Texto curatorial
por Marco Scotini
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Sinópsis de las obras
Desobediencia de género
Ecologías radicales
Comunidades insurgentes
Activismo de la diáspora
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THE DISOBEDIENCE ARCHIVE
Entrevista con el curador Marco Scotini en el marco de la Bienal de Estambul
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The Disobedience Archive en la Bienal de Venecia
por Elvira Vannini
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Power and Disobedience
por Mike Watson
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The Disobedience Archive
por Martina Angelotti
Texto curatorial
por Marco Scotini
Disobedience Archive (Archivo de la Desobediencia) es un archivo de video multifase, móvil y evolutivo que se centra en la relación entre las prácticas artísticas y la acción política. Desarrollado por el teórico de arte y curador Marco Scotini en 2005, el proyecto genera un atlas de tácticas contemporáneas de resistencia, desde la acción directa a la contrainformación, desde las prácticas constituyentes a la biorresistencia. También funciona como una «guía del usuario» de la desobediencia social, incluyendo cientos de materiales documentales que abarcan décadas.
Disobedience Archive investiga el activismo artístico surgido tras el fin del modernismo y comprende cientos de obras en video que revelan la naturaleza mediatizada de la historia. Por un lado, pretende mostrar precisamente lo que los medios de comunicación corporativos, como agentes centrales del autoritarismo político, intentan ocultar o quitar de la vista. Por otro, pretende retomar el control de la expropiación violenta de la experiencia y, a su vez, acaba produciendo historia y haciéndola visible. Presentado veinte veces en distintos países, el Archivo de la Desobediencia se transforma cada vez sin asumir nunca una configuración definitiva. Ya sea en forma de parlamento, escuela o jardín comunitario, el proyecto convierte el archivo, típicamente estático y taxonómico, en un dispositivo dinámico y generativo.
Para PROA21, Disobedience Archive encarna el tema de la calle como uno de los espacios simbólicos privilegiados de la subjetividad colectiva y de los nuevos protagonismos sociales. En esta ocasión presenta cuatro secciones que incluyen 36 películas: Activismo en la diáspora aborda los procesos migratorios transnacionales en el contexto del neoliberalismo hegemónico, como una lucha que impulsa nuevas formas de habitar el mundo y cuestiona el sentido mismo de la ciudadanía. Desobediencia de género está, en continuidad con la sección anterior, dedicada a las subjetividades nómadas, concebidas como ruptura del binarismo heterosexual. Esta sección reúne las alianzas entre el activismo que critica el capitalismo y los movimientos LGBTQ+ que han surgido en todo el mundo. Ecologías radicales construye frentes de solidaridad en la lucha contra las agresiones a los mundos humanos y más-que-humanos y proyecta una visión de un futuro más solidario. Por último, Comunidades insurgentes aborda la lucha por la libertad en lugares donde las guerras, la opresión estatal y las secuelas de la colonización limitan el alcance y las posibilidades de la vida humana y de otras formas de vida.
DESOBEDIENCIA DE GÉNERO
Maria Galindo y Mujeres Creando
Revolución puta, 2023
51’40’’
Revolución Puta es a la vez un manifiesto político cinematográfico y una historia visual poética. La película es el resultado de veinte años de lucha “junto a trabajadoras sexuales y diversos grupos por un trabajo sexual autogestionado, sin amos ni proxenetas”. Esta reflexión está atravesada por una mirada social que también impregna la propuesta estética: mujeres pobres hablan desde su conciencia de clase, sin embellecer ni edulcorar la pobreza. El film se convierte así en el espacio de la “palabra en primera persona”, a través de una interpelación directa a las integrantes de las organizaciones OMESPRO La Paz y OMESPRO Santa Cruz (Organización de Mujeres en situación de prostitución), quienes son protagonistas y narradoras de su propia historia.
El lenguaje cinematográfico adoptado por Galindo es heterodoxo, difícil de clasificar e inaceptable para un gusto cinematográfico europeizante y colonizado, gracias también a la actitud anárquica y no conformista que se refleja en su obra. La película se estructura en cuatro cortos temáticos: El saber de la puta, La puta y el trabajo, La puta y el Estado y Testamento. Aunque conforman un largometraje, cada uno mantiene una estructura independiente.
En estos tiempos de mutación, en los que las imágenes habitan espacios lingüísticos múltiples, Revolución Puta no fue concebida para “festivales de cine”, sino para imaginaros sociales. Puede proyectarse en salas, pero también en espacios improvisados, aulas o debates. Tiene la vocación y versatilidad de invadir todo tipo de ámbitos, excepto internet, donde sería censurada de inmediato por una cultura reaccionaria y patriarcal.
Ege Berensel
March of Women (Marcha de Mujeres), 2018
27’
March of Women se centra en la huelga de 1977 del Sümerbank de Bakırköy, llevada adelante por TEKSİF, un sindicato de trabajadoras textiles. El acontecimiento fue filmado y documentado en 16 mm por las propias mujeres.
Marcelo Expósito con Nuria Vila
Tactical Frivolity + Rhythms of Resistance (Frivolidad Táctica + Ritmos de Resistencia), 2007
39’
Realizado en 2007 como una contribución a los movimientos altermundistas, Tactical Frivolity + Rhythms of Resistance forma parte de la serie Tra i sogni: Ensayos sobre la nueva imaginación política, creada por Expósito en los años 2000 para retratar las formas expresivas de los movimientos sociales contra el neoliberalismo.
El video encarna un carácter revolucionario; es desobediente y decidido a cuestionar y desacralizar aquellas formas de protesta históricamente consideradas anarquistas. Con un estilo documental, la obra recoge esas prácticas “frívolas”, esas microacciones de lucha social que infunden temor en quienes detentan el poder.
El trabajo documenta las protestas del colectivo británico Earth First! contra la reunión anual del Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial en Praga, en septiembre del año 2000. Personas vestidas de rosa, con globos y plumas, bailan en las calles, reclamando lugares, espacios e identidades a través de acciones radicales. Se narra la historia de 67.000 personas que, vestidas de rosa y plata, salen a las calles como un movimiento danzante, decidido a hacerse oír y expresar su desobediencia.
Sin embargo, el video revela mucho más: muestra la violencia policial, que responde a la marcha festiva con acciones represivas y punitivas. Las imágenes de la protesta se intercalan con entrevistas breves que dan testimonio de esta violencia. La conjunción de imágenes y sonidos se convierte en una herramienta poderosa, una acción coral anarquista que subraya cómo las manifestaciones callejeras pueden transformarse en manifestaciones del deseo, en momentos de protesta.
Tactical Frivolity + Rhythms of Resistance es un homenaje a las prácticas de la frivolidad social y un tributo a los movimientos antiglobalización, feministas y ecológicos de los años noventa, precursores del actual ecofeminismo y de los movimientos queer contemporáneos.
Carlos Motta
Corpo Fechado – The Devil’s Work (Cuerpo cerrado - La obra del Diablo), 2018
24’33’’
La película revisita la figura del sodomita, cargada de significados morales y legales, como una construcción histórica violenta y una expresión del patriarcado eclesiástico, institucional y colonial.
En 1731, José Francisco Pereira, un esclavizado originario de Judá, Costa da Mina, fue juzgado por la Inquisición de Lisboa por brujería. Pereira confesó que, junto con otro esclavo, José Francisco Pedroso, fabricaba y distribuía bolsas de mandinga—amuletos para proteger a esclavizados de heridas—tanto en Brasil como en Portugal. También confesó haber hecho pactos con demonios masculinos y haber mantenido relaciones sexuales con ellos. Por ello, además de la acusación de brujería, fue condenado por sodomía, sentenciado a remar como esclavo en las galeras y exiliado de Lisboa para siempre.En 1049, el monje italiano San Pedro Damián escribió la Carta 31 al Papa León IX, condenando la sodomía y todos los actos "contra natura" que buscan el placer sexual más allá de la procreación—como la masturbación, el coito intercrural y el anal—como pecados irreparables. El santo suplicaba al Papa erradicar ese pecado extendido dentro del clero con argumentos tanto legales como teológicos, describiendo la condición espiritual del alma sodomita condenada. Esta carta establecería la postura histórica de la Iglesia Católica contra las prácticas sexuales homoeróticas, categorizándolas y situándolas en el fondo del orden moral y legal.
En sus Tesis sobre la filosofía de la historia (1940), Walter Benjamin critica el historicismo y la noción de un pasado como continuidad progresiva. Introduce esta crítica con la metáfora del ángel de la historia: una figura con el rostro vuelto hacia el pasado, arrastrada hacia el futuro por una tormenta, sin poder mirar hacia adelante. Benjamin revela cómo la modernidad ha construido la ilusión del "progreso", en la que sistemas antiguos perduran disfrazados de promesa de futuro.
En Corpo Fechado – The Devil’s Work, estos tres relatos, históricamente distantes, se entrelazan para cuestionar la violencia ejercida por la Iglesia Católica colonial al imponer un modelo teológico único y generar lenguajes y formas de opresión sexual, así como las subjetividades que estas prácticas perpetúan.
Güliz Sağlam 8 Mart 2018 – Istanbul / 8th of March (8 Mart 2018 – Estambúl / 8 de Marzo), 2018
6’
Desde el 20 de marzo de 2021, los movimientos feministas y LGBTQ+ en Turquía han protestado activamente en defensa del Convenio de Estambul, un tratado internacional contra la violencia de género y doméstica aprobado por el Consejo de Europa en 2011 y firmado por 45 países. Algunos de los videos recientes de Güliz Sağlam documentan las manifestaciones realizadas en el barrio de Tünel (Estambul) contra la salida de Turquía del convenio, el 1 de julio de 2021, en rechazo al Estado patriarcal. Cientos de personas marcharon coreando consignas como: “Las mujeres unidas son fuertes” o “¡Acción inmediata contra los feminicidios, ya!”.
El video 8 Mart 2018 – Istanbul / 8th of March 2018, filmado algunos años antes, registra una potente muestra de solidaridad de mujeres y personas de la comunidad LGBTQ+ que ocuparon la avenida Istiklal Caddesi, una de las más concurridas de Estambul, durante el Día Internacional de la Mujer.
La protesta ha sido siempre una de las formas más directas y efectivas de reivindicar luchas y denunciar abusos e injusticias: muchas voces individuales, silenciadas e ignoradas, se transforman en una sola voz colectiva, poderosa. Una marea transfeminista ocupó la calle de punta a punta. El video muestra una pancarta que dice: “Nuestra vida, nuestra revuelta, nuestra lucha: feminismo”, sostenida por las primeras filas de la multitud, aludiendo a la extensión del recorrido.
Esta fue la última vez que se pudo organizar una protesta feminista en Istiklal Caddesi, ya que el gobierno las prohibió en 2019. Sin embargo, se encontraron rápidamente formas alternativas de seguir manifestándose en los alrededores, eludiendo así las restricciones estatales. Sağlam, siguiendo el ejemplo de 8 Mart 2018, continúa produciendo películas inspiradas en las protestas (como 8 Mart 2021 - Istanbul Feminist Gece o 8th of March 2022 – Istanbul), que juntas narran una historia de diferencia, opresión y represión, según las circunstancias locales y globales de los últimos años.
Seba Calfuqueo
Nunca serás un Weye / You Will Never Be a Weye, 2015
4’46’’
Nunca serás un Weye es una videoperformance del artista chilene Seba Calfuqueo, inspirada en la cultura ancestral de los Machi Weye, cuya existencia, a pesar de su rol vital en la espiritualidad mapuche, fue históricamente invisibilizada tras la llegada de los conquistadores españoles a territorio chileno. Esta identidad no fue aceptada por los modelos sociales, religiosos y patriarcales impuestos.
Los documentos de archivo sobre los Machi Weye son prácticamente inexistentes, aunque se los menciona en el libro El Cautiverio Feliz (1673) del escritor español Francisco Núñez de Pineda y Bascuñán, quien describe a un Machi Weye diciendo: “Se parecía a Lucifer en rostro, tamaño y vestimenta. No usaba ropa interior porque era de los llamados hueyes”.
En la obra, Calfuqueo aparece en una habitación en penumbras, vistiéndose lentamente con las prendas tradicionales de los Machi Weye, mientras narra hechos históricos y personales sobre esta identidad, compartiendo su deseo de preservarla y honrarla. A través de esta videoperformance, el/la artista rinde homenaje a sus ancestres e intenta recuperar una identidad que fue brutalmente borrada.
Sara Jordenö
Kiki, 2016
93’48’’
Las personas negras LGBTQ+ constituyen una minoría dentro de una minoría. La Kiki Scene nació en el seno de esta comunidad como un espacio liderado por pares, con estructuras alternativas de familia llamadas Houses. Con el tiempo, este espacio evolucionó hasta convertirse en una organización amplia y creciente, con reglas, líderes y equipos que la regulan, y que hoy cuenta con cientos de miembros en Nueva York, Estados Unidos y Canadá.
En esta colaboración cinematográfica entre la Kiki Gatekeeper Twiggy Pucci Garçon y la directora sueca Sara Jordenö, se ofrece al espectador acceso exclusivo a este universo de alto voltaje, donde las competencias de Ballroom se convierten en un pretexto para conversaciones sobre los movimientos Black Lives Matter y Trans Lives Matter.
Esta nueva generación de jóvenes bailarines reivindica el lema “Nada sobre nosotres sin nosotres”, y Kiki fue realizada con amplio apoyo y confianza de la comunidad, incluyendo una banda sonora compuesta por el colectivo de productores de Ballroom y Voguing Qween Beat.
El enfoque dual —interno y externo— de Twiggy y Sara da nueva vida a la representación de una comunidad marginada que exige visibilidad y poder político real.
Simone Cangelosi
Una nobile rivoluzione: Ritratto di Marcella Di Folco (Una noble revolución: Retrato de Marcella Di Folco), 2014
83’07’’
Una noble revolución: Retrato de Marcella Di Folco se inspira en las similitudes entre las historias de Simone Cangelosi y Marcella Di Folco, quien fue la primera persona transgénero en el mundo en ocupar un cargo público.
Este documental reconstruye la vida de Marcella a través de un montaje que combina imágenes de su trayectoria política y pública, presentándola como una mujer extraordinaria que vivió múltiples vidas.
La narración comienza en Roma, ciudad natal de Marcella, en los años en que trabajaba en el club nocturno Piper. En ese período comenzó a afirmar su identidad y a vivir con libertad. Tras ser descubierta por Federico Fellini, debutó en el cine con Satyricon (1969). A lo largo de su vida nunca ocultó su homosexualidad, y un momento crucial ocurrió en la discoteca Paradise, durante una presentación del Carrousel de Paris, un grupo de artistas trans con quienes Marcella entabló una estrecha amistad. Esa relación le dio la confianza necesaria para iniciar su transición, realizándose la cirugía en 1980 en Casablanca.
Al regresar a Italia, se radicó en Bolonia y se unió al MIT (Movimento Identità Transessuale), participando activamente en las protestas que llevaron a la aprobación de la Ley N° 164 (14 de abril de 1982), que permitió la reasignación de género en Italia. Luego se convirtió en referente y presidenta del MIT en 1988. Bajo su liderazgo, el movimiento se revitalizó y creó el primer centro de orientación sobre identidad de género gestionado por personas trans, que aún hoy funciona dentro del sistema de salud pública de Bolonia.
En 1995, Marcella fue elegida concejala de la ciudad de Bolonia por el Partido Verde. En 1998 conoció a Simone Cangelosi. “Nunca imaginé que se convertiría en mi amiga ni en un referente para mí”, cuenta el director. “Pero desde el primer momento supe que estaba frente a una figura histórica”.
Pedro Lemebel
Desnudo bajando la escalera, 2014 (2’10’’); Pisagua, 2006
3’29’’
«Siempre he usado el fuego y el neopreno, por toda la carga simbólica que ese pegamento inflamable tiene desde los tiempos de la dictadura: el tolueno contra el hambre, los jóvenes desempleados, la barricada, el corazón molotov, hasta que ahora (ese significado) se refuerza de nuevo en la calle quemada de la marcha estudiantil.»
(Pedro Lemebel)
El neopreno es un disolvente que, desde los años 70, ha sido utilizado como medicamento por comunidades marginales, especialmente por menores. Pedro Lemebel elige trabajar con neopreno para evocar los fantasmas de los hambrientos, de los niños que lo inhalaban en las esquinas y de los segregados por el Estado neoliberal. Como material inflamable, sin embargo, también se utiliza como símbolo de resistencia al sistema hegemónico patriarcal.
El 11 de febrero de 2014 a las 5 de la mañana, frente al Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, Lemebel realiza Desnudo Bajando la Escalera. El título de la acción es una clara referencia a Duchamp, pero mientras éste descomponía la percepción, Lemebel descompone el tiempo lineal a través de una serie de citas y referencias. La performance alude a casos emblemáticos de violaciones de los derechos humanos durante la dictadura chilena. El lugar ante el que actúa Lembel es el mismo que el de la segunda aparición pública de Yeguas del Apocalipsis (el colectivo artístico fundado a finales de los 80 por Francisco Casas y el propio Lemebel) en 1988. El país, desde luego, no es el mismo, y Lemebel tampoco. El artista, sin embargo, realiza una analogía encarnada: su cuerpo ocupa el lugar de los desaparecidos y, al devolverlos a la esfera pública, pone en evidencia la represión y la violencia del terrorismo de Estado.
"Pero, ¿tienes idea de adónde nos llevarán? preguntó Gastón, frunciendo las cejas. Es un secreto militar que no te puedo contar. Y espabila, que tenemos poco tiempo (...). Pero necesito saber si es el Norte o el Sur, si hace frío o calor, para decidir qué ropa llevar. Creo que depende de ti ir al Norte, le dijo secamente el soldado. ¿Pero a qué zona del Norte? ¿Playa o cordillera? En Pisagua, parece. Entonces es playa, arena, mar y sol, pensó Gastón, agarrando su traje de baño y una toalla."
(Pedro Lemebel)
Debido a su posición aislada entre el océano y el desierto, el pequeño puerto de Pisagua, en el norte de Chile, es desgraciadamente conocido por haberse transformado en campo de concentración y puerto de exilio para disidentes políticos durante los regímenes dictatoriales. El vídeo Pisagua, de 2006, fue rodado por la directora Verónica Quense, cuando ésta fue con Lemebel a visitar la ciudad y recoger los testimonios de los habitantes. El resultado de su experiencia es esta acción en la que el artista camina descalzo, con los talones en la mano, hacia el mar. A cada paso que da sobre la tela blanca, Lemebel va dejando unas tenues huellas de color sangre: un homenaje a todos los homosexuales y feministas disidentes que perdieron la vida en aquel lugar.
ECOLOGÍAS RADICALES
Oliver Ressler
The Path is Never the Same (El camino nunca es el mismo), 2022
27’
Este film se enfoca en dos sistemas complejos y autoorganizados: un bosque y una ocupación.
Largos planos capturan el Bosque Hambach, cerca de Colonia, uno de los últimos bosques primarios de Alemania. El bosque se ha convertido en el lugar de la ocupación más larga de Europa en las copas de los árboles. Desde 2012, alrededor de 200 personas han estado viviendo en el bosque para evitar que la empresa energética RWE lo talara, con el fin de extraer la lignita debajo del suelo forestal.
Para enero de 2020, gran parte del Bosque Hambach ya había sido destruida, pero la presión constante de los activistas climáticos durante los años obligó a los políticos alemanes a ordenar la preservación de lo que quedaba. La película reflexiona sobre el bosque como un espacio vital y sobre la necesidad urgente de confrontar el vandalismo climático perpetrado en nombre de la "actividad económica".
Las personas aquí se organizan de manera no jerárquica, de pie, como dice un activista en el filme, “justo como los árboles, uno al lado del otro, al mismo nivel”.
Sanjay Kak
Words on Water (Palabras sobre el agua), 2002
85’
Este documental examina los efectos de la represa Sardar Sarovar (la más grande del Proyecto Narmada, que incluye la construcción de 30 grandes represas, 135 medianas y 3000 pequeñas en Gujarat y otras partes del centro de la India) y los millones de personas que se verán negativamente afectadas por este proyecto patrocinado por el Banco Mundial y el Gobierno Central de la India.
Durante más de dos décadas, las orillas del río Narmada, en el centro de la India, han sido testigo de luchas extraordinarias por la dignidad humana. Los habitantes del Valle de Narmada han organizado un movimiento popular único: los manifestantes son cientos de miles de personas que han sido desplazadas tras la construcción de las represas, y que han sido abandonadas por el gobierno indio, que no ha proporcionado viviendas para las víctimas.
Critical Art Ensemble
Radiation Burn: A Temporary Monument to Public Safety (Quemadura por radiación: un monumento temporal a la seguridad pública), 2010
12’30’’
La obra aborda el miedo a la llamada ‘bomba sucia’, descrita como una amenaza real en el contexto del terrorismo global y utilizada como un medio para legitimar las relaciones de poder. El video evoca la imagen de ciudadanos japoneses involucrados en actos diarios de evaluación amateur de riesgos, impuestos por los fracasos del estado corporativo.
Ravi Agarwal
The Flower Pluckers (Los Recolectores de Flores), 2007
3’33’’
La antigua poesía de amor Tamil Sangam, que se compone de cinco paisajes —Kurinji (montañas), Mullai (bosques), Marutam (tierras agrícolas), Neytal (mar) y Palai (desierto)— refleja un terreno interno de sentimientos: de unión sexual, anhelo, tristeza, pena y separación. Los poemas, provenientes de una tradición literaria del antiguo Tamil, sugieren otras ideas de la naturaleza, donde el sujeto-objeto se co-forman mutuamente.
La naturaleza ha sido reducida a un objeto que solo puede ser ‘actuado’ sobre, ya sea ‘extraída’, ‘admirada’, ‘disfrutada’, etc., pero no ‘vivida’. La relación es una de poder. El capital, la tecnología, la producción en masa y la explotación de recursos han prosperado bajo esta posición. El desierto ha sido privatizado, los bosques cercados, los ríos domesticados y los animales han sido llevados a la extinción. Nadie puede garantizar la supervivencia futura.
Navjot Altaf Soul Breath Wind (Alma aliento viento), 2014-2018
62’
Soul Breath Wind ha evolucionado a lo largo de un período derivado de la investigación y la interacción de la artista con las comunidades locales de Chhattisgarh, que luchan por la justicia contra las fuerzas poderosas que cometen crímenes aumentando la vulnerabilidad de los ecosistemas.
La apropiación de recursos naturales —tanto humanos como no humanos— persiste de manera significativa bajo el pretexto del progreso para el bienestar del país.Los participantes en el video hablan sobre el impacto que esta segregación impuesta sobre su mundo vital ha tenido en su relación con la tierra, su contribución al mantenimiento del ecosistema durante siglos y cómo ha resultado en la marginación de su modo de vida indígena, su tradición oral del conocimiento y las dimensiones poéticas de la existencia. Todo esto pone en riesgo sus esfuerzos por co-crear un entorno en el que humanos, no humanos y la naturaleza puedan florecer.
Urbonas Studio
Juliet Kepes Stone and BUG (Boston Urban Gardens) [Juliet Kepes Stone y BUG (Boston Urban Gardens)], 2011
42’
En el otoño de 2011, los artistas Nomeda y Gediminas Urbonas se reunieron con Juliet Kepes Stone y grabaron varias conversaciones sobre las tierras ocupadas de Boston: los jardines comunitarios. Juliet es una pionera de la jardinería urbana en Boston, ya que durante muchos años ha trabajado en diversos programas sociales para promover y desarrollar los jardines comunitarios y las culturas alimentarias sostenibles en la ciudad.
Las conversaciones exploran la historia de los jardines comunitarios en Boston como sitios de resiliencia, con raíces en el Movimiento de los Panteras Negras y que a su vez sitúan la resistencia contra la creciente privatización de los recursos en la ciudad. Muchos de los jardines de Boston son el resultado de luchas populares por el control comunitario de la tierra y la seguridad alimentaria.
Mao Chenyu
I Have What? Chinese Peasants War: The Rhetoric to Justice (¿Tengo qué? Guerra de los campesinos chinos: la retórica a la justicia), 2013
103’
El ensayo fílmico I Have What? Chinese Peasants War: The Rhetoric to Justice examina los discursos agrícolas de China y el estado del capital en las últimas décadas a través de ejemplos regionales. Investiga cuestiones como la manera en que el sistema de tierras puede lograr igualdad y eficiencia, así como la pérdida de la divinidad en la relación entre los campesinos y la tierra. Al mismo tiempo, la película también intenta expandir el vocabulario sobre la tierra y la agricultura. Mientras el artista rastreaba la tierra y los restos de creencias pasadas, también entrevistó a más de cien campesinos en una docena de comunidades rurales. Frente a la cámara, los campesinos o bien soliloquizan o se sientan juntos para discutir asuntos sociales actuales, sus hipótesis sobre las cosas y sus anticipaciones, afilando nuevamente ciertos conceptos que se habían convertido en pensamientos inerciales mediante expresiones personalizadas de emociones y narrativas. El filme también aborda la relación entre las especies introducidas y la grave sequía en la meseta Yunnan-Guizhou, así como los cambios en la "racionalidad" del gobierno local.
Atelier d’Architecture Autogérée (AAA)
Au Rez-de-chaussée de la ville (En los bajos de la ciudad), 2005
34’
ECObox es un experimento social urbano iniciado en 2001 en La Chapelle, al norte de París. Su objetivo es utilizar espacios temporales y subutilizados para actividades colectivas. Reúne los conocimientos de arquitectos, artistas e investigadores, así como los conocimientos y habilidades de la gente local, en una colectividad que actúa a través de "tácticas urbanas", estrategias auto-representadas por AAA en este documental.
Karrabing Film Collective
The Family & The Zombie (La familia y el zombie), 2021
29’23’’
The Family and the Zombie, 2021 (Karrabing Film Collective) interroga la actual crisis ecológica y la destrucción indígena y cultural que el colonialismo ha producido en el norte de Australia. La película comienza con un grupo de futuros ancestros cavando para encontrar batatas mientras sus hijos juegan. Alternando entre tiempos contemporáneos, en los que los miembros de Karrabing luchan por mantener sus lazos físicos, éticos y ceremoniales con sus tierras ancestrales remotas, y un futuro habitado por seres ancestrales que viven en las secuelas del capitalismo tóxico y los zombis blancos, la película rechaza el reloj colonial en el que el pasado queda enterrado bajo la inexorable dominación del futuro.
COMUNIDADES INSURGENTES
Khaled Jarrar
The Infiltrators (Los infiltrados), 2012
70’
La película documenta diversas tentativas de atravesar el Muro en Palestina: búsquedas de huecos, miradas de vigilancia, miedo, tensión, huidas, saltos, arrastres, pasadizos oscuros. Cada cruce hacia “el otro lado” implica un complejo proceso mental y físico. Algunas personas son detenidas por soldados israelíes; otras logran llegar a destino. Se trata de un juego constante del gato y el ratón, en el que cada intento encarna una forma de resistencia frente al control militar y territorial impuesto.
Paloma Polo
El barro de la revolución, 2019
120’8’’
¿Qué condiciones sociales dan origen al cambio político? Esta pregunta impulsó la inmersión de Paloma Polo en el movimiento revolucionario de Filipinas. Su trabajo, convivencia e indagación fílmica en un frente guerrillero fueron la culminación de tres años de investigación y reflexión, comprometida con las luchas políticas de este país.
Durante más de cinco décadas, las iniciativas lideradas por comunidades comunistas en Filipinas han sido ignoradas, censuradas y con frecuencia reprimidas violentamente, debido a su voluntad de implementar modos de existencia sociopolíticos y culturales alternativos. Los lazos forjados con estas comunidades, así como su compromiso y solidaridad, permitieron su integración en una unidad guerrillera para desarrollar este proyecto cinematográfico.
Construir la revolución en Filipinas implica un crecimiento colectivo e individual. La revolución avanza en la medida en que les revolucionaries se cultivan a sí mismes y logran transformar eficazmente un mundo común. El trabajo del Nuevo Ejército del Pueblo (NPA), brazo armado del Partido Comunista, se funda en tres pilares: 1_construcción de órganos de autogobierno (“base building”); 2_implementación de una revolución agraria (en distintos grados según la región); y 3_combate militar.
La lucha en curso en Filipinas se inscribe en la tradición comunista y se enraíza en los movimientos revolucionarios de liberación que históricamente enfrentaron la colonización. Desde las comunidades más empobrecidas emerge una fuerza revolucionaria que combate las problemáticas que, desde su perspectiva, siguen asolando al país: una sociedad semi-colonial y semi-feudal, con burócratas capitalistas, desindustrialización forzada y explotación laboral, mientras se intensifica el saqueo de los recursos naturales por parte de corporaciones internacionales en alianza con el gobierno. Una fuerte militarización y represión estatal convierten las zonas rojas en regiones casi inaccesibles.
Quienes aparecen en el film no son solo combatientes guerrilleros: son también constructores activos de un mundo alternativo, nacido del trabajo cooperativo. La vida cotidiana en los campamentos se organiza en torno a proyectos pedagógicos, reforzados por evaluaciones colectivas. Además de su labor educativa, cumplen roles esenciales para las comunidades: son médicas, docentes, investigadoras, artistas, mediadoras, administradoras, agricultoras… Este proceso transformador, modelado por sus obstáculos y aprendizajes, solo puede pensarse si está siempre en construcción. En este sentido, vastas regiones rurales se convierten en un laboratorio vital.
Ali Essafi
Wanted (Al-Hareb) (Se busca (Al-Hareb)), 2011
20’
El cortometraje Wanted de Ali Essafi busca llenar tres vacíos en la historia del cine marroquí que impactaron directamente su formación como cineasta: reemplaza las “imágenes ausentes” de la represión política de los años setenta con imágenes poco conocidas o incluso censuradas. Así, sigue el enfoque de Ahmed Bouanani como testigo comprometido, reestableciendo la posibilidad de una transmisión cultural intergeneracional pese a las rupturas coloniales y poscoloniales, y ampliando su investigación hacia un cine que reactiva formas tradicionales de la oralidad.
En los años 70, estudiantes y escolares soñaban con libertad y democracia. La brutal represión policial, las detenciones arbitrarias y las prisiones secretas marcaron aquella década como los “años de plomo”. Varios activistas vivieron en la clandestinidad. Aziz tenía 23 años, estaba solo y usó una identidad falsa durante dos años, hasta ser identificado y arrestado.
Grupo de Arte Callejero
Aquí Viven Genocidas, 2001 (10’); Invasión, 2001 (3’); Poema visual para escaleras. Estación Lanús, 2002 (3’); Ministerio del Control. Plan Nacional de Desalojo, 2003 (2’); Shopping para artistas, 2003 (1’); Desalojarte en progresión, 2003 (1’)
Desde 1997, el Grupo de Arte Callejero interviene el espacio público en Buenos Aires. El colectivo diseña señalética y afiches que visibilizan y denuncian hechos de represión, subvirtiendo los códigos visuales de la vía pública y del tránsito. Con humor, precisión y crítica directa, sus acciones desafían la impunidad, la violencia institucional y las políticas de exclusión, generando potentes narrativas visuales que interpelan directamente a la ciudadanía.
Aquí Viven Genocidas - 24 de marzo de 2001
Tríptico compuesto por un afiche, un video y una agenda, que se utilizaron por primera vez en la marcha del 24 de marzo. El afiche es un mapa donde aparecen señaladas las direcciones de los genocidas que habían sido escrachados hasta el momento, mientras la agenda plegable contiene sus teléfonos y direcciones. En el video se recorren los domicilios de los genocidas, en dos momentos distintos: un día común y la jornada del escrache. El afiche se volvió a imprimir los 24 de marzo de los años 2002, 2003, 2004 y 2006. En cada oportunidad se transformaba el diseño y se agregaban las direcciones de los nuevos escrachados.
Poema visual para escaleras - Estación de Lanús, 19 de octubre de 2002.
La intervención consistia en una lista de acciones represivas ejecutadas por las fuerzas de seguridad, leídas en orden ascendente, mientras la violencia de las palabras crece a medida que subimos cada escalón. Se llevó a cabo posteriormente en otros espacios urbanos.
Ministerio del Control. Plan Nacional de Desalojo. San Telmo, 9 y 16 de marzo de 2003.
Acción realizada para cuestionar los desalojos ordenados por el gobierno de la ciudad de Buenos Aires en varios puntos de la ciudad, sobre todo en el casco histórico del barrio de San Telmo, impulsados por el negocio inmobiliario y financiero, vinculado al auge del turismo en la zona. Algunos de estos procedimientos fueron violentos y recayeron sobre decenas de familias pobres. Una semana después de estos sucesos, emplazamos un stand en la esquina más concurrida del céntrico barrio, desde donde promotoras “oficiales” del “Ministerio del Control” salían a encuestar a vecinos y turistas. Las preguntas estaban orientadas irónicamente, para saber de qué manera le gustaría ser desalojado, cómo convenía renunciar al derecho de tener una vivienda digna o cómo era deseable convertirse en un excluido. La actividad se llevó a cabo en varias oportunidades y se extendió a otros contextos.
Shopping para artistas, abril de 2003
El predio lindero al Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), que había sido ocupado por vecinos del Movimiento de Trabajadores Desocupados de San Telmo, fue escenario de un nuevo desalojo. Se expulsó a los desocupados para anexar el terreno a la institución artística dependiente del gobierno de la ciudad. En la fachada del edificio se colocó un cartel con la inscripción: “próximamente shopping para artistas”.
Desalojarte en progresión. Centro Cultural General San Martín – 3 de mayo de 2003
El GAC fue invitado a participar de una muestra colectiva en el Centro Cultural General San Martín (dependiente del Gobierno de la Ciudad) llamada “Arte en Progresión”. Personas vinculadas a la curaduría de la exposición pertenecían al MAMBA, institución ligada al desalojo del Movimiento de Trabajadores Desocupados, anteriormente mencionado. Junto al Colectivo Situaciones se presentó el proyecto “Desalojarte en Progresión”, desafiando la indiferencia del campo artístico local a través de la instalación de un stand con banderas y afiches, promoviendo la apertura del “shopping para artistas”. Realizamos encuestas entre el público y los artistas que participaron, acerca de qué funciones podría desempeñar el museo en el nuevo espacio desalojado. Una fuerte tensión se vivió cuando ingresó a la exposición el secretario de Cultura Jorge Telerman, quien, al ser interpelado por su complicidad con los desalojos, atinó a cuestionar la “calidad artística” de la “obra”.
Invasión. Del 16 al 19 de diciembre de 2001
Lanzamiento de diez mil paracaidistas de miniatura desde un edificio del microcentro. Durante la semana previa a la acción se intervino todo el territorio circundante con calcomanías de íconos militares: el tanque, simbolizando el poder de las multinacionales; el misil, equivalente a la propaganda mediática; el soldado, que aludía a las fuerzas represivas que necesita el sistema para mantener el orden neoliberal. La acción coincidió con el comienzo de la rebelión popular de los días 19 y 20 de diciembre de 2001.
Libia Castro & Ólafur Ólafsson
Aðfaraorð / Preamble (Aðfaraorð / Preámbulo), 2020
5’06’’
El Agittrailer Preámbulo es un video musical utilizado para la campaña durante las movilizaciones por la Nueva Constitución en 2020/21 y a su vez es el tráiler del trabajo de video de 5 horas de la manifestación y performance polifónica «En Busca de Magia – Propuesta para una Nueva Constitución para la República Islandesa».
El video es una grabación de la manifestación y performance polifónica homónima de los artistas Libia Castro y Ólafur Ólafsson con The Magic Team, cuya composición musical está escrita para los 114 artículos de la Nueva Propuesta Constitucional Islandesa. Conocida como la Constitución Colaborativa, fue redactada en 2011 tras el colapso económico y político de 2008, resultando de los movimientos
sociales de la llamada revolución islandesa de las Ollas y la Sartenes. Fue aprobada por dos tercios de los votantes en un referéndum nacional en 2012, pero a día de hoy, aún no se ha implementado.
Roy Samaha
Transparent Evil (Mal transparente), 2011
27’
A finales de 2010, Leica me encargó que siguiera los pasos de James Bruce (un explorador escocés que se propuso descubrir el nacimiento del Nilo entre 1768 y 1773). Me interesé por ese proyecto porque tenía la naturaleza de un viaje en el tiempo. Así que me propuse documentar el río Nilo desde Alejandría hasta Asuán. El 25 de enero comenzó la revolución en Egipto. Las únicas imágenes que llegaban hasta entonces las hacían los manifestantes con teléfonos móviles y las subían a la red. Eran mucho más eficaces que la televisión estatal, que seguía haciendo la propaganda pro-régimen en alta definición. Comprendí que no tenía sentido hacer las mismas imágenes que estaban ahí fuera. Este es el éxtasis de la comunicación, esta es la revolución electrónica. «Toda revolución es técnica». La Generación Invisible está en todas partes.
Chto Delat
Partisan Songspiel. A Belgrade Story (Canción partisana. Una historia de Belgrado), 2009
29’15’’
Esta película analiza una situación concreta: el desalojo forzado de la comunidad romaní del asentamiento de Belleville por parte del gobierno de Belgrado, en ocasión de la Universiada de verano de 2009. A partir de este caso, la obra plantea un mensaje político universal sobre la existencia de opresores y oprimidos: el gobierno, los especuladores de guerra y magnates empresariales frente a grupos desfavorecidos como trabajadores fabriles, activistas de ONG y minorías, veteranos discapacitados y comunidades étnicas.
El film establece también un “horizonte de conciencia histórica” a través de un coro de “partisanos muertos” que comentan el diálogo político entre los distintos actores, mezclando realismo político con elementos teatrales y simbólicos.
ACTIVISMO DE LA DIÁSPORA
Atelier Impopulaire
Before We Love, Act 2: 12 Gates (Antes de amar, Acto 2: 12 Puertas), 2024
30’
12 GATES es el segundo acto de BEFORE WE LOVE, una ópera en tres capítulos inspirada en el UMBRA Poets Workshop (1961-63) que completa la trilogía de Atelier Impopulaire sobre el nacimiento de los movimientos artísticos underground y el activismo por los derechos civiles en las comunidades italiana, afroamericana y latina que se habían trasladado al Lower East Side de Nueva York a principios de los años 60.
En esta instancia, 12 GATES se presenta como un video de un solo canal que forma parte de una instalación multimedia a gran escala. Integra material archivístico raro con nuevo metraje de Atelier Impopulaire, basándose en la literatura del grupo UMBRA para explorar la lucha contra la opresión cultural a través de movimientos que abogan por la justicia social mediante prácticas multidisciplinarias.
La instalación sigue el principio de la crónica no cronológica, fiel a la idea de Tom Dent, fundador del grupo, de generar una deconstrucción de la "verdad histórica" desde el punto de vista singular del narrador. El video se convierte así en un fragmento pluricultural, sirviendo como agente de reflexión sobre la historia, donde los elementos de los lenguajes visuales contemporáneos funcionan como contrapunto, entrelazados en una narrativa que combina obras cinematográficas, poesía y abstracción.
Ursula Biemann
Sahara Chronicle (Crónica del Sahara), 2006–2009
33’14’’
La migración en tránsito por el Sahara es una experiencia colectiva a gran escala que se comprende mejor en su dimensión sistémica. Altamente adaptables, estos movimientos han generado redes operativas prolíficas, sistemas de información y organización social entre los migrantes, así como interacciones con las poblaciones locales.
La investigación videográfica a largo plazo Sahara Chronicle aborda la geografía tanto como práctica social como sistema organizativo. El proyecto es una antología abierta de videos sobre las modalidades de la migración a través del Sahara. Presenta el sistema migratorio como una disposición de sitios clave, cada uno con una función particular en la búsqueda de autonomía migratoria, así como en los intentos de diversas autoridades por contener y gestionar estos movimientos.
Sahara Chronicle incluye numerosos registros de los esfuerzos —más o menos exitosos— por controlar las corrientes migratorias fluctuantes a través de Marruecos, Mauritania y Libia, mediante métodos que van desde patrullas todoterreno en zonas fronterizas hasta reconocimientos aéreos con aviones de hélice y drones de vigilancia de alta tecnología. Mi involucramiento con esta política de contención me sumergió directamente en el gigantesco aparato de visualización y me convirtió en parte de él.
Etcétera / Movimiento Internacional Errorista
FAKE NEWS – El club del helicóptero, 2017
7’06’’
El 20 de marzo de 2017, en medio de una creciente crisis económica, el ex presidente argentino, Mauricio Macri, participó de un evento proselitista donde anunció el apoyo gubernamental a la empresa Cicaré, una pequeña fábrica de helicópteros ubicada en Saladillo, Provincia de Buenos Aires. En el acto el presidente Macri expresó que "la economía finalmente se está reactivando y se están creando nuevos puestos de trabajo".
Como homenaje al discurso presidencial, el movimiento Errorista se unió a las manifestaciones del 24 de marzo de 2017 -Día Nacional de la Memoria y los DDHH, que recuerda el golpe de Estado de 1976- llevando con un helicóptero de cartón en escala 1:1.
La aparición de la columna errorista con el Helicóptero de Cartón fue celebrada por los manifestantes. Sin embargo, el símbolo del helicóptero fue interpretado por los medios de comunicación masiva como un "elemento desestabilizador" asociándolo con la crisis social de 2001, cuando el expresidente Fernando De la Rúa huyó del Palacio de Gobierno usando un helicóptero.
A partir de entonces la performance errorista se convirtió en una de las noticias falsas más absurdas de los últimos tiempos generando un boom mediático en los canales de TV y en las editoriales de prestigiosos medios de comunicación. Los periodistas afirmaban que el peligroso helicóptero de cartón representaba un supuesto plan para desestabilizar al gobierno ("Plan Helicóptero") y hasta un diputado nacional decidió bautizarlo como "El Club del Helicóptero" e inmortalizarlo en un libro.
Este es un video artístico y educativo, un collage de registros de medios de comunicación, que nos invita a analizar el fenómeno de las FAKE NEWS y comprender como se construyen las noticias falsas en Argentina y en el mundo.
Actualización 2025: sorprendentemente -y para un deleite errorista- ocho años después, el famoso "Club del Helicóptero de cartón" aún continúa vigente como un símbolo que aparece y reaparece en los debates de las redes sociales y los medios de comunicación masiva y la opinión pública.
Mohanad Yaqubi R21 aka Restoring Solidarity (R21 alias Restaurando la Solidaridad), 2022
71’
R21 es una reflexión sobre una colección de 20 películas en 16 mm, conservadas en Tokio por el movimiento japonés de solidaridad con Palestina. El film actúa como una carta de solidaridad no entregada, escrita por un activista japonés y extraviada antes de llegar a su destinatario palestino. Fragmentos de esa carta se dispersan entre las películas, y son reunidos en una estructura imaginada que se revela a lo largo del film.
R21 aka Restoring Solidarity funciona como catálogo, como máquina del tiempo y como archivo. A través de un ensayo de montaje, emergen los temas de la bobina 21: motivaciones, aspiraciones y el silenciamiento de una generación de luchas, no solo en Japón sino a nivel global. Restaurar estas películas es también restaurar memorias, solidaridades y resistencias olvidadas.
Bani Khoshnoudi
El Chinero, un cerro fantasma, 2023
11’
“El Chinero” es un cerro en medio del desierto al sur de Mexicali en Baja California. Nadie sabe desde cuándo lleva este nombre, pero muchos hablan de un episodio trágico ocurrido aquí. Poco después de la Revolución mexicana, la expulsión y la caza de chinos y otros asiáticos asentados en México provocaron un éxodo importante. A pesar de la falta de documentos, se piensa que muchos murieron en este sitio. Mito e identidad, realidad y ficción, fantasma y memoria. Un lugar de tragedia sin vestigios ni huellas. ¿Cómo llenar una falta de memoria con artefactos e imágenes, fabricar un archivo en donde no existe ninguno?
LIMINAL & Border Forensics
Asymmetric Visions (Visiones asimétricas), 2023
10’54’’
La película se despliega sobre las murmullantes olas del Mediterráneo central, donde el drama de la supervivencia se representa en el escenario del mar y el cielo: embarcaciones de inmigrantes, puntos en la profundidad, moviéndose bajo la mirada de halcones mecánicos.
Los espectros aéreos tejen un tapiz de vigilancia a lo largo de la frontera marítima, pioneros de la imaginación, delineando la visión de soberanía y orden. El ritmo desapegado de los drones de vigilancia zumba en el aire silencioso, proyectando largas sombras sobre la superficie azul del agua en esta zona liminal donde la esperanza y la desesperación bailan juntas; esta violencia indiferente proyecta una sombra profunda sobre la superficie azul, su silencio es más penetrante que los gritos primitivos de supervivencia a bordo de las embarcaciones de migrantes. Sin embargo, estos gritos están congelados e aislados frente a pantallas distantes, transformados en imágenes silenciosas, silenciando la desesperada voluntad de vivir. ¿Son los puntos rojos en el mar chalecos salvavidas o llamas?
Border Forensics emplea imágenes frías y tecnología para presentarnos una narrativa desconocida: un susurro que rechaza la representación de la humanidad, un espíritu resistente que prospera más allá del alcance de los observadores distantes, evidencia de un viaje persistente por la dignidad bajo la mirada implacable del cielo. Esta tecnología moderna interpreta una lamentación por los sueños postergados. A medida que los fantasmas de la tecnología se deslizan por el cielo, marcan las fronteras entre lo visible y lo invisible, lo salvado y lo abandonado. Sus huellas están grabadas entre el mar y el cielo, narrando viajes más allá de las fronteras, entrelazados con el destino de las implacables olas.
Angela Melitopoulos
Passing Drama (De paso por Drama), 1999
66’14’’
Passing Drama es un diario de múltiples voces que relata el entrelazado camino migratorio de los habitantes de Drama, una pequeña ciudad en el norte de Grecia, aún habitada por refugiados que sobrevivieron a las deportaciones nazis. Durante la Segunda Guerra Mundial, muchos habitantes de Drama fueron forzados a exiliarse a campos de trabajo en la Alemania nazi, y no todos regresaron a su ciudad natal. Este destino migratorio y diaspórico es común entre los padres de Angela Melitopoulos (quien, de hecho, nació en Alemania) y entre generaciones enteras de refugiados, involucrados en un progresivo deterioro de la memoria colectiva, cuya restauración es intentada por la densa textura visual y sonora que la artista reconstruye en la película. Concebida como una auténtica “textura de video”, Melitopoulos restaura la historia migrante de su propia familia, enfatizando cómo la experiencia de la diáspora socava cualquier orden de percepción de la memoria subjetiva. Esta idea del olvido se expresa a través de un montaje entrelazado de imágenes que refleja la deformante acción del tiempo: cuanto más viejos son los eventos, más ha sido manipulado el montaje de las imágenes. Los fragmentos repetidos de telares industriales que aparecen entre las secuencias no solo proporcionan representaciones sociológicas (muchos refugiados trabajaron en la industria textil), sino que también reflejan el paradigma “textile-urológico” de la construcción narrativa de la película.
Pınar Öğrenci
Inventory 2021 (Inventario 2021), 2021
16’
Inventory 2021 de la artista Pınar Öğrenci es una re-creación del filme original Inventur-Metzstrasse 11 grabado por el director yugoslavo elimir ilnik en Múnich en 1975. En esta segunda versión de su película, ambientada en la ciudad de Chemnitz y filmada en 2021, Öğrenci ofrece una mirada alternativa sobre la situación de personas de diferentes géneros, edades y etnias que viven en Alemania como inmigrantes. Al igual que en la obra original, la filmación tiene lugar dentro del edificio donde supuestamente viven las personas, quienes, una tras otra, se presentan a la cámara contando brevemente quiénes son y cómo viven su situación como inmigrantes.
Sin embargo, Pınar Öğrenci ofrece una perspectiva contraria a la de elimir ilnik: la película de 1975 representaba una situación inhóspita y difícil para la mayoría de los extranjeros, presagiando una decadencia progresiva de sus condiciones, metafóricamente representada mediante el movimiento de las escaleras descendentes. En contraste, Inventory 2021 ilustra una situación de bienestar y mejora progresiva en la vida de los inmigrantes. Los entrevistados se declaran satisfechos con su vida diaria en Chemnitz, logran percibirla como permanente en lugar de precaria y, una vez terminada su historia, dejan la escena subiendo las escaleras en lugar de bajarlas.
Con un enfoque decolonial y antirracista, la película de Öğrenci promueve un enfoque positivo sobre la inmigración, reformulando el concepto de hogar, ya no vinculado solo a circunstancias contingentes, sino como un lugar de vida auténtica y arraigada incluso para aquellos que se encuentran viviendo en un contexto diferente al suyo. Con Inventory 2021, Öğrenci transmite confianza en la capacidad de integración e inclusión de lo que alguna vez fue considerado ajeno, destacando el potencial enriquecedor de la diversidad en el mundo contemporáneo.
Daniela Ortiz
No es un hueco en mi tierra la raíz que arrancaste; es un túnel!, 2024
30’
Desde finales de los años 70s y mediante el discurso liberal del "Fin de la Historia" y los mecanismos legales de la llamada “lucha contra el terrorismo” militantes y organizaciones políticas de las resistencias antiimperialistas han pasado al subsuelo de nuestra realidad; a los túneles de la resistencia, a las cárceles y mazmorras del poder, a la clandestinidad tras la persecución, a las fosas comunes y cementerios, han pasado a estar debajo de la tierra, pero a nutrir desde ahí las luchas contra el orden colonial.
La larga historia de persecución contra organizaciones antiimperialistas desde mediados del siglo XX ha buscado acallar por la fuerza a una generación de militantes, ha pretendido borrar sus saberes y experiencias de la memoria colectiva, ha querido romper el hilo de transmisión desde estos ancestros políticos e ideológicos anticoloniales hacia las generaciones actuales que pretenden oponerse al orden capitalista y colonial actual.
“No es un hueco en mi tierra la raíz que arrancaste, es un túnel” es una obra de teatro popular de títeres en solidaridad con Palestina que relata la resistencia de luchas anticoloniales y antiimperialista del siglo XX desde los subsuelos a la cual el poder cree haber vencido.
Quisieron enterrarnos pero no sabían que éramos semillas, quisieron arrancarnos pero no sabían que nuestras raíces ahí dejaban unos huecos, y que esos huecos profundos en nuestra tierra son ahora nuestros túneles.
Tita Salina & Irwan Ahmett
B.A.T.A.M (Bila Anda Tiba Akan Menyesal) - When You Arrive You’ll Regret (B.A.T.A.M (Bila Anda Tiba Akan Menyesal) - Al llegar te arrepentirás), 2020
43’01’’
En una de las principales rutas marítimas entre los océanos Pacífico e Índico, el estrecho de Malaca, se encuentra el archipiélago de Riau, una ruta de vital importancia y, por tanto, de feroz especulación económica y comercial.
Tal es el caso de la isla de Batam, acrónimo del título de la película (Bila Anda Tiba Akan Menyesal,o Cuando llegues te arrepentirás), que en los años setenta preveía el establecimiento de una gran zona industrial y aún sufre graves juegos de poder, lo que se traduce en agitación geopolítica y social. Tras recorrer todo el archipiélago, Tita Salina & Irwan Ahmett se centraron precisamente en Batam, esbozando no sólo la precaria situación política actual en medio de disputas fronterizas, fenómenos de piratería, mercado negro, acciones terroristas y legados coloniales, sino relatando más ampliamente el fenómeno actual de la migración indonesia en el marco geopolítico mundial. Con un enfoque antropológico de entrevistas y conversaciones, la película se inspira en Name Laundering, una conferencia-performance en la que los artistas analizan las relaciones de migración e intercambio entre Indonesia, Malasia, Singapur y Tailandia a través del estrecho de Malaca, y proponen ocho formas de cruzar las fronteras de Singapur sin respetar los canales oficiales de migración.
Sim Chi Yin
Requiem (Internationale, Goodbye Malaya [Réquiem (Internacional, Adiós Malaya)], 2017
6’08’’
Requiem representa a los ahora ancianos ex-comunistas reclamando recuerdos de su participación política, guerra, deportación, exilio y sueños socialistas, en forma de canción. En su juventud, fueron guerrilleros que enfrentaron a los británicos en las junglas de Malaya (actualmente Malasia y Singapur) durante la guerra anticolonial de 1948-1960. En momentos conmovedores, los veteranos luchan por recordar las letras del himno socialista global que cantaban diariamente hace 70 años, La Internacional – que sus compañeros en el corredor de la muerte cantaron desafiantes mientras eran conducidos al cadalso para ser ahorcados. Goodbye Malaya, compuesto y orquestado por un par de comunistas malayos en 1941, fue cantado en masa en las cubiertas del barco mientras los izquierdistas eran deportados de su tierra natal, y en muchos casos, del país de nacimiento. Más de 30,000 izquierdistas malayos, incluido el abuelo paterno del artista, fueron deportados por los británicos a China durante la llamada "Emergencia Malaya" (1948-1960), una guerra que siguió al dominio británico en Palestina y precedió a la guerra de Estados Unidos en Vietnam. Sus historias son en gran parte ausentes en la historiografía de esta guerra, la más larga que los británicos libraron después de la Segunda Guerra Mundial. Como la memoria misma, sus voces a veces son frágiles, falibles, pero también resilientes.
THE DISOBEDIENCE ARCHIVE
Entrevista con el curador Marco Scotini en el marco de la Bienal de Estambul
(fragmentos)
Arts of the Working Class intercambió correspondencia escrita con Scotini en vísperas de un evento que muchos esperan cambiará las ideas fundamentales sobre la curaduría de arte y su circulación.
Arts of the Working Class: ¿Qué son las “imágenes desobedientes” y cómo las enmarca el Archivo?
Marco Scotini: Las imágenes desobedientes no obedecen las normas de una sola categoría cultural exhaustiva. Son múltiples, heterogéneas, polifónicas y se resisten a definiciones que codifican y cosifican los espacios del arte y de la política. Su negativa a obedecer se afirma como una fuerza de creación y experimentación: de lenguajes, dispositivos, instituciones y subjetividades.
Lo importante es considerar qué y a quién desobedecen estas imágenes. Si desafían el aspecto colonial —nunca neutral y mediado tecnológicamente— del lenguaje audiovisual, y si su propósito es revelar precisamente lo que los medios corporativos intentan ocultar o eliminar, recuperando el control de la expropiación violenta de la experiencia, y así acabar produciendo historia y haciéndola visible. La historia, vista como un problema de representación política, está en el centro de estos filmes y videos. Este “cine desobediente” encarna una estrategia de acción que atraviesa las divisiones canónicas establecidas por el “poder”, como el medio ambiente, los cuerpos, las psiques, el trabajo, la sociedad y los flujos semióticos, para intervenir en la vida misma.
Estas imágenes actúan como dispositivos de profanación y reivindican un potencial experimental respecto a las directrices o mandatos políticos. Cartografían una política de la inmanencia, nunca dada de una vez y para siempre, sino conquistada continuamente a través de la pragmática de la experiencia. Por esta razón, Disobedience Archive no es solo un registro de luchas y protestas, sino también un archivo de imaginarios, de modos de vida, de producción, de mirada, de aprendizaje y de autorrepresentación.
Arts of the Working Class: ¿El Disobedience Archive ocupa espacios abiertos por el arte contemporáneo para influir en la capacidad organizativa de esa comunidad en favor de la acción política?
Marco Scotini: El proyecto Disobedience es una investigación sobre las prácticas de activismo artístico que surgieron tras el fin del Modernismo, inaugurando nuevas formas de saber y actuar.
Una relación diferente entre arte y política caracteriza la fase actual del capitalismo, en la cual es imposible entender los cambios radicales de la sociedad sin considerar la transformación de los lenguajes que produce y ha producido tanto como sujeto político como objeto mediatizado.
De hecho, el Disobedience Archive se sitúa en ese terreno social, ubicado en el núcleo de la producción de subjetividad, donde ya no hay separación entre el flujo de signos y los flujos materiales o de fuerzas. El archivo busca actuar como un activador del presente en el sentido del cambio social y como un recolector de innumerables experiencias de insubordinación como fuerza común.
Arts of the Working Class: Hay un pasaje en el documento principal de Disobedience Archive (The Park) que dice: “Cada teléfono móvil ahora tiene el poder de desafiar, de convertirse en narrativa.” En comparación, ¿cómo representa la fuerza laboral del mundo del arte un movimiento hacia la toma de conciencia de clase? ¿Y en qué no lo representa?
Marco Scotini: Por suerte, no existe un único “mundo del arte”.
Sin embargo, dentro del mundo del arte, existe hoy un problema más profundo que, desde la crisis financiera, podría decirse, tiene que ver con el hecho de que una nueva amenaza neoliberal ha captado las aspiraciones libertarias y ha extraído valor del terreno de las demandas sociales que debían oponérsele, neutralizando y reabsorbiendo cualquier fractura en el exclusivo nivel de la expresión, sin dañar las relaciones de poder.
Fuente: https://artsoftheworkingclass.org/text/the-disobedience-archive
The Disobedience Archive en la Bienal de Venecia por Elvira Vannini
(fragmentos)
Al tema del desplazamiento geográfico, étnico e identitario de Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere, responde con dos nuevas secciones: “Diaspora Activism” y “Gender Disobedience”, que funcionan como alarmas: señalan el mismo lugar de una "crítica" a la cual Scotini parece no querer renunciar: la trayectoria anticapitalista para negociar la libertad frente al mandato, donde el concepto de autonomía se aplica a quienes practican una ruptura.
La desobediencia se manifiesta en diferentes latitudes y momentos de la historia, recorriendo las transformaciones de los movimientos posteriores al 68 (que, como señala Foucault, se volvieron transversales, no identitarios ni jerárquicos) hasta las más recientes insurrecciones, reafirmando la urgencia de nuevos espacios de imaginación y organización política (donde la política nunca se separa de la estética).
Los temas abordados por el Disobedience Archive
Disobedience genera una trayectoria de fuga porque no separa la descolonización del capitalismo (como modo de producción económica profundamente entrelazado con el colonialismo, la explotación de clase, el sexismo y el racismo). No se limita a representar, sino que investiga el posicionamiento epistémico y político de los sujetos que hablan y de las luchas que llevan adelante. La desobediencia es coral, la insurrección es multitudinaria, las formas de organización son asociativas y asamblearias.
Por tanto, no se puede pensar en términos de obras de arte individuales. Reemplazar el pluralismo con el multiculturalismo podría debilitar el conflicto por la autodeterminación e identidad de las subjetividades disidentes que participan en esta gran narrativa épica.
¿Qué ocurre cuando el artista es auténtico? ¿Cuando un extranjero habla sobre extranjería y alteridad? ¿Cuando son las mujeres no occidentales, las personas indígenas o queer quienes hablan de sus propias experiencias?
Sin duda, es justo que mujeres, lesbianas, travestis, maricas, trans y personas no binarias ocupen estos espacios. Pero el peligro está en el mito esencialista de la autenticidad que convierte al nativo en un "informante fiable".
No basta con incluir artistas extranjeros, marginalizados, outsiders, queer e indígenas para decolonizar la muestra dentro del jardín ordenado de la Bienal, porque la decolonización, como recuerda Fanon, es un programa de desorden absoluto.
Los extranjeros en Disobedience Archive: queerness y discurso anticolonial
Disobedience responde con un gesto de ruptura colectiva que genera una estructura heterotópica, donde todos los espacios sociales son simultáneamente representados, contestados y revertidos, en una difusión centrífuga de la disidencia que opone la producción del discurso otro (anticolonial) a la reproducción del discurso del Otro (recolonial).
Venecia ha sido criticada por ser una vitrina para el genocidio: art-washing, gobernanza neoliberal, “estructuras” (ideológicas, culturales y económicas) que incluyen y excluyen, la "estetización de la política que persigue el fascismo": conceptos políticos que Scotini lleva años elaborando y que las voces disidentes de Disobedience han reivindicado.
Power and Disobedience
(fragmentos)
El adagio del sociolingüista Max Weinreich, según el cual “una lengua es un dialecto con un ejército y una marina”, revela la contingencia del poder. Existe una contradicción inherente al poder ejercido por el Estado: es el lenguaje el que otorga a un Estado-nación el derecho de sostener un marco legal punitivo —con el uso legítimo de la violencia como respaldo—, y sin embargo, ese derecho a ejercer violencia legítima casi siempre proviene de una fase fundacional de violencia ilegítima o de su amenaza. La independencia de la India se logró en parte gracias a la desobediencia civil pacífica, pero no podría haberse sostenido sin un sistema militar y policial alineado con la clase gobernante.
Dada la evidente brecha entre el Estado-nación como proveedor benevolente (como desearía ser percibido) y como matón al servicio de los ricos (como a menudo es), no sorprende que la resistencia a su autoridad —o a la de su gobierno— sea tan constante y global como el cambio de estaciones. Lo que quizás resulta más sorprendente es que no hayamos concebido aún una estructura social más amigable, honesta y localizada. Este fracaso puede estar inscrito en la propia metodología de la desobediencia.
La exposición Disobedience Archive (The Republic), realizada en el Castello di Rivoli de Turín durante la primavera y el comienzo del verano pasados, fue el resultado de nueve años de investigación sobre cuarenta años de historia de resistencia, llevada a cabo por el curador Marco Scotini en respuesta a los levantamientos anticapitalistas globales de 2001-2002 y a la represión del movimiento posterior a Seattle, a través del Patriot Act en Estados Unidos y procesos legislativos similares en otros países.
La muestra presentó una selección de 22 videos del archivo, que abordaban temas como la educación, el anticapitalismo, la resistencia italiana a finales de los años setenta, la desobediencia en Europa del Este y en Argentina, la Primavera Árabe, Reclaim the Streets, la política de género y la noción de “biopoder” de Foucault. Las pantallas estaban dispuestas en un formato tipo anfiteatro —o “Parlamento”— que invitaba al público a investigar la historia reciente de la resistencia. Esta fue la primera vez que el archivo se presentó en Italia y coincidió con un momento de creciente tensión política y una hibridación cada vez mayor entre el mundo del arte y la política activista.
La simplicidad del tradicional “nosotros contra ellos”, “izquierda contra derecha”, es ciertamente una distracción, pero hay otra dialéctica en juego que impide el cambio social en un nivel distinto. En Turín, la exposición incluía obras de colectivos como el Living Theatre, figuras como las feministas Carla Lonzi y Carla Accardi, y la radio libre Radio Alice de Bolonia, todos comprometidos con una visión más compleja y no dialéctica de la sociedad, que reflejaban el conflicto interno de la izquierda italiana en esa época y el antagonismo de la Internacional Comunista frente al Movimiento Situacionista en Francia en 1968.
En Italia, el movimiento Bene Comune, que vincula firmemente arte y activismo, se está consolidando como una alternativa política nacional. En abril, Stefano Rodotà, considerado el padre del movimiento, fue candidato presidencial en la votación final frente a Giorgio Napolitano. Una comprensión profunda de la historia —como la que proponen proyectos como Disobedience Archive— puede ayudar a desbloquear los antagonismos que impiden a cada generación desenmascarar el engaño que supone el poder estatal y gubernamental.
Fuente: https://artreview.com/november-2013-opinion-mike-watson-on-power-and-disobedience/
The Disobedience Archive
(fragments)
por Martina Angelotti
El año 1968 estuvo marcado por la división y una explosión colectiva, política y existencial. En Italia, fue antesala de los enfrentamientos en FIAT Mirafiori y de las grandes huelgas que desembocaron rápidamente en el Otoño Caliente. El poeta, novelista y artista Nanni Balestrini produjo numerosas obras sobre este difícil período de la historia italiana, transformando el espacio lingüístico en un espacio público de reflexión política perteneciente a la comunidad. No sorprende, entonces, que el Castello di Rivoli en Turín haya sido la primera sede italiana elegida para Disobedience Archive (The Republic), una exposición curada por Marco Scotini, ni que un collage de Balestrini inaugure (o cierre, según la dirección del recorrido) la sección de efímeros que contextualiza la muestra en una antesala parlamentaria compuesta por documentos, publicaciones, objetos y obras. ¿Qué Parlamento? Aquel diseñado por la artista y arquitecta Céline Condorelli como dispositivo expositivo para que los visitantes pudieran disfrutar y conocer el legado fílmico reunido por Disobedience a lo largo de su extensa trayectoria, iniciada hace aproximadamente una década.
El Parlamento está dispuesto en un círculo fragmentado dividido en cuatro secciones semicirculares. A diferencia de un parlamento real, estas están físicamente separadas por los muros del museo en cuatro salas comunicadas pero independientes. No se trata de una estructura institucional concebida para garantizar el debate y la dialéctica entre una mayoría electa y su oposición, que define la esencia misma del parlamentarismo. Se trata, más bien, de un intento por llevar la voz de la disidencia y de la reconfiguración social a una carta republicana no representacional.
Es un archivo contingente que se expresa en el “aquí y ahora” de la exposición. Que el evento ocurra en Turín —o más ampliamente, en Italia— no es casual, sobre todo si se considera la situación política nacional, donde la Cámara de Montecitorio ha sometido repetidamente a la democracia a tensiones extremas debido a un conflicto ya endémico entre la política y el poder judicial, así como entre múltiples instituciones estatales. No se trata de pensar por separado en el Arte (con A mayúscula) y la Política (con P), sino de recuperar un mestizaje natural capaz de construir una “gramática” —tomando prestado de Foucault— que incluya lenguajes mayores y menores, pero igualmente reconocibles.
Si lo estético consiste en otorgar visibilidad a aquello que no la tenía, es difícil no ver este experimento de Disobedience Archive como un acto estético en sí mismo. No sólo centra la reflexión en torno al lenguaje del cine activista, sino que también convierte la práctica de la desobediencia en una de las Bellas Artes, como planteaba Marcelo Expósito, artista-activista presente en el archivo desde sus inicios.
Cada versión de la muestra modifica su forma para acoger y fomentar la experiencia nómada de un archivo que asume conciencia, impulsa la reescritura de los movimientos, el compartir prácticas de autoempoderamiento y la reconstrucción de la protesta, desarrollando así una nueva coreografía estética, didáctica y política.
Si el activismo y la comunidad ciudadana nos interpelan con una pregunta —¿qué hacemos?—, una posible respuesta es: desobedecer.
Fuente: https://www.domusweb.it/en/art/2013/05/17/disobedience_archive.html