materiales de archivo y textos literarios, que reordena para abrir nuevas posibilidades de interpretación. Este rechazo a crear nuevas imágenes puede leerse como una declaración en contra de nuestra era mediática: al utilizar material de archivo audiovisual, se niega a ser parte de la sobredosificación actual de imágenes.
Su obra muestra una segunda característica posmoderna: el cuestionamiento a las estructuras narrativas. Una mirada desde múltiples perspectivas y multicultural debería ayudar a que el espectador desarrolle nuevos pensamientos en torno a los problemas de la historia y la sociedad contemporánea.
Exhibiciones recientes:
- El arte de la retórica manual (2010)
- S’envoler les pieds sur terre, Frac Lorraine, Francia (2010)
- Teofanías, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia (2008)
- 52ª Bienal de Venecia (2007)
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami (2007)

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Tracey Rose
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Nació en 1974 en Durban, Sudáfrica. Vive y trabaja en Johannesburgo.
Realizó exhibiciones colectivas e individuales en galerías y museos de todo el mundo, incluyendo la 49ª Bienal de Venecia (2001). Estudió arte en la University of Witwatersrand, Johannesburgo, y en el Goldsmiths College de la University of London.
Tracey Rose pertenece a una generación de artistas que lleva la carga de reinventar el gesto artístico en la Sudáfrica posterior al Apartheid. La artista rechaza la simplificación de la realidad en pos de la claridad y crea personajes complejos que habitan mundos tan interrelacionados como las múltiples facetas de la propia personalidad. Sus referencias al teatro y a la tradición del carnaval ubican su obra en el ámbito de la sátira. Parte del atractivo de Rose es su fluida referencia al arte performático de las décadas de 1960 y 70.
Como protagonista de la mayoría de sus obras, Rose se presenta como agresora y como víctima al mismo tiempo, convirtiendo al espectador en un voyeur. Realiza sus performance como respuesta al discurso oficial fraudulento y opresivo, y plantean cuestiones como la identidad, el género, la sexualidad y las condiciones sociales.

Exhibiciones recientes:
- In The Castle Of My Skin (2011)
- Waiting For God, Johannesburg Art Gallery, Sudáfrica (2011)
- Raison d’être, Doual’art, Douala, Camerún (2009)
- Plantation Lullabies, The Goodman Gallery, Johannesburgo, Sudáfrica (2008)
- The Cockpit, MC Kunst, Los Angeles, Estados Unidos (2008)

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Alexander Schellow
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Nació en 1974 en Hannover, Alemania. Vive y trabaja en Berlín.
Alexander Schellow estudió en la Universität der Künste (UdK) de Berlín y en la Glasgow School of Arts. Realizó numerosas exhibiciones en toda Europa.
Schellow ha realizado numerosas series de dibujos y filmes animados que exploran el poder y el carácter de la memoria. En algunos casos, a partir de los dibujos, crea cortos animados en los que captura ese momento fugaz en el que el presente se convierte en pasado.
Exhibiciones recientes:
- RE:MADE, Rencontres Internationales Paris/Madrid/Berlin, Centre Pompidou, París (2010)
- Een Voorspel, de Appel Artcenter, Amsterdam, Países Bajos (2010)
- T.I.C.A.B. – Tirana International Contemporary Art Biennale, Albania (2009)
- Shadow/Existance, Gallery scheiblermitte, Berlín, Alemania (2009)
http://alexanderschellow.de

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Javier Téllez
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Nació en 1969 en Valencia, Venezuela. Vive y trabaja en Nueva York.
Javier Téllez realizó numerosas exhibiciones individuales y colectivas.
Téllez se interesa especialmente en el diálogo entre las comunidades y las situaciones sociales límite. Su obra cuestiona las instituciones, la discapacidad y la enfermedad mental a los que considera vectores de un comportamiento colectivo o individual.
Trabaja en colaboración con pacientes psiquiátricos institucionalizados, con los que rescribe historias clásicas o inventa nuevos relatos. Exhibiciones recientes:
- Moca, Cleveland, Estados Unidos (2011)
- Yebisu International Festival for Art & Alternative Visions, Tokio, Japón (2011)
- Périfériks, CAN, Neuchâtel, Suiza (2009)
- 4½, Kunstverein Braunschweig, Alemania (2009)

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Erika Verzutti
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Nació en 1971 en San Pablo, Brasil, donde vive y trabaja.
Erika Verzutti estudió en la Universidade Mackenzie de San Pablo y en el Goldsmiths College de Londres. Su obra se exhibió en Brasil, Europa y Estados Unidos.
Los dibujos, collages, pinturas y esculturas de Verzutti yuxtaponen libremente elementos y estilos disímiles. Aunque utiliza materiales clásicos como bronce y arcilla, la artista rompe con las prácticas formales para exponer la estructura de la obra e incorporar accidentes tales como manchas, corridas y rayones.
Las esculturas de Verzutti combinan todo tipo de referencias –naturales, artísticas, históricas– como un medio para asociar la creatividad con los objetos cotidianos. La importancia que le da a la imaginación le permite producir formas extrañas que, paradójicamente, siempre nos parecen familiares y cercanas.

Exhibiciones recientes:
- Missionary, Galeria Fortes Vilaça, San Pablo (2011)
- Law of the Jungle, Lehmann Maupin, Nueva York (2011)
- Bigminis, Museum of contemporary arts of Bourdeaux (2011)
- Bicho de Sete Cabeças, Galeria Fortes Vilaça, San Pablo (2010)
- Chopping Board, Misako & Rosen, Tokio (2010)

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Kemang Wa Lehulere
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Nació en 1984 en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. Vive y trabaja en Johannesburgo.
Sus instalaciones, videos, pinturas y performance se originan en cuestiones familiares que están relacionadas con grandes hechos históricos. Combina textos y objetos en obras que exploran la realidad, utilizando una iconografía personal basada en temas como la memoria y el olvido, la amnesia y la supresión.
Exhibiciones recientes:
- Hang Katswa Madi 2 (Even if I Bleed 2) (2011)
- US – Iziko, South African National Art Gallery, Ciudad del Cabo (2010)
- Ubontsi : Sharp Sharp!, AVA, Ciudad del Cabo (2009)
- Identity : An Imagined State, CCA, Lagos (2009)
- Bring me a leaf of grass from the edge of the image, Atelierfrankfurt, Frankfurt (2009)

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Judi Werthein
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Nació en 1967 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Participó de exhibiciones en importantes museos y galerías de Europa y Estados Unidos.
La obra de Werthein desafía todo encasillamiento: en una gran variedad de medios, cuestiona los conceptos de identidad nacional, justicia económica y derechos humanos. Sus trabajos extienden las fronteras del arte contemporáneo para conseguir la participación por fuera del mundo del arte.  Sus instalaciones, además, ponen en discusión la estética de las salas de exhibición.

Exhibiciones recientes:
- La Tierra de los Libres, Figge von Rosen Galerie, Colonia, Alemania (2011)
- Cosa, Y Gallery, Nueva York (2011)
- CGEM: apuntes sobre la emancipación, MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (2010 )
- Lehmann Maupin Gallery, Nueva York, 2010

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