Prensa Publicada

  • Título: Witkin & Witkin, la pelcula de Trisha Ziff sobre los gemelos Joel y Jerome Witkin
    Autor: Florencia Monfort
    Fecha: 04/10/2021
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    Sus obras dialogan con la potencia de la hermandad pero se desarrollaron de manera independiente. Tienen temas en común, intensidad del mismo calibre pero enfrentamientos y posiciones contrarias: Joel es un fotógrafo excéntrico y pasional, Jerome un pintor de bajo perfil, mucho más reflexivo y solemne. Algo de todo ese espíritu cortado entre ellos captura el documental de Trisha Ziff, que se proyecta por estos días en Proa, al tiempo que exhibe algunas imágenes del fotógrafo en La Suite, una exhibición de obras actuales de la FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo). Dos artistas que bucean en el horror humano y, en el caso de Joel, un interés por la diversidad de los cuerpos e identidades como pocas veces se ha visto retratada.


    Joel Witkin con La Bogue, que posó para él en distintas ocasiones durante más de 25 años.
    Joel Witkin con La Bogue, que posó para él en distintas ocasiones durante más de 25 años.

    “Amo a los no amados” dice Joel al principio de la película dedicada a él y a su hermano gemelo, el pintor Jerome Witkin. Y son las imágenes las que corroboran lo dicho con otra potencia, un lenguaje visual cargado de simbolismos y citas a la historia del arte. Una historia que marginó a ciertos cuerpos (los gordos, los enfermos, los desviados) y elevó a otros a la categoría de elegidos, celestiales. 

     

    Witkin, “el David Lynch de la fotografía”, como lo llama la prensa intentando clasificarlo, tiene una historia tan compleja como sus imágenes: la de su genealogía como artista, que se labró en espejo con la de su hermano. El documental de Trisha Ziff intenta captar ese big bang de ambos como hombres que consagraron sus vidas a la creación (el 13 de septiembre, día en que SOY accedió a una entrevista con la directora, ellos cumplían 82 años) y es a través del relato de distintas mujeres que los conocen que puede comprenderse algo de la complejidad de esta hermandad, a veces enfrentada, a veces actuando en una danza silenciosa que se conmueve frente a los mismos horrores (la decrepitud, la muerte, la violencia y la belleza cuando se activan al mismo tiempo).

    Es la hermana de los gemelos la que narra la infancia: ellos hacían todo juntos, uno empezaba una frase y el otro la terminaba, los vestían igual… Allá por los cincuenta en Brooklyn, el padre se fue y los tres se criaron con su madre y su abuela en una familia de clase trabajadora. Estaban todo el día en la calle. Es muy impresionante ver cómo cada uno da su testimonio desmintiendo un poco al otro. Joel dice que la pierna de su abuela había hecho una gangrena y que del olor que emanaba está hecho un recuerdo demasiado vivo como para ignorarlo y Sara, su hermana, afirma que esa gangrena nunca ocurrió. Ella cree que Joel exagera y Joel está tan compenetrado en su relato que no le importa nada lo que se diga de él o su historia. 

    Pero algo de su entorno absorbió: fue su hermano gemelo Jerome el que empezó a dibujar y quiso estudiar arte. El estaba más perdido en la adolescencia hasta que decidió alistarse como fotógrafo del ejército, fue a la guerra de Vietnam en 1961 y ya volvió siendo otro. Estudió escultura en Cooper Union y obtuvo la maestría de Bellas Artes en la Universidad de Nuevo México. Jerome estudió en la Escuela de Pintura y Escultura de Showegan, en Berlín, es un pintor y profesor muy respetado pero con otra impronta que su gemelo: más clásico, más formal, más contenido en sus emociones. Vive en Siracuse con su esposa y hace décadas que lo representa la misma galería de Los Angeles.


    El afiche de Witkin & Witkin

     

    Las fotos de Joel, entre Mapplethorpe y Arbus

    Las fotografías de Joel son puestas en escena complejas, con reminiscencias a Diane Arbus por los personajes elegidos (toda la galería de “monstruosidades” salidas del circo de la época) pero además una re elaboración de ciertas obras icónicas del arte occidental como Las meninas de Velázquez, en clave grotesca bajo la dirección de Joel. El trabajo de observación del cuerpo, vivo o muerto, le otorgó a Witkin la fama, con un nombre de la talla de Mapplethorpe y una cotización de altura (de hecho, su colector más fanática también da testimonio en la peli y confiesa que su hermana tapa las fotografías de Witkin cada vez que va a su casa porque la incomodan). Witkin es además famoso por trashear los negativos de sus obras y conseguir paletas, texturas y terminaciones únicas e irrepetibles.

    Son célebres muchas de sus fotos (las dos cabezas de viejos besándose, la recreación de La balsa de la Medusa de Théodoro Géricault o el torso mutilado que descansa como una Venus de Milo pero mostrando las vísceras). Ese fanatismo por aquello que está corrido de la norma lo llevó a un trabajo minucioso con la actriz y performer mexicana Alejandra Bogue, más conocida como La Bogue, a quien fotografió a lo largo de 25 años. “Yo trabajaba como host de un lugar para artistas bohemios en 1990. Adolfo Pérez Butron me dijo que andaba un fotógrafo buscando una chica con mis características. Y yo pensé “pero que me paguen”. Yo pensaba que se pagaba millones de dólares un trabajo así, pero no: el hombre te pagaba con una foto. Entonces me dio 150 dólares. “Lamento mucho señor Witkin pero yo necesito llevar plata a mi casa” le dije. A él le dijeron “hay otras mas guapas” pero él dijo “no, quiero a ésta”, cuenta La Boche en “Tres veces Witkin", un docu breve que puede verse en YouTube, donde también hay imágenes de la muestra en el Museo de Cuatro Caminos, en el DF mexicano, donde converge la narración de la película de Trisha Ziff. 

     

    Trisha Ziff y su obsesión por los Witkin

    "Yo era amiga de Joel, lo fui durante años. No sabía que tenía un hermano gemelo, él no lo nombraba nunca. Un día fui a una exhibición de arte en Los Angeles y vi una obra de Jerome. Y eso disparó mi obsesión: me compré el cuadro. También tengo una foto de Joel en otra pared, y empecé a ver la relación entre las dos. Hasta que un dia alguien me dijo “Sí, Joel tiene un gemelo idéntico y es pintor” y desde entonces tuve la idea de hacer una pelicula con los dos. Mi fantasía estaba en el diálogo entre sus obras, las conversaciones entre sus obras en mi sala. Mucha gente que los conoce a ambos me decía "no va a ser posible, Joel no va a querer hablar con su hermano". Primero yo fui a Siracuse, en el estado de Nueva York, y le propuse a Jerome participar en una peli con su hermano, en el 2016. Era algo para hablar personalmente, no por correo. Y después le pregunté a Joel. Y dijo que sí. Y el gancho para los dos era una exhibición juntos en México" cuenta a SOY Trisha Ziff, que trabajó durante cinco años en el film.

    ¿Y qué dijo Joel? El es el más reticente a hablar con el hermano...

    --Los dos aceptaron, pero después yo tuve el problema de buscar el museo para la exhibición (risas) que no era para nada simple porque las obras de Jerome son enormes y cuesta una fortuna trasladarlas. El Museo Cuatro Caminos me ayudó con el proyecto. Y también hay un libro. Entonces yo trabajé en las tres cosas: fui la curadora de la exhibición, hice la pelicula y también el libro. Para mí el libro influenció mucho a la peli, es casi un guión. Y mi idea para el libro era ese círculo donde ellos caminaban y las mujeres, porque sin todas las mujeres que los ayudaron a hacer su obra ellos no funcionan. Las esposas de los dos, la asistente de Joel, la colector, son todas personas claves para ellos. Yo soy directora mujer y feminista pero la mayoría de mis películas son sobre hombres grandes, hombres muy difíciles, complicados, y ¿por qué? bueno yo creo que por mi relación muy complicada con mi papá.

    ¿Cómo dialogaban esas obras en tu living?

    --Pienso que los temas del arte de los dos tienen paralelos y ojalá eso se vea en la película. La historia de los dos, crecer en la misma casa, con su madre y su abuela… Al principio son muy similares y después se mueven en muy diferentes direcciones. Y ahora uno vive en la nieve, en el norte y el frío, y el otro en el desierto de Nuevo México, en el calor. Son completamente ying and yang. En su cumpleaños 75, yo fui con un cineasta a la fiesta, pero en el medio ellos se peleron y no se hablaron por uno o dos años. 

    Una de las cosas más impactantes del documental es que ellos no se hablan nunca.

    --Una de las mayores influencias de mi vida es Samuel Beckett. Cuando yo estaba en el colegio de arte en Londres me obsesioné con él, es crudo, pero este es mi pequeño homenaje. Por eso puse a los dos vestidos de negro, solo se les ve la cara… Ellos nunca hablan en la película, es cierto, solo interactúan cuando entran al museo, y en eso yo fui muy estricta: ninguno tuvo la posibilidad de entrar antes al espacio y vinieron vestidos de negro que fue lo que les pedí. Ese fue mi único momento de absolut control de la película (risas). Lo hice con cuatro cámaras en diferentes lugares del espacio. Quería ver qué hacían ellos, si caminaban juntos o separados, y lo que hacen finalmente es revelador de su modo de comunicarse. Cada pieza se relaciona con otra de ellos.

    ¿Es verdad que en una proyección de la película en la que estuvieron los dos te pasaste mirando a cada punta de la sala para ver qué caras ponían?

    --Sí (risas). Hubo un festival de cine de Los Cabos que los invitó a los dos, y ellos se sentaron en diferentes partes de la sala. Yo estaba en el medio y ni miré la pelicula, solo los miraba a ellos. Estaba súper nerviosa. La película es muy honesta sobre la relación de los dos, ellos dijeron cosas más duras pero yo decidí no incluirlas. No es mi trabajo ensanchar la tensión entre ellos entonces fui cuidadosa. Los dos respetan la película.

    ¿Seguís siendo amiga de Joel?

    --Sí. Ahora mismo él está teniendo muchos problemas con su memoria. La película le da una oportunidad para recordar quién es, para saber su historia. Imaginate que toda la gente que tiene Alzheimer o problemas con su memoria tiene la posibilidad de ver una peli sobre su vida. Los dos tienen problemas con la memoria y es lógico porque los dos tienen identico ADN.


    Trisha Ziff: la directora inglesa vive en México y esta es cuarta película.

    ¿Los dos siguen creando?

    --Jerome sí pero Joel no. Cuando yo fui a esta proyección, mi último viaje antes de la pandemia (en enero de 2020) él me dijo “esta es mi última obra”. Las imagenes de Joel son teatro, mucho más complicadas de construir que el arte de Jerome, que es él frente a la pintura.

    Da la impresión que Joel tiene más recelo para comunicarse con su hermano pero aún estando alejados dialogan a través de sus obras. ¿Es así?

    --Fueron a la misma escuela, usaban ropa idéntica. La separación de los dos es cuando Joel está en el ejército y Jerome no. Joel cuando regresa va a la misma escuela de arte. El arte de Joel se vende a precios muy altos y Jerome es profesor de la universidad por más de cuarenta años. Es la rivalidad entre los dos. Y la arrogancia de Joel. No es un carácter fácil, pero al mismo tiempo él tiene un corazón enorme. Es complejo: Joel tuvo exhibiciones en todo el mundo, galeristas, colectors, y Jerome tiene la misma galería de toda la vida en Los Angeles. Son hombres competitivos. 

    Y los dos tienen un paralelo en sus vidas: la pérdida de alguien muy cercano y muy importante que además se ve en la película como un proceso doloroso, incluso con el testimonio de la viuda de Joel que finalmente muere...

    --Ella estaba en un momento de mucha fragilidad. Ella tiene su voz en la película, era mi amiga. Ahora Joel vive con Cinthia, su primera esposa, que no quiso participar. La de los dos son tragedias en la vida. Joel perdió a su esposa, Jerome perdió a su único hijo. Esta es una película independiente pero, creo yo, muy importante, y cuando la critican o dicen "no tiene suficiente arte", yo digo "no es sobre arte, es sobre estos hermanos, que son varones grandes y complejos, con vidas apasionantes que han dejado, cada uno a su manera, un legado".


    Jerome Witkin

    Witkin & Witkin va a proyectarse este sábado 2 de octubre a las 16 y a las 18 horas y el sábado 9 en los mismos horarios en Fundación Proa



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  • Título: Los Witkin: dos hermanos, dos destinos
    Autor: LAURA FEINSILBER
    Fecha: 04/10/2021
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    Los famosos gemelos de Brooklyn no solo difieren en sus prácticas artísticas sino que no se hablan desde hace años.

    Joel Witkin. Un arte perturbador

    Joel Witkin. Un arte perturbador, a diferencia de las expresiones más clásicas de su hermano gemelo, Jerome.



    Por Laura Feinsilber

    Fundación Proa junto al Instituto Francés en la Argentina proyectarán la película de Trisha Ziff sobre los artistas gemelos Jerome y Joel-Peter Witkin. Este último integra la muestra La Suite organizada por la FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo) y es la primera vez que se exhibe en el país un conjunto de obras de este destacado fotógrafo. En 1995 hubo una extraordinaria y provocativa muestra en el Museo Guggenheim neoyorkino, organizada por el historiador y crítico de arte italiano, Germano Celant (1940-2020) que acuñó el término Arte Povera.

    ¿Quiénes son los Witkins? Nacidos en Brooklyn en 1939, su padre judío y madre católica marcaron sus infancias. Jerome estudió Arte en la Escuela de Escultura y Pintura en Berlín, es un pintor reflexivo y formal, sus temas son el Holocausto, las escenas del 11/9; sus retratos tienen una gran agudeza psicológica. Vive con su esposa en Siracusa. Es profesor y lo representa desde hace 40 años la misma galería de Los Angeles. En cuanto a Joel-Peter, las creencias religiosas maternas con santos, mártires, madonas y crucifixiones, son centrales en su obra. Como hijo gemelo, dio gran importancia a la dualidad, de allí que transexuales, hermafroditas, mellizos, siameses aparecen en sus fotografías. La muerte y la degradación del cuerpo humano son temas recurrentes ya que estuvo en Vietnam como reportero gráfico y registró los horrores por él vividos.

     

    Otros de sus temas es la apropiación de maestros del Renacimiento, fotógrafos del siglo XIX y los modernistas del XX. Ha combinado la naturaleza muerta con cadáveres, miembros mutilados, calaveras, convirtiéndolas en imágenes macabras que provocan conmoción en el espectador. Witkin desmitifica tabúes, lo escatológico, lo apocalíptico y hasta se llegó a considerar su obra como pornográfica pero el submundo descripto roza lo místico y lo religioso, convirtiéndose así en una obra estética y emocionalmente poderosa.

    Trisha Ziff (Yorkshire, Reino Unido, 1956), cineasta, comisaria artística, becaria Guggenheim, ha expuesto su obra en el Victoria & Albert Museum (Londres), centros especializados estadounidenses y en México, D.F. Conocida por sus películas “Chevolution” (2008), “La maleta mexicana” (2011), “El hombre que vio demasiado” (2015), tardó cinco años en realizar “Witkin & Witkin” (2017) ya que quiso hacer esta película sobre dos seres que tomaron caminos diferentes, no se hablan desde hace años y finalmente aceptaron participar. “Mi fantasía estaba en el diálogo entre sus obras y, generalmente, mis películas son sobre hombres complicados, quizás a causa de la relación con mi padre”, confiesa Ziff. “No quise hacer el retrato de dos artistas sino la relación entre dos hermanos gemelos, su tensión y desarrollo creativo. Una rivalidad entre dos hermanos que comparten cada gen de su cuerpo con otro ser humano”.

     

    Gran importancia tienen las mujeres, entre ellas, sus asistentes, colaboradores, coleccionistas y es la hermana, Sara Jane, la que narra su infancia y la crianza a cargo de su madre y su abuela. La próxima exhibición está programada para el sábado 9 a las 16 y 18 (Av. Pedro de Mendoza 1929).



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  • Título: "Witkin & Witkin" de Trisha Ziff en ProaCine
    Autor:
    Fecha: 29/09/2021
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    Fundación Proa junto al Instituto francés en Argentina, estrena por primera vez en nuestro país "Witkin & Witkin" (2017), de la realizadora Trisha Ziff. Las funciones serán en el auditorio de Av. Pedro de Mendoza 1929 los sábados 2 y 9 de octubre 2021, a las 16 y a las 18, con aforo limitado del 40 por ciento.

    "Witkin & Witkin" de Trisha Ziff en ProaCine
     AGENDA
    Miércoles 29 de septiembre de 2021

    El film retoma un proyecto que investiga sobre la dualidad, sobre la duplicidad humana, en este caso en los gemelos americanos Witkin: “Joel-Peter Witkin es un fotógrafo muy conocido y desde hace muchos años sigo su trabajo. Su hermano, Jerome es un poco menos famoso, pero tiene una obra muy interesante. Ambos me parecen un caso curioso porque a pesar de que son familia, ninguno habla del otro. Desarrollaron una carrera paralela pero independiente. Al planear el documental me negué a hacer el simple retrato de dos artistas. Quería contar, además, la historia de la relación entre dos hermanos gemelos incluyendo su tensión y desarrollo creativo”.

     

    Una especial historia familiar hizo que cada uno de los gemelos tomara caminos diferentes, evitando el encuentro y contacto. Joel-Peter Witkin tiene la virtud de crear escenas para sus fotografías con citas a la historia del arte habitadas por personajes provocativos, enanos, personas con deformidades, personas que atentan contra el llamado canon de la belleza. Sus fotografías ponen al descubierto un mundo marginado con una maestría y creatividad sorprendentes.

     

    Su hermano Jerome Witkin dibujante y pintor es reconocido entre los artistas por sus obras sobre escenas apocalípticas del 11/9, o el Holocausto, mostrando el horror. Su agudeza psicológica en los retratos permite asociarlo con grandes pintores contemporáneos.

    Witkin y Witkin: un fotógrafo y un pintor (2017), explora los mundos internos de los dos hermanos gemelos, sus procesos artísticos, sus obras, sus posturas estéticas, los rumbos que han tomado a lo largo de sus vidas, así como los paralelos y las resonancias de sus trabajos, y las maneras en que se han distanciado como artistas y como familia para reflexionar, cada uno por su cuenta, sobre la existencia y la creación. 

     

    Mediante una serie de entrevistas, la directora británica Trisha Ziff, “reconstruye el mundo familiar gracias al aporte de testigos y protagonistas como su hermana Sara Jane, amigos, asistentes, colaboradores y coleccionistas. El film desentierra las tensiones insidiosas que forzaron su relación hasta casi disolverla, una especie de rivalidad entre viejos hermanos, aumentada por la condición surrealista de compartir cada gen de su cuerpo con otro ser humano”. 

    En ocasión de la presencia de un núcleo destacado de obras de Joel-Peter Witkin en La Suite exhibida actualmente en Proa hasta noviembre de 2021, se proyecta este documental para ampliar los estudios sobre el arte contemporáneo. El ciclo de cine, proyectará también durante la segunda quincena de octubre el film Las Indias Galantes de Philippe Béziat (2021).

     

    De esta manera Fundación Proa, el Instituto francés en Argentina y Platform, Francia colaboran en la difusión de eventos destacados en el ámbito artístico.



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  • Título: PROA Cine proyecta Witkin & Witkin, de la directora inglesa Trisha Ziff
    Autor:
    Fecha: 29/09/2021
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    Las funciones serán en el auditorio de Av. Pedro de Mendoza 1929 los sábados 2 y 9 de octubre 2021, a las 16 y a las 18, con aforo limitado del 40 por ciento.


    Fundación Proa junto al Instituto francés en Argentina, estrena en Buenos Aires Witkin & Witkin, de la realizadora Trisha Ziff. El film retoma un proyecto que investiga sobre la dualidad, sobre la duplicidad humana, en este caso en los gemelos americanos Witkin: “Joel-Peter Witkin es un fotógrafo muy conocido y desde hace muchos años sigo su trabajo. Su hermano, Jerome es un poco menos famoso, pero tiene una obra muy interesante. Ambos me parecen un caso curioso porque a pesar de que son familia, ninguno habla del otro. Desarrollaron una carrera paralela pero independiente. Al planear el documental me negué a hacer el simple retrato de dos artistas. Quería contar, además, la historia de la relación entre dos hermanos gemelos incluyendo su tensión y desarrollo creativo”.

    Una especial historia familiar hizo que cada uno de los gemelos tomara caminos diferentes, evitando el encuentro y contacto. Joel-Peter Witkin tiene la virtud de crear escenas para sus fotografías con citas a la historia del arte habitadas por personajes provocativos, enanos, personas con deformidades, personas que atentan contra el llamado canon de la belleza. Sus fotografías ponen al descubierto un mundo marginado con una maestría y creatividad sorprendentes.

    Su hermano Jerome Witkin dibujante y pintor es reconocido entre los artistas por sus obras sobre escenas apocalípticas del 11/9, o el Holocausto, mostrando el horror. Su agudeza psicológica en los retratos permite asociarlo con grandes pintores contemporáneos.

    Witkin y Witkin: un fotógrafo y un pintor (2017) explora los mundos internos de los dos hermanos gemelos, sus procesos artísticos, sus obras, sus posturas estéticas, los rumbos que han tomado a lo largo de sus vidas, así como los paralelos y las resonancias de sus trabajos, y las maneras en que se han distanciado como artistas y como familia para reflexionar, cada uno por su cuenta, sobre la existencia y la creación.

    Mediante una serie de entrevistas, la directora británica Trisha Ziff, “reconstruye el mundo familiar gracias al aporte de testigos y protagonistas como su hermana Sara Jane, amigos, asistentes, colaboradores y coleccionistas. El film desentierra las tensiones insidiosas que forzaron su relación hasta casi disolverla, una especie de rivalidad entre viejos hermanos, aumentada por la condición surrealista de compartir cada gen de su cuerpo con otro ser humano”.

    En ocasión de la presencia de un núcleo destacado de obras de Joel-Peter Witkin en La Suite exhibida actualmente en Proa hasta noviembre de 2021, se proyecta este documental para ampliar los estudios sobre el arte contemporáneo. El ciclo de cine proyectará también durante la segunda quincena de octubre el film Las Indias Galantes de Philippe Béziat (2021).


    Las entradas -cuestan 150 pesos- se reservan aquí


    Ficha técnica y artística

    Título Original: WITKIN & WITKIN
    Idioma Subtítulos / Subtitles availables: Inglés, Castellano Duración: 93 min
    Color: Color & Black and White
    Género: Documental
    Mes y Año de Producción: Abril 2018
    País de producción: México, Estados Unidos
    Locaciones: Ciudad de México, Nueva York, Siracusa, Albuquerque Protagonistas: Joel- Peter Witkin, Jerome Witkin, Sarah Jane Witkin, Película website: witkinandwitkin.com
    Directora: Trisha Ziff
    Producción: Trisha Ziff, Isabel del Río, Luis Arenas
    Producción ejecutiva: Simón Bross, Beto Bross, Kevin Iwashina, Victor Leyceguí, Paul O’ Shea, Jake Scott, Pablo Zimbrón
    Producción asociada: Tula Goenka y Barbara R. Palmer
    Director fotografía: Felipe Pérez Burchard, Claudio Rocha
    Editor: Jorge Márquez
    Música: Jacobo Lieberman
    Producción musical: Leonardo Heiblum
    Diseño de sonido: Pablo Lach
    Post producción: Santiago Perez Rocha
    Co producción: Astro Estudios, Nobody, Artkingdom, ShedSupport from: Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción Cinematográfica Nacional- EFICINE-Producción 189. Sabormex e Isuzu

     

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  • Título: Una obra sonora para cada sala: La Suite
    Autor: Pilar Altilio
    Fecha: 27/09/2021
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    Una obra sonora para cada sala: La Suite
    Por Pilar Altilio
    Una obra sonora para cada sala: La Suite

    Buceando en la colección de los FRAC (Fonds régionaux d’art contemporain, France), dos curadores singulares montan, en Fundación Proa, una selección con mirada propia sobre un patrimonio de más de treinta mil obras.

     

    Dos curadores, Sigismond de Vajay (París, 1972) y Juan Sorrentino (Buenos Aires, 1978), trabajaron durante la pandemia en adaptar el proyecto inicial de construir un circuito con obras de la magnífica colección FRAC, iniciativa que destina fondos regionales para la adquisición de obras. Usando una clasificación que distingue sonidos percutidos de otros más graves, melodías o ritmos con cuencos, música minimalista o la voz humana entre otras situaciones, donde el sonido articula la obra y es posible asistir a la experiencia sonora en el espacio donde se trasmite. Si bien dicho fondo ha comenzado recientemente a incorporar artistas latinoamericanos, ambos curadores decidieron que La Suite esté conformada por obras de la colección junto a otros artistas con los que tuvieron un diálogo directo, que autorizaron las reproducciones o que presentaron nuevos proyectos. Sucedió que tuvieron que adecuar el plan inicial, y el tiempo de espera introdujo una práctica extendida que se vale de instrucciones para reproducir una obra en forma remota; en algunos casos, se trata de una versión y, en otros, una adaptación, ya que algunos medios han cambiado.

     

    Peter Kogler

     

    Por primera vez, una obra ploteada y diseñada especialmente para el espacio ocupa el hall de acceso. Se trata de la obra de Peter Kogler, una trama que parece tensarse y aglutinarse ascendiendo por la escalera y creando ritmos visuales donde el movimiento recupera gráficamente la vibración espacial del sonido, que los dos curadores intentan señalar como una pieza «sonoro-silente». La primera sala incorpora la idea de rueda y el pulso. Los artistas Vincent Ganivet con Rueda, 2005-2021, y Roman Signer, Dos barriles, 2021, usan materiales industriales y sistemas constructivos ancestrales, asociándolos a un sentido de tensión y equilibrio, ambos construidos como versiones. Separada por una pared, el video de la conceptualista italiana Monica Bonvicini con Hammering Out [Martilleando (un viejo argumento)], 1998, produce un sonido hipnótico donde el pulso de un martillazo contra una pared blanca va dejando ver el muro de ladrillos. En la segunda sala, hay varias obras que son notables. Una de ellas es el video Clément Cogitore Les Indes galantes (Las Indias galantes), 2017, una disrupción interesante donde la música es una ópera-ballet francesa de 1735 danzada con gestualidad contemporánea por bailarines callejeros krump. Separada por su contenido sensible, se puede visitar una selección del fotógrafo Joel-Peter Witkin, quien reconstruye escenas mitológicas de la historia del arte cuestionando el canon estético a partir de hermafroditas, transgénero y cuerpos reales, algunos mutilados. Este artista fue bombero y fotógrafo bélico durante la Guerra de Vietnam y como se escuchó en la clase especial por el Día de la Fotografía —uno de los encuentros virtuales programados en relación a La Suite—: «La luz de Witkin ilumina espacios generalmente destinados a la oscuridad».

     

     

    Joel-Peter Witkin

     

    Los videos de Lotty Rosenfeld, Una milla de cruces sobre el pavimento, 1979, Gordon Matta-Clark, Day’s End (El final del día), 1975, y Joan Jonas, Wind (Viento), 1968, recuperan al cuerpo señalando acciones de resistencia y actividad. En el descanso de la escalera muy bien instalada en grandes dimensiones está la obra del finlandés Arno Rafael Minkkinen, Beach Pond, Connecticut, 1974-2021, un remanso de gran belleza que juega con la cercanía del Riachuelo a través de la ventana, y a medida que se asciende al segundo piso, se pasa de los pies a las manos entrelazadas de dos edades muy diferentes.

     

    Arno Rafael Minkkinen. Beach Pond, Connecticut, 1974_2021

     

    La serie Interiores tiene un juego de sutiles contrastes, conjuga las tres pinturas de Víctor Florido de modulaciones acromáticas sobre el plano junto a la instalación de blanco sobre blanco de Vincent Lamouroux, AR.07, 2008-2021, una instalación de formas geométricas tridimensionales en equilibrio inestable. Y Carsten Nicolai, Wellenwanne (Canal de olas), 2001-2003, es una pieza sonora donde una bandeja de aluminio recibe las vibraciones del sonido por debajo y crea los característicos círculos de las ondas expansivas.

     

    Laurent Perbos Souches, 2009_21 (Tocón de árbol) © Laurent Perbos

     

    La última sala tiene versiones sobre el paisaje y sus derivas. Dos artistas francesas fueron invitadas a participar, una es Pauline Fondevile, con 13 lunas en el Riachuelo, 2021, un mural surrealista con letras de canciones populares, una noche estrellada y criaturas nocturnas, que cubre de negro la pared, símbolo de la polución. La escultura de Laurent Perbos, Souches (Tocones de árbol), 2009-2021, que plantea una naturaleza artificial y arruinada, hecha con mangueras de colores que simulan un bosque talado. Céleste Boursier-Mougenot, Sin título, Series IV-1,2,3, 2000-2021, una instalación donde cada cuenco tiene una nota específica que se consigue en el taller de cerámica al girar mediante un motor, que producen sonidos aleatorios. Una invitación a verlo todo con detenimiento, hasta noviembre.

     

    Céleste Boursier-Mougenot, Sin título, serie IV-1,2 & 3, 2000 Collection 49 Nord 6 Est – Frac lorraine, Metz (FR) Photo_Frac Lorraine © C. Boursier-Mougenot

     

    La Suite
    Preludio, Pulso, Scherzo, Andante y Coda
    Fundación Proa, Av. Don Pedro de Mendoza 1929, La Boca CABA
    Hasta noviembre



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  • Título: La suite, una muestra que indaga sobre el porvenir
    Autor: Marcelo Paraj
    Fecha: 27/09/2021
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    Con creaciones de casi 30 artistas, "La suite" reúne obras pertenecientes a las colecciones de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia. El desafío de montar una exposición internacional en medio de la incertidumbre.
    Fundación Proa. La suite
    La Suite en Fundación Proa | FUNDACIÓN PROA
     

    La Fundación Proa presenta "La Suite", una muestra colectiva e interdisciplinaria que reúne un conjunto de obras de artistas que forman parte de las colecciones FRAC (Fonds régionaux d'art contemporain) de Francia, con la curaduría de los artistas Sigismond de Vajay (París, 1972) y Juan Sorrentino (Buenos Aires, 1978).

    La muestra comenzó a gestarse en 2019 y si bien las líneas de trabajo siempre han sido la sonoridad de las obras, el círculo y el cuerpo, otros ejes debieron ser dejados de lado a partir de las restricciones que surgieron como consecuencia de la pandemia que afectó el normal desenvolvimiento de todas las actividades alrededor del mundo.

    El nombre de la exposición hace una primera referencia a esa composición musical constituida por varios movimientos que forman una sucesión de piezas, la "suite". Y esa palabra del idioma francés puede traducirse al español de manera literal como "sucesión", "secuencia" o "continuación", entre otras posibles lecturas, según el contexto en que se utiliza. Esto nos da una segunda idea sobre el diseño expositivo.

    Fundación Proa.
    El frente de Fundación Proa fue intervenido en el marco de la muestra.

    "Hemos imaginado un conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite, compuesta de varias piezas que están, lógicamente, relacionadas con la música, pero también con la experiencia, el espacio y con la idea del porvenir", explicaron los curadores sobre la muestra.

    La idea de una incertidumbre sobre la forma en que continuarán nuestras vidas está presente en la muestra. De Vajay y Sorrentino reconocen que debieron adaptarse para sortear los desafíos planteados por el contexto. 

    La mayoría de las obras que se exhiben se produjeron en Buenos Aires en base a las instrucciones precisas y la supervisión de los distintos artistas. 

    Fundación Proa. La Suite.
    Arno Rafael Mikinnen With Red Xinyu, Along the Li River, Guilin, China, 2016/2021 (Con Red Xinyu, junto al río Li, Guilin, China)
    Impresión digital 178 x 267 cm Cortesía del artista © Arno Rafael Minkkinen

    Esta práctica no es una novedad en el arte contemporáneo, y los curadores encuentran aún la ventaja de reinterpretar y adaptar las obras al espacio de Proa y a los medios y materiales locales. 

    El visitante recibe el impacto de la muestra desde la recepción de Fundación Proa, donde el espacio fue intervenido por una obra de Peter Kogler -diseñada especialmente sobre los planos que le fueron enviados- que parece borrar los límites entre el cielorraso, el piso y las paredes y convierte un "no lugar", un lugar de tránsito, en un escenario en que se pierde la relación entre fondo y figura.

    En la primera sala (Pulso) se exponen tres obras en las que la tensión, el equilibrio, la construcción y la destrucción están presentes en cada una y en la interacción de todas ellas.

    La Suite. Fundación Proa
    Vincent Ganivet. Roue, 2005/21 (Rueda)

    “La roue”, del artista Vincent Ganivet, es una estructura autoportante construida con ladrillos de hormigón que se mantiene en equilibrio sin utilizar otro material que unas cuñas de madera para dar forma a una rueda.

    En el video de Mónica Bonvicini la artista intenta demoler una pared. La mano de mujer es la que empuña el martillo, el revoque cae poco a poco y los ladrillos aparecen debajo, aunque nunca se llega a ver qué hay al otro lado. Los mazazos son un latido que invade el espacio. El deseo y la acción de tirar un muro llevada a cabo por una mujer no deja de tener un evidente contenido político.

    Por su parte, en la obra de Roman Signer dos barriles parecen estar a punto de rodar por sendos planos inclinados que no son otra cosa que una mesa cortada al medio. Violencia, destrucción y tensión forman parte de la pieza. 

    La segunda sala (Scherzo) está relacionada con el cuerpo y el tema está enfocado desde las miradas particulares de artistas de distintas épocas y lugares diferentes. 

    Videos, fotografías e instalaciones proponen reflexionar sobre cánones estéticos (las fotografías de Joel Peter-Witkin muestran -con claras referencias a la historia del arte- personas mutiladas o con malformaciones e imágenes sórdidas con partes de cadáveres), prejuicios (el video de Clément Cogitore en que adapta un fragmento del balet "Les indes galantes" de Rameu con la participación de un grupo de bailarines de Krump), la ausencia (Tribuna Libre, de Séverine Hubard, es una construcción con cajones donde las gradas vacías pierden su sentido al no ser habitadas, o la obra de Shilpa Gupta en donde la voz es protagonista) o el devenir (la pieza de Michel Blazy que está en constante movimiento, en la cual una densa espuma fluye durante todo el día para desaparecer durante la noche). 

    La suite
    Séverine Hubard. Tribune libre, 2021 (Tribuna libre)

    La sala 3 (Andante) responde a una intención de quietud y calma, con el predominio de tonos claros. Los sentidos se mezclan en la obra de Carsten Nicolai donde el agua se mueve sobre una plancha de aluminio con las vibraciones de cuatro parlantes y proyecta una textura de reflejos y sombras sutiles sobre el fondo.

    Por su parte, la obra de Vincent Lamouroux, una pila de cubos blancos de diferentes tamaños que se entrelazan y donde unos se insertan en otros, invita a descubrir los relieves y contornos entre las sombras y luces que crean un paisaje abstracto.

    Con estas obras dialogan tres pinturas del artista argentino Víctor Florido que tienen por tema la memoria, la acumulación y la reconstrucción. 

    La suite. Fundación Proa
    Víctor Florido. Pasillo, 2017-2018

    La obra 'Ventilador' del mexicano Gabriel Orozco y los videos Blink, de Jennifer Douzenel y Dimanche, de Dennis Savary completan el conjunto de esta sala.

    En tanto, la cuarta sala (Paisaje reinterpretado) recibe al visitante con un bosque de árboles talados y mutilados construidos con mangueras de goma. Su creador, Laurent Perbos, señala a través del objeto que sirve para llevar el agua pero que en su obra está vacío (y utiliza, por otra parte, para construir un bosque artificial y seco), la crisis ambiental que se acentúa día a día y un futuro cada vez menos distópico que está a la vuelta de la esquina. 

    Fundación Proa - Suite
    Laurent Perbos. Souches, 2009/2021. (Tocones de árbol). 

    Frente al bosque, el mural de Pauline Fondevila representa un Riachuelo de color negro sobre el que vuelan pequeños veleros con mensajes tomados de canciones populares. Cerca del mural, una escultura realizada con un conjunto de diez fotografías tomadas en distintos puntos del mundo por el artista Patxi Bergé muestra las diferencias de tono en el color del cielo de acuerdo a las distintas latitudes.

    En el final, Céleste Boursier-Mougenot crea una instalación en la que, empujadas por el movimiento circular del agua, una serie de vasijas de porcelana se golpean entre sí y componen una pieza musical sin principio ni fin. 

    La suite. Fundación Proa
    Céleste Boursier-Mougenot. Sin título. Series IV-1,2,3, 2000/2021

    Otros espacios de Proa están intervenidos por la muestra, como el café, desde donde se ve La Dolce Utopía, de Maurizio Cattelan y  Phillippe Parreno, o los pasillos, donde videos de Christian Marclay y Elina Brotherus dan cuenta de los diferentes lenguajes que utilizan en la composición de sus obras.

    La muestra es una buena oportunidad para conocer obras de algunos artistas que por primera vez exponen en el país y las de otros que presentan trabajos que no fueron expuestos.

    En el marco de la exposición, a partir de octubre reabrirá el auditorio con la proyección de documentales sobre algunos de los artistas y sus trabajos.

    La muestra "La suite" se puede visitar hasta noviembre de 2021 en Fundación ProaAv. Pedro de Mendoza 1929 (a metros de Caminito, en el barrio de la Boca).  En vista de los protocolos vigentes para la prevención del CoVid-19, es necesario reservar entradas con anticipación a través de la página web.
     



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  • Título: La Suite en Celebracin de las musas
    Autor:
    Fecha: 24/09/2021
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    La Suite en Celebración de las musas

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  • Título: "La suite": megamuestra de Fundacin PROA
    Autor: Dolores Curia
    Fecha: 17/09/2021
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    El arte contemporáneo frente a la espera de una supuesta nueva normalidad
    "La suite": megamuestra de Fundación PROA
    Una suite es un conjunto de obras breves que forman un gran movimiento. En francés otra acepción de esa palabra es “lo que está por venir”. Ambas definiciones cuadran para hablar de esta exposición que expone una selección de obras sonoras, videoarte, instalaciones y fotografías pertenecientes a las colecciones FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), con curaduría de Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino. Aquí, un recorrido posible por la trayectoria de Mónica Bonvicini, Elina Brotherus y Joan Jonas, tres de las artistas de la megamuestra que ha copado todos los recovecos de Fundación PROA, con obras hasta en el baño.
    Dolores Curia
    Por Dolores Curia

    Elina Brotherus. La secuencia de la bahía negra, 2010, Video.
    Elina Brotherus. La secuencia de la bahía negra, 2010, Video.

    Mónica Bonvicini: demoliciones

    Los golpes se escuchan desde la entrada de la sala. “Martillando un viejo argumento” se llama la obra. ¿Qué comentario “de géneros” es posible a partir de una obra hecha con pilares de concreto, tubos de acero, ladrillos que caen? Es que los espacios que habitamos no son neutrales, parece querer proponer Mónica Bonvicini, artista italiana que participa de La Suite, la megamuestra de Fundación Proa que se podrá visitar hasta noviembre. El pulso de los martillazos, de esa pared que se cae por obra de los golpes de una mano que podría ser la de una mujer, proviene de un video en loop, realizado a fines de los noventa. Como todas las obras de esta sala, ésta también está atravesada por las nociones de tensión y de inestabilidad y, tal vez, haya recibido alguna inspiración gestada en los años en los que Bonvicini estudió en Berlín: entre 1986 y 1990.


     Monica Bonvicini, 1998.  Martilleando (un viejo argumento) © Bild-Kunst, Munich 

    Una de las obras de Bonvicini con mayor repercusión internacional, donde también el eje es una pared intervenida, fue “Creo en la piel de las cosas como en la de las mujeres”, de 1999. Se trata de un video cuyo título fue tomado de una cita de Le Corbusier. Bonavicini la ha descripto como un “análisis crítico de la arquitectura, sus códigos y representaciones, en términos de sexualidad”. Es un espacio hecho de cartón y yeso, en cuyas paredes aparecen citas de arquitectos famosos yuxtapuestos con caricaturas más o menos irrespetuosas de los grandes maestros del modernismo.

     

    El contraste, por un lado, entre los materiales “duros” -de la construcción, de un mundo asociado con la fuerza física y la masculinidad hegemónica- y, por otro, unas texturas más amables, colores pasteles y propuestas sensibles es una propuesta que atraviesa su obra. Ese cruce puede crear una escena graciosa como el que ocurre en “Prozac”: donde se puede leer el nombre de ese antidepresivo delineado con cadenas de acero niqueladas colgando de un árbol. O en “Flores del mal”: una estructura de hierro, una suerte de esqueleto metálico de árbol de Navidad, en el que los adornos son bolsitas rosas símil preservativos desechados.

    ¿Contra qué murallas se quiere inmolar Bonvicini? En entrevistas ha mencionado que sus obras configuran denuncias al mundo del arte, que en Italia, dice, sigue respondiendo al prototipo del genio y la musa, desde Miguel Ángel al más acá. En “Martillando un viejo argumento”, ese brazo fibroso y depilado que busca derribar un muro con un mazo, con todas las connotaciones políticas del caso, Bonvicini ofrece más indicios.

    “Desde la década de 1990, todas mis obras han tratado no sólo de reflejar y reconocer desequilibrios, sino, y sobre todo, de sabotear las estructuras que dirigen nuestra mirada y nuestra forma de pensar. Quiero desestabilizar las consideraciones anticuadas sobre la arquitectura, pero también aquellas en torno al poder y al género para demostrar cómo su imposición y control es en realidad algo arbitrario”. Eso ha declarado esta artista que entiende que la “arquitectura es a menudo la expresión de algo que se ha ocultado”. De todos modos, sus metáforas no se detienen en lo obvio, ni se limitan a lo que ella misma expone como las intenciones de obra: nunca se sabrá qué sucede, en este caso, del otro lado del muro, porque cuando el martillo está a punto de hacer el agujero que permite ver qué hay del otro lado, el video vuelve a empezar.

    Joan Jonas: despojos

    “No al espectáculo / No al virtuosismo / No a las transformaciones, a la magia y al hacer creer. / No al glamour y a la trascendencia de la imagen de la estrella. / No a lo heroico. / No a lo anti heroico. / No a la imaginería basura / No a la implicación del intérprete o del espectador. / No al estilo. / No al amaneramiento. / No a la seducción del espectador por las artimañas del intérprete. / No a la excentricidad. / No a conmover o ser conmovido”, decía el “Manifiesto del no” (1965), la declaración pública -purista, casi puritana- de principios artísticos del Judson Dance Theater, el movimiento newyorkino al que se considera propulsor de lo que hoy entendemos por danza contemporánea. Una de las artistas estadounidense de referencia de aquella ola, pionera de la performance y el videoarte, fue Joan Jonas. Ella es la autora de “Viento”, video que forma parte de La Suite, en una sala dedicada al cuerpo. “Viento” se proyecta mediante un televisor de tubo y no en un plasma, como sí sucede con otras obras vecinas. Esa fue una decisión curatorial para que los videos, que aquí componen un tríptico –junto a una obra de rumana Geta Brătescu y otra de la chilena Lotty Rosenfeld-, fueran vistos en el formato original en el que se empezó a mostrar el videoarte.

    Una de las obras más conocidas de Jonas es “Piezas de espejo”. Inspirada, según ha contado alguna vez, en la lectura de Jorge Luis Borges, la obra fue recreada entre 1968 y 1971. Es una coreografía en la que un grupo de intérpretes femeninas usan espejos para desdoblarse.​ A medida que avanzan los minutos, el espejo se va convirtiendo en un símbolo de una auto-mostración del cuerpo, y en un juego que desdibuja lo real frente a lo imaginario. A veces Jonas decidía agregar a esa coreografía un elemento de peligro o alguna propuesta de interacción con el público que lo volviera parte integral de la obra.


    Wind, 1968 (Viento). Video.

    En “Viento” se puede ver la playa nevada de Long Island. Ese es el escenario que eligió para filmar a una serie de figuras -humanas: intérpretes, que además eran sus amigxs- que realizan movimientos luchando contra el clima. Coherente con la corriente artística en la que Jonas se formó, que fundaba su razón de ser en la oposición al artificio en el arte, la seducción y lo presuntuoso, “Viento” es una escena de despojo. Al igual que en la obra de la italiana Mónica Bonvicini, “Viento”, a su modo, es el registro de una lucha cuerpo y cuerpo, más o menos coreografiada de antemano, de un deseo de avanzar en contra, en este caso, un fenómeno natural.

    Elina Brotherus: inmersiones

    The Black Bay Sequence (La secuencia de la bahía negra)” se llama la película, la pieza de videoarte de la artista finlandesa Elina Brotherus seleccionada por los curadores de La Suite. El cuerpo desnudo de Brotherus, cuya piel da la sensación de tener los mismos tonos helados del paisaje, entra al agua. No importa la temperatura. La cámara está firme en la orilla, estratégicamente posicionada en el mismo punto día tras día, estación tras estación, como para poder captar la espalda de nadadora de Brothernus. La finlandesa hace de su rito cotidiano, entre el fitness y la espiritualidad, una obra de fuerte carácter autorreferencial. No es la primera vez. Suele trabajar con autorretratos y diferentes grados de exhibición de sus rutinas, ya sean imágenes tomadas en los vidrios empañados de su baño como la serie La anunciación, en la que documentó un tratamiento de inseminación artificial que no resultó.


    La secuencia de la bahía negra

     

    Brothernus explora las conexiones entre la imagen fija y la imagen en movimiento, y también la relación entre mostrase a unx mismx y mostrar lo que nos rodea. Una de sus hipótesis -a contrapelo de algunas de las definiciones más canónicas de la historia de arte- podría ser que, al fin y al cabo, retrato y paisaje no son temas tan antagónicos.

     

    Una de las preguntas que aparece con insistencia frente a esta obra es por qué le da la espalda a lxs espectadorxs. Ella responde con estas palabras: “El punto de vista frontal a menudo está demasiado cargado. Se tiene la sensación, para quien mira, de compromiso de tener que responder a la mirada. Mostrar la espalda para mí da como resultado una sensación de que se puede elegir: podemos estar juntos, o si lo deseamos, establecer una distancia. Me gustaría que el arte pudiera volver más atractiva esta perspectiva de la espalda que nos permite cierta quietud. Si pongo al personaje de espaldas, la atención se centra en el paisaje, que se ve en conjunto. Quien mira y el personaje de la fotografía comparten el mismo espacio pictórico. Es el de una contemplación compartida”.

    * Para visitar La suite se debe reservar lugar en proa.org.ar



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  • Título: Centenario de Raymond Williams, un poco de gimnasia editorial y un argentino brilla en Suiza
    Autor: March Mazzei
    Fecha: 15/09/2021
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    Beatriz Sarlo y Horacio Tarcus participan del homenaje a R. Williams

    Centenario: Raymond Williams, un siglo
     

    Más que un conjunto de objetos o una variedad de disciplinas, el concepto de cultura que acuñó Raymond Williams (Gales, 1921-1988) sigue ofreciendo claves y herramientas para pensar el mundo contemporáneo. Para el centenario de su nacimiento, la Fundación Williams invitó a organizaciones internacionales a crear materiales públicos para difundir su trabajo y relevancia. Beatriz Sarlo y Horacio Tarcus, lectores expertos en Williams, explican la recepción latinoamericana.

    A través de una convocatoria internacional, la institución que preserva el legado del autor de Cultura y sociedad y La larga revolución, creó en su página web la sección de “Explicadores”, que desde diversas perspectivas abordan sus ideas. En la sección están The Hand and the Map, un video animado sobre su mirada sobre comunidad, tecnología, comunicación y educación; otros dos sobre las participaciones del intelectual en la prensa escrita masiva y en los medios en general; polémicas en las que supo participar y un podcast con material del archivo familiar que incluye entrevistas con Stuart HallRichard Hoggart y Terry Eagleton, entre otros.

    Un capítulo especial está dedicado a Williams en América Latina, o cómo sus ideas llegaron a los intelectuales de la región, ávidos de herramientas para enfrentar los contextos dictatoriales. El ensayo gráfico (con formato de video podcast) está producido por la Fundación TyPA de Argentina, con testimonios de Tarcus, Sarlo y Víctor Vich, y la conducción de Américo Castilla, explora cómo las ideas de Williams encontraron sentido en contextos muy distintos a aquel en el que fueron originadas y cómo siguen siendo centrales hoy para pensar el rol de los espacios y agentes culturales para transformar las sociedades que nos toca vivir.

    “Que la cultura no es un concepto estable sino un territorio en disputa, esa idea que hoy nos parece ya casi del sentido común, es una de las que al inicio de los 60 cambiaron el campo de debate, y Williams propició”, dice Américo Castilla en la introducción del video, que se puede ver completo en el Youtube de TyPA.

    Feria de Editores, una referencia en gestión editorial independiente.

    Feria de Editores, una referencia en gestión editorial independiente.


    Ciclo online: Gimnasia editorial

    Una serie de seis encuentros virtuales con referentes de la industria editorial conforman el programa de apoyo a las ferias del libro organizado por el Ministerio de Cultura nacional.

    El ciclo de capacitación, que comenzó el primer miércoles del mes, continúa el 15 a las 17 con “Cómo organizar una feria”, a cargo de Victor Malumián (Feria de Editores), María Eugenia Jaldín y Rodolfo Pacheco (Feria del Libro de Jujuy). Mientras que el 22, gestores culturales compartirán sus “Experiencias de armado de cooperativas de trabajo”. El último debate virtual de septiembre será el miércoles 29, también a las 17. “Comunicación y promoción de libros” reunirá a Cecilia BonaSebastián Lidijover y Florencia Savarino y Cecilia Di Tirro de Leer Argentinos.

    Leonardo G. Alarcón: Brillando en Ginebra

    Uno que no para de aburrirse en Suiza... El domingo pasado, en diálogo con Radio Jai, el excepcional director de orquesta y compositor platense Leonardo García Alarcón anunció que será el flamante director de una sala en Ginebra. Cuando concluya la actual refacción, el espacio será llamado Théâtre de la Cité Bleue - Theatre de Musique, dedicado a géneros y teatro musicales de extensión breve, hasta una hora y media. En el estreno de apertura, en 2023, volverá a contar con la coreografía de Bintou Dembele, con quien el argentino ya trabajó en Las indias galantes. Fragmentos de esta ópera barroca de Jean-F. Rameau, montada en 2019 en el teatro de la Bastilla para celebrar los 350 años de la Ópera de París, pueden verse en Fundación Proa.

    Leonardo García Alarcón es considerado un referente del barroco.

    Leonardo García Alarcón es considerado un referente del barroco.

    Nacido en 1976, García Alarcón contó que no viene de una familia de melómanos sino que su vocación surgió en la juventud gracias a la discoteca Salvat de clásicos que su padre le compraba semanalmente. Partió a Europa en viaje de formación a fines de los 90 y se especializó en música barroca. En el 2000 y 2017, en el Teatro Colón dirigió Orfeo, de Monteverdi, y el estreno americano de Il Diluvio Universale, de Michelangelo Falvetti. García Alarcón no le teme a la música popular. Spotify ofrece singulares antologías de su Ensemble Cappella Mediterránea, con repertorioa de Joan Manuel Serrat y clásicos de Piazzolla-Ferrer.



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  • Título: MarinaOybin analiza la exposicin La Suite en Fundacin PROA
    Autor: Marina Oybin / Cristina Mucci
    Fecha: 15/09/2021
    Ver nota completa
    Ver nota original (Los 7 locos conducido por Cristina Mucci)

    Marina Oybin analiza la exposición La Suite en Fundación PROA
     

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  • Título: Columna sobre La Suite en "Lanata sin filtro"
    Autor: Gabriel Levinas
    Fecha: 10/09/2021
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    Ver nota original ( Lanata sin filtro en Radio Mitre)



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  • Título: La Suite
    Autor: Luca Sancineti
    Fecha: 19/08/2021
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    Ver nota original (Revista Otra Parte)

    “Cada participante explorará el entorno hasta hallar un lugar de escucha que tenga algo interesante para ser oído y permanecerá escuchando durante unos instantes”. Así comienza una de las instrucciones que Pauline Oliveros compila en Deep Listening. Entrar a La Suite plantea una situación de escucha similar. No porque el oído sea el único sentido involucrado, sino porque las salas de La Suite fueron orquestadas por sus curadores, los artistas Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino, como ejercicios de atención perceptual. Lo sonoro impulsa el recorrido, compone espacios y, fundamentalmente, habilita una forma de pensar y explorar el entorno.

    Esta muestra puede leerse como una composición musical en la que las distintas piezas se acoplan, generando una secuencia de movimientos breves, una danza. Las casi cuarenta obras seleccionadas de la colección FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo) muestran una variedad de nacionalidades, épocas y medios —instalación, site-specific, arte sonoro, video, video performance, escultura, fotografía y pintura—. Así, los curadores nos invitan a un recorrido impulsado por un ritmo por momentos casi imperceptible, por momentos vertiginoso. Transitar La Suite nos permite apreciar la intimidad entre sonido y espacio que rige la composición de cada sala.

    La primera de ellas nos sitúa en un espacio en tensión, donde lo que domina es el latido de un golpe invisible y las estructuras inestables de la enorme “Rueda” de ladrillos de Ganivet y “Dos barriles” de Signer, congelados en su caída. Muy pronto encontramos la fuente del pulso: los martillazos de la video-performance de Bonvicini, que nos empujan hacia la segunda sala. Aquí el espacio se pliega y repliega, y en los distintos recovecos nos encontramos con piezas cuyo foco son los cuerpos. Cuerpos que destruyen, sostienen, transitan, se recorren; los cuerpos que danzan y jadean de “Las indias galantes” (Cogitore), los cuerpos abyectos y luminosos de las fotografías de Witkin. Pero también el cuerpo ausente de “En nuestros tiempos” (Gupta), del que sólo quedan las voces que emergen de dos micrófonos en vaivén. Esta pieza reconfigura el dispositivo sonoro del micrófono y juega con el contrapunto de los discursos políticos de los dos líderes enfrentados luego de la partición de la India.

    El pasaje de esta sala oscura es hacia la claridad de un ágora que se genera en la tercera sala, donde nos rodean los destellos de los videos de Savary y Douzenel, las pinturas de Florido y los inmensos cubos de Lamouroux. Subyacen a esta calma las vibraciones del “Canal de olas”, de Nicolai, y el susurro de los ventiladores de Orozco. La última sala nos regala un extraño jardín regido por el paisaje sonoro que generan los cuencos del estanque de Boursier-Mougenot. Esta pieza hipnótica nos invita a habitar ese espacio, con un efecto de calidez y extrañeza similar a los nenúfares de Monet.

    Los núcleos de estas obras son las partituras/instrucciones enviadas por lxs artistas, para que el equipo de realización de Proa pudiera recrearlas con elementos del contexto local. Así, la composición total de la exhibición funciona como las obras de Oliveros y muchxs otrxs artistas de música contemporánea y arte sonoro, donde lxs intérpretes “deberán ponerse de acuerdo sobre la interpretación”. De esta manera, Fundación Proa no sólo sortea las complicaciones que implica el contexto actual para la movilidad de artistas y materiales, sino que también arriesga una pregunta acerca de la autoría en el arte contemporáneo. Como propone Kenneth Golsdmith en Escritura no-creativa, si hoy la primacía del artista se desdibuja, lo que aparece en primer plano es la noción de la obra como la materialización de un contrato social entre artistas, realizadores, instituciones, usuarixs, con los diálogos y tensiones que esto implica.

     

    Michel Blazy, Patxi Bergé, Monica Bonvicini, Céleste Boursier-Mougenot, Geta Brătescu, Elina Brotherus, Tom Burr, Clément Cogitore, Jennifer Douzenel, Sebastián Díaz Morales, Maurizio Cattelan, Philippe Parreno, Michel François, Víctor Florido, Pauline Fondevila, Vincent Ganivet, Shilpa Gupta, Séverine Hubard, Joan Jonas, Peter Kogler, Vincent Lamouroux, Christian Marclay, Gordon Matta-Clark, Arno Rafael Minkkinen, Carsten Nicolai, Gabriel Orozco, Laurent Perbos, Lotty Rosenfeld, Denis Savary, Roman Signer y Joel-Peter Witkin, La Suite. Mirada sobre los artistas de la colección FRAC, curaduría de Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino, Fundación Proa, Buenos Aires, 8 de julio – noviembre de 2021.



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  • Título: La Suite: Todo sobre la nueva exposicin de la Fundacin Proa
    Autor: Josefina Chalde
    Fecha: 15/08/2021
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    Ver nota original (Indie Hoy)

    La exposición está compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia). Conocé más acá.
    Por Josefina Chalde

    La Suite.

    La Suite. Foto: Twitter @IFArgentine.

    Tras un año y medio de dificultades producto de la pandemia, de a poco los eventos culturales están volviendo a la normalidad. Es por eso que cada vez hay más exposiciones, muestras y demás para los amantes del arte que ansían volver a caminar por los museos y espacios artísticos del país.

    El pasado 8 de julio, la Fundación Proa inauguró "La Suite", una exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), que cuenta con la curaduría de los artistas Sigismond de Vajay Juan Sorrentino.

    La selección de obras incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific y "tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras", explican desde la Fundación.
     

    Respecto al término suite y sus diversos significados presentes en la obra, desde la Fundación Proa explican: "En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta 'normalidad', la expresión francesa 'comment vient la suite' ('qué va suceder'), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. También, La Suite es una pieza musical con una estructura compuesta por movimientos breves".

    Sobre esta muestra, los curadores comentaron:

    "Tiene muchas maneras de interpretarse, pero a nosotros nos interesa pensar a este conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite compuesta por muchas piezas -que lógicamente tiene que ver con lo musical-, con la experiencia, con lo espacial y además con el juego de la idea del porvenir. Son ideas muy presentes en este momento, por el contexto". 
     

    La Suite.

    La Suite. Foto: Twitter @IFArgentine.

    Tras un año y medio de dificultades producto de la pandemia, de a poco los eventos culturales están volviendo a la normalidad. Es por eso que cada vez hay más exposiciones, muestras y demás para los amantes del arte que ansían volver a caminar por los museos y espacios artísticos del país.

    El pasado 8 de julio, la Fundación Proa inauguró "La Suite", una exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), que cuenta con la curaduría de los artistas Sigismond de Vajay Juan Sorrentino.

    La selección de obras incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific y "tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras", explican desde la Fundación.

    Respecto al término suite y sus diversos significados presentes en la obra, desde la Fundación Proa explican: "En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta 'normalidad', la expresión francesa 'comment vient la suite' ('qué va suceder'), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. También, La Suite es una pieza musical con una estructura compuesta por movimientos breves".

    Sobre esta muestra, los curadores comentaron:

    "Tiene muchas maneras de interpretarse, pero a nosotros nos interesa pensar a este conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite compuesta por muchas piezas -que lógicamente tiene que ver con lo musical-, con la experiencia, con lo espacial y además con el juego de la idea del porvenir. Son ideas muy presentes en este momento, por el contexto". 

     

    Michel Blazy, Monica Bonvicini, Céleste Boursier-Mougenot, Elina Brotherus, Tom Burr, Clément Cogitore, Sebastián Díaz Morales, Maurizio Cattelan, Philippe Parreno y Víctor Florido son algunos de los artistas que participan y que, en su mayoría, presentan sus proyectos por primera vez en nuestro país y en la región. 

    La Suite está disponible en Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929, CABA) hasta el mes de septiembre y puede visitarse de jueves a domingo de 12 a 19h. Reservá tu visita acá.



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  • Título: La Suite. Un viaje sensorial en la nueva muestra de Proa
    Autor: Victoria Verlichak
    Fecha: 09/08/2021
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    Fachada de Proa | Foto:Proa
    FACHADA DE PROA | FOTO:PROA
     

    Estímulo para los sentidos, “La Suite” es la nueva muestra de Fundación Proa que enciende la imaginación y confirma la expansión de los modos del hacer. Precisamente, esta mirada sobre los artistas de la Colección FRAC, Fondos Regionales de Arte Contemporáneo, Francia, está mayormente basada en obras realizadas en Buenos Aires a partir de instrucciones de los artistas a distancia.

    En ese sentido, ya existían varios antecedentes, como las instrucciones de una obra suya que Marcel Duchamp envió a su hermana, como regalo de bodas en 1916, o la manera de extender instrucciones para que las exhibiciones tengan formatos más abiertos y flexibles, discutida hace más de 20 años entre el crítico suizo Hans Ulrich Obrist y algunos artistas.

    Visitantes de La Suite

    Las obras que se exhiben

     

    La exhibición, con idea y proyecto de Fundación Proa, comenzó a pensarse en 2019, mucho antes de que la crisis sanitaria global recortara viajes y movimientos. Proa invitó a los artistas Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino a curar la exposición y bucear en las 30.000 obras de los 23 FRAC, pertenecientes a sendas regiones francesas.

    Muestra multidisciplinaria, “La Suite” presenta más de 40 obras, resignificadas por la pandemia, que multiplican el uso de materiales cotidianos como soporte, marcan inquietudes actuales, reflexionan sobre cuestiones históricas y espirituales, crean sonidos que acompañan al visitante y expanden su dimensión sensorial. Su concreción fue un difícil y costoso proceso que implicó la contratación de realizadores y artesanos, trabajando junto al equipo de montaje de Proa.

    Los curadores puntualizan que la palabra francesa “suite”, con sus diferentes acepciones (“forma musical” -secuencia de movimientos instrumentales breves vinculados con la danza-, “lo que vendrá”, “a consecuencia de”, “habitación”), les permitió compendiar su búsqueda y proponer esta exhibición que articula experiencias con lo sonoro, lo espacial y la idea de porvenir. Estos conceptos atraviesan los espacios de Proa, incluso la recepción que, a manera de “Preludio”, despliega el proyecto de Peter Kogler cuyas líneas envuelven al visitante.

    Sala 1, “Pulso”, alberga tres piezas que discurren acerca del logro y la fragilidad, construcción y destrucción. El parejo golpeteo que se escucha proviene del sonido del video de Monica Bonvicini, “Martillando (un viejo argumento)”, en el que un brazo con una maza trata de derribar una pared rítmicamente. La maravillosa “Rueda” de Vincent Ganivet, que rescata los arcos de medio punto romanos, está armada con bloques de hormigón y madera, sin argamasa; todo se viene abajo si se retira uno de los tacos que le otorgan equilibrio y ocurre lo mismo si se corta la cuerda que une a los “Dos barriles” de Roman Signer.

    Peter Kogler

    Sala 2, “Scherzo”, es la más poblada y tiene al cuerpo como eje principal: el del artista, el cuerpo de las personas en el espacio público y la naturaleza, la acción y la voz, “pero también es el cuerpo mutilado, transformado, rechazado (…) en las piezas [fotos] de Joel-Peter Witkin”. Videos de los años ’70 -exhibidos en televisores de la época- reproducen performances de entonces, como la de Lotty Rosenfeld quien, en plena dictadura pinochetista trazó “Una milla de cruces sobre el pavimento” con adhesivos blancos pegados transversalmente sobre señales viales. En “Viento” Joan Jonas enfrenta con su cuerpo a las corrientes extremas y Geta Brătescu “reconstituye su retrato” pintando sus manos. La obra de Clément Cogitore retoma la música y adapta una parte del ballet “Les indes galantes” (Las Indias galantes) de Jean-Philippe Rameau en versión en hip-hop.

    En el centro de Sala 2, y a modo de “fuente”, el contendor de residuos de Michel Blazy genera permanentemente una espuma. Los sonidos de los pasos de un caminante por la ciudad cuyos ruidos han sido silenciados, habitan los videos de Sebastián Díaz Morales y de Shilpa Gupta, con discursos de la independencia de India y Pakistán sonando al unísono. La “Tribuna libre” de Séverine Hubard, construida con cajones dados vuelta, indudablemente representa el momento actual. Diseñada para recibir multitudes, como cines y teatros, las gradas están vacías o tienen el acceso acotado.

    Los tonos claros y sonidos tenues de Sala 3, “Andante”, transmiten calma visual y sonora, como en las habitaciones pintadas por Víctor Florido. Dan ganas de ingresar a la instalación de Vincent Lamouroux, que aparece como la deconstrucción en el espacio de una pintura constructiva. Arte sonoro de Carsten Nicolai, con una bandeja de agua que vibra con el sonido de unos parlantes. El blanco del hielo, donde patinan los protagonistas del video de Denis Savary, y, las lucen que titilan sobre el agua, en el de Jennifer Douzenel, refuerzan la sensación de serenidad.

    En las escaleras internas, las potentes fotografías de Arno Rafael Minkinnen son el “Interludio”. Conduce al visitante a Sala 4 y al “Paisaje reinterpretado” con la vista del Riachuelo en el mural de Pauline Fondevila, el bosque distópico hecho con mangueras de Laurent Perbos y rollos de fotografías con los cielos de distintas ciudades de Patxi Bergé. Caricia para el alma, el concierto de la instalación de Céleste Boursier-Mougenot emite bellos sonidos aleatorios, con cuencos de porcelana afinados que flotan y chocan sobre dos piletas de agua.

    A modo de “Coda”, en el café puede verse “La dulce utopía”, el globo rosa de Mauricio Cattelan y Philippe Parreno suspendido que, con su araña antigua, alude a lo doméstico. En la librería el video de Elina Brotherus refleja cuerpo y naturaleza: durante tres meses la artista se bañó todos los días en el mismo lago y desde el mismo lugar; durante ese tiempo el paisaje cambia. Camino al auditorio se halla “Teléfonos” de Christian Marclay, uno de los imperdibles, y en la muestra hay muchos. Es un inteligente video, con secuencias de películas donde el aparato de línea fija tradicional (sí, también hay damas con teléfonos blancos) es la estrella; las escenas arrancan más de una bienvenida sonrisa en el espectador.



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  • Título: Proa sorprende: cmo es La Suite, la muestra de colecciones francesas que desafa a nuestra poca?
    Autor: Melisa Boratyn
    Fecha: 09/08/2021
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    Con MALEVA recorrimos la exposición actual de Fundación PROA/Una musicalidad especial y un propósito que refleja la perseverancia del arte, aún en estos tiempos tan difíciles/instalaciones, piezas site-specific y obras sonoras que invitan a debatir temáticas que hoy se discuten mucho/¿Qué artistas participan? ¿Qué vas a sentir al visitarla?
     

    Las obras pertenecen a FRAC (Fondos regionales de arte contemporáneo de Francia)
     

    Proa sorprende: ¿cómo es «La Suite», la muestra de colecciones francesas que desafía a nuestra época? Por Melisa Boratyn para MALEVA. Fotos: Philippe Bacqué.

    La Suite (hasta septiembre de 2021) es una de esas muestras que a primera vista parece una cosa pero es otra, o mejor dicho es mucho más de lo que percibimos al entrar a las salas de Fundación PROA, algo que se repite una y otra vez frente a las expresiones contemporáneas. Pero no nos detengamos en eso que no entendemos sino en lo que nuestros cuerpos perciben a medida que entramos en contacto con cada una de las obras.

    La Suite es un proyecto que comenzó a gestarse en el 2019, mucho antes de la pandemia y que al quedar postergado se vio forzado a re-significarse conceptual y espacialmente, enfrentándose a la necesidad de adaptación en especial frente al hecho de que los artistas y sus obras no iban a poder trasladarse.

    Bajo la curaduría de Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino se seleccionaron y pusieron en sintonía trabajos de diferentes artistas que pertenecen a las colecciones FRAC (Fondos regionales de arte contemporáneo de Francia) que cuenta con una colección federal de más de 30.000 obras que refleja la diversidad de cada una de las regiones que la conforma. Es un proyecto excepcional donde un país destina dinero de su presupuesto para crear una colección pública que reúne a artistas de todas partes del mundo.

     

    «La muestra engloba diversas interpretaciones ancladas en un presente que todavía espera el retorno de aquella “normalidad” que alguna vez tuvimos y que hoy esperamos con ansias que regrese. Es la incertidumbre de no saber lo que va a suceder en el futuro y que nos atemoriza al mismo tiempo que nos llena de vigor…»

     

    La Suite no busca significar una sola cosa, sino que tanto el título como la muestra engloban diversas interpretaciones ancladas en un presente que todavía espera el retorno de aquella “normalidad” que alguna vez tuvimos y que hoy esperamos con ansias que regrese. Es la incertidumbre de no saber lo que va a suceder en el futuro y que nos atemoriza al mismo tiempo que nos llena de vigor.

    Es una invitación a debatir temáticas que hoy se discuten mucho, como la idea de la autoría de una obra (el original y la copia) o el uso de materiales que forman parte de nuestra cotidianidad y que muchas veces no sólo ignoramos sino que descartamos, un recurso que desde hace décadas muchos artistas utilizan y que no parece tener fecha de caducidad. Hay otra cualidad que se distingue y disfruta en todo el recorrido y es la musicalidad directa e indirecta.

    Las instalaciones, piezas site-specific y obras sonoras crean narrativas y juegan con los espacios en los que no solemos encontrar obras. Si bien en un principio la intención era jugar con todos los lugares habitables de la Fundación, como por ejemplo los baños, la idea tuvo que ser modificada. Aún así la carta de presentación de La Suite es una inmensa intervención del artista Peter Kogler que se adueña de la entrada, las paredes, el techo y la escalera que nos lleva hacía el primer piso. Si bien PROA ha sorprendido muchas veces con apuestas donde las obras se presentan por fuera de los lugares de exhibición, esta es una novedad que estimula desde el comienzo.

     

    «La carta de presentación de La Suite es una inmensa intervención del artista Peter Kogler que se adueña de la entrada, las paredes, el techo y la escalera que nos lleva hacía el primer piso. Si bien PROA ha sorprendido muchas veces con apuestas donde las obras se presentan por fuera de los lugares de exhibición, esta es una novedad que estimula desde el comienzo…»

     

    Dividida en tres salas conviven videos, instalaciones, fotografías, pinturas y esculturas que al relacionarse hacen de la muestra una obra en si misma repleta de movimientos, expresiones, silencios y tensiones. Sigismond de Vajay explica que «desde el inicio, la presencia de obras sonoras fue uno de nuestros lineamientos principales. La Suite apareció inicialmente en relación a la forma musical, como una secuencia de movimientos de danza, fragmentos de diferentes cosas que se acoplan y generan un ensamble».

    ¿Podemos decir que La Suite propone que vivamos una experiencia? A pesar de que esta expresión se ha vuelto casi un cliché, en este caso se adapta con comodidad a las intenciones propuestas que apuestan a la idea de hacernos sentir y vibrar a través de los trabajos que probablemente muchos conozcan aquí por primera vez. Esa es otra de las decisiones que se tuvo en cuenta al momento de pensar en los artistas, entre los que se encuentran sólo dos argentinos y dos extranjeros que vivieron muchos años en nuestro país, planteando la posibilidad poder conocer a artistas que actualmente desarrollan sus carreras en distintas partes del mundo.

    Mientras que las primeras salas se enfocan en aspectos más complejos del ser y ese “qué será de nosotros después de todo eso” dónde se distingue el video de Mónica Bonvicini «Hammering out» y la extraordinaria pieza de Clement Cogitore «Las indias galantes», que combina el hip-hop con la conocida ópera-ballet estrenada en 1736 inspirada en diferentes comunidades indígenas. Cogitore nos traslada a un ambiente contemporáneo que hoy cobra un nuevo sentido y nos hace extrañar la sensación de cuerpos chocándose en una fiesta.

     

    «A medida que avanzamos se apodera de nosotros una sensación de quietud en un entorno suave que permite a nuestros cuerpos reposar. Al recorrer los espacios podemos diferenciar detalles vinculados con la sonoridad y los timbres que van cambiando de graves melodías, ritmos y vibraciones sonoras hacia la música minimalista o la propia voz humana…»

     

    A medida que avanzamos se apodera de nosotros una sensación de quietud en un entorno suave que permite a nuestros cuerpos reposar. Al recorrer los espacios podemos diferenciar detalles vinculados con la sonoridad y los timbres que van cambiando de graves melodías, ritmos y vibraciones sonoras hacia la música minimalista o la propia voz humana, creando una Proa sonora e interactiva.

    En relación a esto «Sin título. Series IV-1,2,3» de Céleste Boursier-Mougenot nos traslada a otro mundo. Es una de las únicas obras que viajó ya que la artista afina de manera muy específica cada uno de los cuencos que confirma la obra para que produzcan una nota musical particular. La magia que sucede luego corre por parte del espacio, los movimientos del agua y los propios objetos.

    Para la mayoría de los artistas la forma de trabajo fue diferente dado que las obras tuvieron que adaptarse a las nuevas condiciones y fueron re-construidas acá, lo que nos invitan a debatir acerca del tema de la originalidad del trabajo y el desafío de entender las necesidades del artista. Sobre esto último los curadores explican que «la idea de la construcción en modo remoto es en sí misma una práctica contemporánea. Logramos concretar la re-adaptación de las piezas o del “ensamble” con un efecto impensado. A todos, incluso a los artistas, nos pareció mucho más interesante exhibir una obra nueva antes que repetir una pieza de hace 25 años«. La Suite es por sobre todo una muestra creada a pesar de los desafíos y un ejemplo de perseverancia y trabajo colectivo.


     

    Galería:



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  • Título: La Suite, programa Argentina en su cultura
    Autor: Magdalena Faillace
    Fecha: 05/08/2021
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  • Título: La Suite en Proa: Voces que cuestionan el nuevo futuro
    Autor: Laura Casanovas
    Fecha: 30/07/2021
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    La Suite en Proa

    Curada por Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino, la selección de obras de artistas de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo, incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific y tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras. Las instalaciones sonoras marcan una puntuación que amplía las dimensiones sensoriales del espectador.

    Un contundente conjunto de piezas de artistas contemporáneos internacionales se expande por las salas de Fundación Proa interpelando nuestra visión, audición y presencia corporal, a través de un recorrido que propone un tiempo y un espacio tan fragmentados como compactos. Las 41 piezas provenientes de las colecciones públicas FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia, que poseen en total treinta mil obras) se agrupan casi con naturalidad –mérito de los curadores Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino– siguiendo y jugando con la estructura de la composición musical de la suite con sus movimientos breves de distinto carácter y ritmo. Un logro nada sencillo al considerar las muy diversas poéticas (con sus formatos –video, instalación, pintura, escultura, fotografía, arte sonoro, site specific– y planteos conceptuales) desplegadas en diferentes momentos históricos y por parte de artistas de variadas procedencias geográficas.
     

    entrada

    Entrada a la exposición
    Peter Kogler
    Sin título (proyecto para Fundación Proa), 2021
    Impresión digital en vinilo sobre pared
    Dimensiones variables
    Cortesía del artista
    Foto: ArteOnline
    © Peter Kogler


    La muestra La Suite tiene, asimismo, el valor agregado de exhibirse en este tiempo de pandemia, lo cual supuso buscar soluciones para llevarla a cabo debido a las restricciones impuestas por la coyuntura. “Logramos concretar la readaptación de las piezas o del “ensamble” con un efecto impensado. A todos, incluso a los artistas, nos pareció mucho más interesante exhibir una obra nueva antes que repetir una pieza de hace 25 años. En algunos casos es una versión y en otros es una adaptación (…)”, explica de Vajay en una entrevista realizada a los curadores por Adriana Rosenberg, presidenta de Proa. Incluso, el contexto llevó a ampliar la significación del título, que puede pensarse también a partir de la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”) con toda su perspectiva de incertidumbre y de futuro.



    vistaVista de la sala

     

    Ingresar en la recepción (Preludio) de Proa es hacerlo al mismo tiempo a la hipnótica instalación del austríaco Peter Kogler, la cual transforma el ambiente por completo. Con este primer efecto visual y perceptivo pasamos a la sala 1 (Pulso), donde el video de la italiana Monica Bonvicini introduce el sonido a partir de los martillazos de una mujer sobre una pared blanca. A esta acción de destrucción se le opone el equilibrio de la gran rueda en bloques de cemento del artista francés Vincent Ganivet y la inestabilidad de los barriles sobre mesas oblicuas del suizo Roman Signer. La sala 2 (Scherzo) nos sitúa en una gran variedad de ritmos y experiencias físicas, visuales y auditivas con eje en el cuerpo. Las gradas vacías de la francesa Séverine Hubard  nos enfrenta al presente con los espacios vedados al público. Cerca de ellas, de un contenedor de basura surge constantemente espuma blanca conformando una escultura orgánica, de Michel Blazy. A pocos pasos se exhiben tres videoperformances de la década del 70: la estadounidense Joan Jonas pone de manifiesto la tensión ser humano-naturaleza; la rumana Geta Brătescu aborda lo visible y lo oculto; y la chilena Lotty Rosenfeld plantea el cuerpo como denuncia política. Se encuentran, entre otras obras, el video de Clément Cogitore, las fotografías de Joel-Peter Witkin y la instalación de Shilpa Gupta.

    La sala 3 (Andante) propone un espacio-tiempo de quietud con predominio del blanco, que nos acerca al silencio. Enseguida la mirada se posa en los enormes cubos blancos de  Vincent Lamouroux y, al elevarla hacia el techo, descubrimos los ventiladores del mexicano Gabriel Orozco de cuyas astas penden y danzan tiras de papel higiénico. La pintura aparece en tres obras del argentino Víctor Florido y cerca de ellas nos atraen los poéticos destellos del video de la francesa Jennifer Douzenel, y más.

     

    bosque
    Laurent Perbos
    Souches, 2009/2021 (Tocones de árbol)
    Mangueras Dimensiones variables
    Colección FRAC Provence-Alpes-
    Côte d’Azur
    © Laurent Perbos


    En la última sala (Paisaje reinterpretado), los trabajos abordan problemáticas ambientales.  La pintura mural de Pauline Fondevila con la representación del Riachuelo en color negro, símbolo de su polución; el bosque con árboles mutilados (construidos con mangueras) de Laurent Perbos; las piletas de Céleste Boursier-Mougenot con un sonido producido por el sutil choque entre sí de las vasijas de porcelana debido al movimiento del agua. Y finalizamos con la imagen de esa enorme esfera rosada colgante y el candelabro deLa dulce utopíade Maurizio Cattelan - Philippe Parreno, con su alusión a un espacio de convivencia.
     

    bar

    Vista desde Bar Proa
    Maurizio Cattelan - Philippe Parreno
    La Dolce Utopia, 1996 (La dulce utopía)
    Esfera de vinilo, candelabro Dimensiones variables
    Cortesía de los artistas
    Foto: ArteOnline
    © Maurizio Cattelan - Philippe
    Parreno

     

    Otro acierto curatorial son los textos de sala, que guían al público ofreciéndole las claves de lectura de las distintas propuestas artísticas de manera clara y concisa. Cada obra integrante de esta suite nos introduce, así, en un universo específico del cual salimos renovados para  sumarnos al siguiente, en una experiencia reflexiva y vital necesaria en este complejo presente.

    Artistas que participan:

    Artistas: Michel Blazy (Francia, 1966), Monica Bonvicini (Italia, 1965), Céleste Boursier-Mougenot (Francia, 1961), Elina Brotherus (Finlandia, 1972), Tom Burr (Estados Unidos, 1963), Jennifer Douzenel (Francia, 1984), Maurizio Cattelan (Italia, 1960) / Philippe Parreno (Argelia, 1964), Michel François (Bélgica, 1956), Víctor Florido (Argentina, 1976), Pauline Fondevila (Francia, 1972), Vincent Ganivet (Francia, 1976), Shilpa Gupta (India, 1976), Séverine Hubard (Francia, 1977), Joan Jonas (Estados Unidos, 1936), Peter Kogler (Austria, 1959), Vincent Lamouroux (Francia, 1974), Christian Marclay (Estados Unidos, 1963), Gordon Matta-Clark (Estados Unidos, 1943), Arno Rafael Minkkinen (Finlandia, 1945), Carsten Nicolai (Alemania, 1965), Gabriel Orozco (México, 1962), Laurent Perbos (Francia, 1971), Denis Savary (Suiza, 1981), Joel-Peter Witkin (Estados Unidos, 1939)



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  • Título: Espacio y sonido: arte hecho en modo remoto
    Autor: Fabin Lebenglik
    Fecha: 27/07/2021
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    "La Suite", muestra internacional en la Fundación Proa
    Espacio y sonido: arte hecho en modo remoto
    Una selección de arte contemporáneo de los fondos públicos estatales de Francia, adaptada con lucidez y sensibilidad a los tiempos pandémicos.
    Fabián Lebenglik
    Por Fabián Lebenglik
    26/07/2021
    Última actualización 09:47
    Peter Kogler:  Proyecto para Fundación Proa, 2021, sin título. Impresión digital en vinilo sobre pared. Abajo: Vincent Lamouroux:  "AR.07", 2008/2021. Instalación en madera, pintada de blanco.
    Peter Kogler:  Proyecto para Fundación Proa, 2021, sin título. Impresión digital en vinilo sobre pared. Abajo: Vincent Lamouroux:  "AR.07", 2008/2021. Instalación en madera, pintada de blanco.
    La Fundación Proa presenta en estos días una muy buena exposición realizada a partir de una selección de los Fondos regionales de arte contemporáneo (FRAC) de Francia.

    Los FRAC conforman una red estatal creada en 1982 durante la presidencia del socialista François Miterrand, por su ministro de Cultura, Jack Lang.

    La función de los FRAC, desde hace cuarenta años, fue, sigue siendo, descentralizar la cultura francesa, quitar el foco de París o salir de París como paso obligado y apuntar a las 23 regiones del país, para reunir colecciones públicas de arte contemporáneo, apoyar a los artistas jóvenes y hacer circular el arte contemporáneo entre nuevos públicos. En este proceso, la gestión es compartida por el Estado nacional, el Consejo Regional y la administración municipal de cada lugar.

    Gracias a la invitación del Estado francés, tuve la oportunidad de conocer varias sedes regionales del FRAC en distintas oportunidades, durante los años novena y los dos mil. En ciertas ciudades de la región de Alsacia, por ejemplo, visité centros de arte contemporáneo de gran calidad y excelente gestión, deslumbrantes en su arquitectura y emplazamiento, en el contexto de comunidades ultraconservadoras. El fenómeno, que primero fue resistido y visto como la llegada de un ovni entre los pobladores, con el paso de los años se fue incorporando a la vida cultural del lugar, y los hijos de aquellas familias ultraconservadoras, comenzaron a interesarse por la cultura contemporánea, se pusieron a estudiar arte o a buscar y encontrar trabajo en la sede local del FRAC. Vale repetirlo: los FRAC son fondos estatales, producto de una política cultural, ideada y llevada a cabo por un gobierno socialista y continuada a lo largo de las décadas.

    Estos Fondos Regionales son pensados como colecciones nómades e itinerantes, con obras de casi seis mil artistas, la mitad franceses y la mitad de otros países. Lo cual se ve reflejado en la selección de Proa (que incluye artistas de Francia, Argentina y varios países), bajo el título La Suite, con curaduría de Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino.

    La exhibición incluye obras de Peter Kogler, Vincent Ganivet, Roman Signer, Monica Bonvicini, Michel Blazy, Gordon Matta-Clark, Sebastián Díaz Morales, Shilpa Gupta, Clément Cogitore, Joel-Peter Witkin, Lotty Rosenfeld, Joan Jonas, Geta Brătescu, Séverine Hubard, Jennifer Douzenel, Víctor Florido, Vincent Lamouroux, Carsten Nicolai, Gabriel Orozco, Denis Savary, Elina Brotherus, Arno Rafael Minkkinen, Patxi Bergé, Céleste Boursier-Mougenot, Pauline Fondevila, Laurent Perbos, Maurizio Cattelan-Philippe Parreno y Christian Marclay. Próximamente se sumará una obra de grandes dimensiones de Tom Burr, un muro en la genealogía de Richard Serra, que será emplazado en el espacio público.

    Respecto del título, los curadores explican que “tiene muchas maneras de interpretarse, pero a nosotros nos interesa pensar este conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite, compuesta por muchas piezas -que lógicamente tiene que ver con lo musical-, con la experiencia, con lo espacial y además con el juego de la idea del porvenir. Son ideas muy presentes en este momento, por el contexto”. Hay toda una serie de obras sonoras incluidas en la selección. Al punto que desde el sonido, el silencio podría pensarse como el grado cero de lo sonoro y eso es lo que se advierte desde el hall de entrada y la escalera, con la obra de Peter Kogler, que está pensada tanto para la presencialidad como para el registro fotográfico y de video, cuando aparece más nítida la tercera dimensión que propone el obra.

    Como explican los organizadores, “el proyecto comenzó a diseñarse en 2019, adaptándose curatorial y conceptualmente a la nueva realidad de los espacios culturales. Partiendo de los lenguajes de la práctica artística contemporánea, que permiten la edición de nuevas versiones de los site-specific, la ejecución a distancia y la adaptación de la obra a cada espacio expositivo, La Suite se conformó con un grupo de piezas que ponen en diálogo a artistas distantes de diversas culturas, tanto en el espacio como en el tiempo”.


    Con lúcidos reflejos de adaptación y sensibilidad en relación con los impedimentos, pero especialmente con las posibilidades generadas por el período pandémico; y un uso muy productivo de lo conceptual, la mayor parte de las obras es resultado de una suerte de manual de instrucciones, que en esta otra orilla del mundo se interpretó y construyó con la creatividad, adaptación y variaciones del caso. Lo que viajó fue la información, mientras que los materiales y la realización se aportaron localmente, con la interacción de los artistas, los curadores y los montajistas.

    En la exposición se pueden ver obras de sitio específico, arte sonoro, fotos, instalaciones, videos, esculturas y pinturas. Varios de los artistas elegidos muestran su trabajo por primera vez en el país.

    Las obras recorren las distintas acepciones de suite, como forma musical compuesta por movimientos instrumentales breves, que pueden suponer cierta heterogeneidad y a la vez algún elemento común, un hilo conductor: allí convergen las piezas sonoras y las espaciales. Otra acepción de suite: la de las habitaciones contiguas. Si se extiende un poco este sentido, puede hablarse de las salas de exhibición, sus espacios de comunicación, escaleras, entrepisos, descansos, pensando tal vez en la continuidad y la fluidez antes en la ruptura, para concebir el espacio y reunir las obras seleccionadas.

    La frase La suite, del francés “lo que sigue”, “la continuación” o “lo que viene”, habla del mundo próximo, inminente. Si el arte supone, entre otras cosas, la coexistencia o imaginación de mundos posibles, es muy pertinente la idea. Y en el contexto de la pandemia, la pregunta por lo que vendrá está cargada de sentido.

    * En la Fundación Proa, Pedro de Mendoza 1929, La Boca, hasta noviembre.

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  • Título: La Suite: el vasto territorio ficticio de Fundacin Proa
    Autor: Sol Leguizamon
    Fecha: 24/07/2021
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    La Suite es la exposición lanzada por Fundación Proa este mes compuesta por obras multidisciplinarias de diversos artistas, tanto en tiempo como en espacio, de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo. 
    La Suite

    Fundación Proa inauguró este mes La Suiteconformada por una serie de obras y 25 artistas de la colección FRAC (Fondos Regionales de Arte Contemporáneo), con curaduría de Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino. La exposición estará abierta al público con cita previa de jueves a domingos de 12 a 19 horas, hasta septiembre de este año. 

    La Suite
    Clément Cogitore «Les Indes galantes», 2017

    El territorio ficticio de La Suitees vasto y multifacético. Esto queda claro desde el título mismo de la exhibición. “Suite” es una palabra polimórfica que refiere a la incertidumbre del futuro, y a una pieza musical compuesta de movimientos breves. Ambos significados están claramente reflejados en el proyecto. 

    En cuanto a la primera acepción, La Suite comenzó a desarrollarse en el año 2019 durante la pandemia, por lo que la puesta en escena estuvo atravesada por los vaivenes de estos tiempos vacilantes. Sin embargo, las obras también representan crisis que nacieron mucho antes y del cual nos espera un porvenir amenazante, como las problemáticas socioambientales. Su segundo significado está claramente proyectado en la fragmentación de la exposición en cuatro salas, que a su vez, contienen obras de arte multidisciplinarias que interpelan la sensibilidad del espectador. 


    • Victor Florido «Pasillo», óleo s/tela, 2017-2018

    La exposición pone en diálogo artistas contemporáneos de diversos países y épocas. Entran en juego fotografías, pinturas, esculturas, performances, videos, instalaciones, arte sonoro y piezas site-specific, es decir, obras de arte creadas para un entorno determinado. 


    • Román Signer «Dos barriles», 2021

    • Vincent Ganivet «Rueda», 2005/2021

    La Suite comienza por el origen: la rueda y el pulso. Los artistas Vincent Ganivet y Roman Signer trabajan con elementos que rescatan del ámbito constructivo, y generan formas inestables en constante tensión y equilibrio. Ganivet crea sobre la base de técnicas antiguas de construcción. En este caso, homenajea la invención de la rueda como elemento fundacional del desarrollo de la civilización. Además, Monica Bonvicini, artista conceptual italiana, introduce el pulso, o el latido musical, mediante un video, Hammering Out, donde documenta el golpe de un mazo que destruye un muro. Así, busca la transformación del tiempo y el espacio, e insiste en el cambio físico y psicológico del artista y los observadores. 


    Arno Rafael Minkkinen «Beach Pond, Connecticut

    La segunda sala raspa la superficie, va más allá del mero sentido visual para explotar nuestra multisensorialidad. El espectador está inconscientemente envuelto en una miríada de sonidos escondidos en la oscuridad de la sala, como el discurso de la independencia en la India, o los pasos catárticos y energéticos de bailarines de krump, un tipo de danza urbana. El cuerpo humano está exhibido en todas sus formas: desde las fotografías sobre sexo, dolor y muerte de Joel-Peter Witkin, hasta el video Wind que documenta figuras luchando —o danzando—, contra el viento en la playa nevada de Long Island. Transiciones, paisaje urbano, la decadencia del siglo XX, y el cuestionamiento de los cánones estéticos, son algunos de los conceptos explorados en esta sala. 

    El siguiente espacio es un oasis de colores claros y figuras geométricas. Destacan las pinturas sobrias del argentino Víctor Florido. Esta serie de obras forman parte de la Serie Interiores donde usa el espacio interior arquitectónico como representación de su memoria personal, combinada con imágenes de libros y revistas de segunda mano. 


     

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  • Título: Les frac s'exposent Buenos Aires
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    Fecha: 22/07/2021
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  • Título: Hgalo usted mismo
    Autor: Laura Isola
    Fecha: 18/07/2021
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  • Título: En La Boca Proa: bajo el aura de los sentidos
    Autor: Ana Mara Battistozzi
    Fecha: 16/07/2021
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    Segismond de Vajay, ofrece una mirada sobre los artistas de la Colección FRAC, con el tono de una pieza musical y obras inmersivas realizadas en base a instrucciones.

    Peter Kogler. Sin título (proyecto para Fundación Proa), 2021. Impresión digital en vinilo sobre pared.

    Ana Maria Battistozzi
    Ana Maria Battistozzi

    16/07/2021 18:35  Clarín.comRevista ÑArte
    Actualizado al 16/07/2021 18:35
    Envolvente y atrapante, como una tela de araña adherida a las paredes, el piso y el techo de la entrada de la Fundación Proa, la intervención site-specific del austríaco Peter Kogler se presenta como preludio de una exhibición cuyos curadores –Segismond de Vajay y Juan Sorrentino– han buscado dar con el tono y la estructura de una pieza musical. Por ese camino coincidieron en abrirse también a una serie de sentidos que, al parecer, fueron surgiendo a medida que avanzaban y tropezaban con dificultades en el proceso de selección de piezas pertenecientes o relacionadas con las colecciones de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) de Francia.

    De allí la función polisémica del título La Suite, que por un lado alude a la estructura musical mencionada, pero también a lo que se desprende de la expresión francesa “comment vient la suite” que podría ser traducida por el coloquial “Y esto cómo sigue”. Pregunta que seguramente se formularon los organizadores ante el arduo proceso que debieron enfrentar desde que el proyecto se puso en marcha en 2019 y quedó fuertemente atravesado por la pandemia. Acontecimiento histórico que nos puso de cara a un insospechado rostro en la festejada globalización del mundo del arte.

    Séverine Hubard. Tribune libre, 2021. (Tribuna libre).
    Séverine Hubard. Tribune libre, 2021. (Tribuna libre).

    ¿Algo debería cambiar para que todo quede igual? ¿O es que radicalmente ya nada será igual? Esta versión de La Suite, es decir de “lo que sigue” sugiere que lo que sea se irá poniendo de manifiesto a través de múltiples novedades. Algunas se harán visibles con más rapidez que otras, pero por fuerza será a partir de la realidad preexistente. Esto es lo que se advierte en la exhibición de Proa. Una plataforma que abre al público las entrañas de los procesos de producción contemporáneos. Procesos todos que no necesariamente son nuevos sino que vienen siendo puestos en práctica desde hace tiempo. Sólo que en esta ocasión, se revelaron particularmente indispensables.

    De algún modo, las circunstancias actuales han contribuido a otorgarles una mayor visibilidad en tanto dinámica dominante a futuro. De hecho, veinte años atrás (en diciembre 2001) por un procedimiento similar al que ahora ha facilitado la intervención de Peter Kogler, Proa presentó los Wall Drawings de Sol Lewitt. Ambos artistas manejaron la producción de sus obras a la distancia, valiéndose de protocolos e indicaciones precisas, oportunamente remitidas a los curadores y productores de las respectivas exhibiciones a través de esos formatos y medios de comunicación que se han convertido en el pan nuestro de cada día.

    Joel-Peter Witkin. Corpus Medius, 2000.
    Joel-Peter Witkin. Corpus Medius, 2000.

    Por largo tiempo esta lógica funcionó como opción conceptual del autor y asimismo habilitó la reconstrucción de obras de artistas fallecidos (por caso Félix González Torres en el Malba y tantos otros). Pero en este caso hizo posible la propia muestra que de otro modo hubiera quedado indefinidamente postergada. Y este es quizás uno de los rasgos de interés del conjunto que importa destacar en términos de lo contemporáneo en el arte que tiene que ver con algo más que la denominación de origen FRAC.

    Arte en el amplificador
    Así al seguir el orden de cuatro instancias o núcleos de sentido asociados a movimientos musicales: Pulso, Scherzo, Andante y Coda de La Suite, propuestos más allá del Preludio, la estrecha articulación entre desarrollos espaciales y sonoros es determinante en la configuración de la muestra.

    Céleste Boursier-Mougenot. Sin título. Series IV-1,2,3, 2000/2021. Madera, porcelana blanca, agua y materiales varios.
    Céleste Boursier-Mougenot. Sin título. Series IV-1,2,3, 2000/2021. Madera, porcelana blanca, agua y materiales varios.

    Así también la convivencia en la sucesión de espacios de dispositivos tecnológicos sofisticados –como el de “Wellenwanne” (el Canal de olas), la obra de Carsten Nicolai que logra dibujos con la vibración del agua en una bandeja de aluminio–, y otros muy precarios, deliberadamente low tech. Tal el caso de “Tribuna libre”, la obra de Séverine Hubard conformada por unas gradas hechas de madera de cajones de fruta, melancólicamente vacías.

    Ya en Pulso, el primer núcleo que orienta el recorrido de la exhibición, el sonido irrumpe con cierto protagonismo. La maza que golpea fuertemente una pared en el video “Martilleando” de Monica Bonvicini, amenaza con alterar la relación de equilibrio precario entre las otras dos obras presentes: los “Dos barriles azules” de Roman Signer, detenidos a mitad de camino en los planos pendiente de una mesa partida en dos, y la “Rueda de Ladrillos” de Vincent Ganivet. Una rueda que no rueda detenida en el tiempo y en el espacio. Extraña presencia de dos objetos móviles-inmóviles.

    Carsten Nicolai. Wellenwanne (Canal de Olas), 2001-3.
    Carsten Nicolai. Wellenwanne (Canal de Olas), 2001-3.

    Frente a las gradas vacías de Severine Hubard, en el centro de la sala, un desborde de espuma blanca como la de los baños de las divas de Hollywood, emerge de un contenedor de basura. Ningún sonido acompaña este contrapunto de escenas contemporáneas de la degradación.

    La selección completa incluye fotografías, videos, instalaciones con y sin sonido, pintura y piezas site-specific. Algunas proponen reflexiones sobre la condición humana actual como el video “Paisaje III”, de Sebastián Díaz Morales, filmado para la XV Bienal de Yakarta en colaboración con Ruangrupa, el colectivo que curará la próxima documenta Kassel. Sus imágenes siguen la aventura de un caminante que se arriesga por autopistas y calles sorteando todo tipo de peligros en un mar de vehículos que no parecieran tomar nota de su presencia.

    Artistas recurrentes y reincidentes Sebastián Díaz Morales es, junto a Víctor Florido, uno de los pocos argentinos incluidos en esta selección. Los FRAC, sin embargo poseen obra de León Ferrari, Mirta Dermisache y Graciela Sacco, todos artistas argentinos reconocidos y lamentablemente fallecidos.

    Vincent Ganivet. Roue, 2005/2021. (Rueda). Bloques de hormigón, madera.
    Vincent Ganivet. Roue, 2005/2021. (Rueda). Bloques de hormigón, madera.

    Si toda muestra tiene su pieza estrella, esa que seduce al público por alguna razón, en este caso podría decirse que es la instalación de los cuencos sonoros de Céleste Boursier-Mougenot la que ocupa ese lugar.

    Este artista francés, que representó a Francia en la Bienal de Venecia de 2015, presentó la misma obra de los cuencos en la edición 2002 de Estudio Abierto San Telmo-Monserrat, la muestra interdisciplinaria organizada desde el Ministerio de Cultura de la Ciudad. Menos sofisticada que ésta en términos de realización, aquella versión menos costosa lucía igualmente poética y seductora con el encantador sonido de los cuencos de porcelana.

    Pero Celeste Boursier-Mougenot no es el único entre quienes integran esta selección, cuya obra pasó antes por Buenos Aires. También Carstein Nicolai estuvo entre quienes participaron en De lo real a lo Surreal, la muestra de 2011, también curada por Segismond De Vajay para el Museo de Arte Moderno en el marco del proyecto Of Bridges & Borders. Pilippe Parreno, que aquí presenta “La dulce utopía”, una obra conjunta con el polémico italiano Maurizio Cattelan, es otro. Como figura destacada de las colecciones de los FRAC, Parreno participó por lo menos de un par de muestras en el Museo de Arte Moderno. Entre ellas Proyecto Cono Sur, en 2005, con obras de las colecciones FRAC. De manera que esta sigla no debería resultar extraña al paisaje local. Conformados en 1982 por iniciativa del gran ministro de cultura francés Jack Lang, los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo son un ejemplo de federalización de colecciones públicas en Francia que han alentado la expansión de la producción y el consumo del arte contemporáneo francés desde los 90.

    Sebastián Díaz Morales. Pasajes III, 2013 Video, 12’30’’ Producido en colaboración con Ruang Rupa, 15th Jakarta Biennale.
    Sebastián Díaz Morales. Pasajes III, 2013 Video, 12’30’’ Producido en colaboración con Ruang Rupa, 15th Jakarta Biennale.

    A juzgar por los comentarios de los curadores en torno de la génesis del proyecto, el cuerpo fue uno de los ejes centrales en el punto de partida que luego fue mutando como todo en el presente. Con todo, es evidente que permaneció como una de las líneas fuerza que habitan sobre todo en el video y la fotografía. Dos artistas fundamentales a los que no se les suele ver en estas geografías están presentes aquí: Joel-Peter Witkin y John Coplan, el gran fotógrafo y teórico británico que fue uno de los fundadores de la prestigiosa revista ArtForum. Los dos tienen mucho que decir sobre el cuerpo. Entre los videos imposible no destacar la versión street dance de las “Indias Galantes” de Rameau que realizó Clément Cogitore y las obras de Matta-Clark “El final del día”, y “Wind”, de la venerable Joan Jonas.

    En el caso de La Suite, los FRAC han sido una valiosa cantera de referencias para Juan Sorrentino y Segismond de Vajay. Pero como ya hemos mencionado las circunstancias dificultaron los traslados y obligaron a producir mucha de la obra exhibida en Buenos Aires con la autorización de cada artista. Así el conjunto integrado por obras de la colección y por otras de artistas con los que se tuvo un diálogo directo para la producción aportan interesantes novedades además de poner en relación artistas de diversas culturas.

    Acaso la confirmación de lo que sigue y cómo sigue.

    La Suite - varios artistas

    Lugar: Fundación Proa, Av. Don Pedro de Mendoza 1929.
    Fecha: hasta octubre 2021.
    Horario: jue a dom de 12 a 18.
    Entrada: gratuita.

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  • Título: El artista chaqueo Juan Sorrentino, curador de la muestra de la Fundacin PROA
    Autor: Fuente: tlam
    Fecha: 12/07/2021
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    Martes  20 de Julio, 2021

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    El artista chaqueño Juan Sorrentino, curador de la muestra de la Fundación PROA

    Se trata de “La Suite”, una muestra que reúne piezas de 41 artistas de todo el mundo, la mayoría inéditas en el país

    12 de Julio, 2021

    Pensada en 2019 por los curadores Sigismond de Vajay y el chaqueño Juan Sorrentino, la muestra "La Suite" se expone en la Fundación PROA, en la ciudad de Buenos Aires, ubicada en avenida Pedro de Mendoza 1929 del barrio de La Boca, donde permanecerá abierta hasta octubre.



    Estanque artificial. El curador Juan Sorrentino, en la muestra "La Suite" en Proa. Foto Emmanuel Fernández

    “La Suite” es una muestra que se compone de piezas de 41 artistas de todo el mundo, la mayoría inéditas en Argentina, tales como fotos, instalaciones, esculturas, videos, pinturas, arte sonoro y site-specifics elegidos entre las 30 mil obras que integran los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) de Francia.


    El artista chaqueño Juan Sorrentino.

    Con “La Suite” PROA reabre sus puertas tras las últimas restricciones sanitarias e invita a reunirse, protocolos mediante, luego de haber sido rediseñada tras la irrupción de la crisis por la pandemia.

    Para visitar la muestra, los recorridos serán con reserva online, control de temperatura al ingreso, uso de barbijo y máscaras todo el tiempo, lavado de manos, distanciamiento social, indicaciones de circulación y rellenado obligatorio de un formulario con los datos de cada visitante.


    "La Suite" estará abierta hasta octubre. La muestra cuenta con la participación del artista y curador chaqueño Juan Sorrentino.

    "Como no habrá el turismo que solía haber en La Boca y el público será muy residente, priorizamos artistas desconocidos: extranjeros que exhiben su obra en Argentina por primera vez u obras inéditas de autores locales inspirados en el espíritu de la FRAC", explicó De Vajay.

    Fuente: Télam

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  • Título: De la vidriera al museo
    Autor: Celina Chatruc
    Fecha: 11/07/2021
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  • Título: Gua del fin de semana: nueva muestra de Fundacin Proa, la temporada lrica del Teatro Coln y un homenaje a Facundo Cabral
    Autor: Alejandra Pealva
    Fecha: 10/07/2021
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    Guía del fin de semana: nueva muestra de Fundación Proa, la temporada lírica del Teatro Colón y un homenaje a Facundo Cabral

    Además, reabren sus puertas el Museo Nacional de Bellas Artes y el de Arte Decorativo. Para los amantes de las series, recomendamos la más vista del streaming.

    Por 
    Fecha de publicación: 10 de Julio 2021, 06:10hs
    "La Suite", la nueva exposición de Fundación Proa (Foto: Télam).
    "La Suite", la nueva exposición de Fundación Proa (Foto: Télam).
    “Sexo/Vida”

    Es una de las series más vista de la plataforma Netflix en la Argentina y no es jugada exclusivamente por sus escenas de sexo, sino también por plantear el tema con una mirada femenina, desde las fantasías eróticas a la vida “ideal” y el deseo. Se estrenó el 25 de junio y se ubicó en el primer puesto rápidamente.

    // “Jauría”, la obra de teatro que se basó en el caso de violación de “La Manada” de España

    Está basada en las memorias de BB Easton, tiene ocho capítulos y está protagonizada por Billie Connelly, una mujer con, aparentemente, una vida perfecta: está casada, tiene hijos y vive en una casa hermosa de un elegante barrio de Connecticut. Allí Billie se dedica a sus hijos chicos mientras su pareja atraviesa un rutina que no la satisface. Ocasionalmente, recuerda su vida previa, en la que tenía una carrera y vivía su sexualidad libremente.


    La vida de la protagonista da un giro rotundo cuando su marido encuentra su diario íntimo de fantasías (Foto: prensa).

    El quiebre llega cuando decide escribir sobre su relación con su exnovio, Brad, con quien tenía una apasionada vida sexual. Pero su marido encuentra el texto y le propone cumplir sus fantasías. De allí en más, se plantea un triángulo amoroso.

    La temporada lírica del Teatro Colón ya está en marcha

    El jueves se inauguró la temporada lírica del Teatro Colón con Altri Canti, una selección de piezas del compositor italiano Claudio Monteverdi. La dirección musical es de Marcelo Birman, al frente de un Ensamble Barroco con instrumentos de época. Las piezas que conforman el programa proponen un viaje a la Italia de principios del siglo XVII, a través de las voces de Oriana Favaro, Daniela Tabernig, Adriana Mastrángelo, los barítonos Víctor Torres y Alejandro Spies, los bajos Hernán Iturralde e Iván García, los tenores Santiago Martínez y Pablo Urban y el contratenor Martín Oro, entre otros. El vestuario es de Renata Schussheim.


    El personal del Teatro Colón en medio de la limpieza y mantenimiento de la araña (Foto: Juan José Bruzza).

    Funciones: sábado 10 a las 20:00, domingo 11 a las 17:00 y martes 13 a las 20:00/ Entradas en venta únicamente de forma online www.teatrocolon.org.ar

    Vuelven el Bellas Artes, el Decorativo y otros museos nacionales

    Desde el viernes, bajo protocolos sanitarios y con reserva, se retomaron las actividades en el Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Nacional de Arte Decorativo y otras salas nacionales, como el Museo Nacional del Grabado y el Centro de Arte Sonoro (CASo).

    Además, desde este sábado, reabren la Casa Histórica Museo Nacional de la Independencia, ubicada en Tucumán, y el Museo de la Estancia Jesuítica de Alta Gracia, en Córdoba.

    El Museo de Bellas Artes, ubicado en Avenida del Libertador 1473, continúa la exposición El canon accidental: Mujeres artistas en Argentina (1890-1950), que reúne más de 80 obras realizadas por 44 artistas mujeres y se propone cuestionar el relato oficial de la historia del arte desde una perspectiva feminista. El Museo Nacional de Arte Decorativo, que se encuentra en Avenida del Libertador 1902, presenta su tradicional recorrido por los salones del palacio integrado por la colección de obras europeas y orientales adquiridas por la familia Errázuriz Alvear, que forman parte de su patrimonio.

    // Las series más caras de la historia: del lujo de “The Crown” a la épica fantástica de “Game of Thrones”

    A 10 años del asesinato de Facundo Cabral, un streaming en su recuerdo

    A 10 años del crimen de Facundo Cabral, el patagónico Mauro Guiretti presenta este sábado 17 con un concierto vía streaming de su disco homenaje “Esclavo de libertad”. El juglar argentino fue asesinado en Guatemala el 9 de julio de 2011 en una emboscada preparada para un narcotraficante.


    Facundo Cabral fue asesinado a los 74 años de edad (Foto: archivo).

    “Esclavo de libertad” reúne clásicos de Cabral como “Vuele bajo”, “No soy de aquí ni soy de allá”, “Amigo mío” o “Vida sencilla”, entre otras, en un grabación que contó con la participación de Piero (padrino artístico de Guiretti), del cordobés Andy Fierro y de Pablo Fernández.

    El recital de la sala porteña IFT se transmitirá por streaming el sábado 17 a las 21:00/ Entradas disponibles en Entrada Uno.

    “La Suite”: Fundación Proa y una muestra visual dedicada al oído

    La Fundación Proa presenta una exposición que, por su contenido y armado, tiene características inéditas. Apenas se cruza su puerta, una trama de líneas negras ondulantes se extiende en el piso, paredes y techo, que impactan por su carácter tridimensional. Diseñado por el artista austríaco Peter Kogler y realizado por un equipo local, la propuesta también apela al oído, sentido que gana visibilidad en sociedad con las artes visuales.


    La Fundación Proa presenta una muestra dedicada al oído (Foto: Gentileza Fundación Proa).

    La exposición reúne obras pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds regional d’art contemporain / Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), en clave musical, relacionadas con el marco que le impuso la pandemia al mundo. “La Suite” puede ser visitada durante julio de forma gratuita con pedido reserva previa para respetar el aforo autorizado.

    Curada por Sigismond de Vajay -artista, curador y editor- y Juan Sorrentino -artista sonorovisual- se presenta en 5 etapas: Preludio, Pulso, Scherzo, Andante y Coda. La muestra incluya piezas de grandes figuras como Maurizio Cattelan, Joan Jonas, Lotty Rosenfeld, Gabriel Orozco, el fotógrafo estadounidense Joel-Peter Witkin y Christian Marclay, que en su mayoría presentan sus proyectos por primera vez en la región.

    Fundación Proa: Av. Pedro de Mendoza 1929 Hasta el octubre con entrada gratuita en julio/ Con reserva de turno en proa.org

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  • Título: La Suite en Fundacin Proa
    Autor: Wipe
    Fecha: 09/07/2021
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    ​​​​​​La Suite en Fundación Proa
    •  
    •  
    •  
    •  
    Cuándo
    Todos los Domingos, Jueves, Viernes, Sábados 12:00
    Hasta el Miércoles 1 de Setiembre
    Dónde
    Fundación ProaAv. Pedro de Mendoza 1929, CABA

    El término suite que da nombre a la muestra refiere a variados y múltiples significados. En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta “normalidad”, la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. También, la suite es una pieza musical con una estructura que se compone de movimientos breves.

    Ambos significados están presentes en la curaduría al proponer un conjunto de obras sonoras e instalaciones que crean múltiples narrativas, alterando los límites entre el exterior y el interior de Proa.

    Artistas: Michel Blazy (Francia, 1966), Monica Bonvicini (Italia, 1965), Céleste Boursier-Mougenot (Francia, 1961), Elina Brotherus (Finlandia, 1972), Tom Burr (Estados Unidos, 1963), Jennifer Douzenel (Francia, 1984), Maurizio Cattelan (Italia, 1960) / Philippe Parreno (Argelia, 1964), Michel François (Bélgica, 1956), Víctor Florido (Argentina, 1976), Pauline Fondevila (Francia, 1972), Vincent Ganivet (Francia, 1976), Shilpa Gupta (India, 1976), Séverine Hubard (Francia, 1977), Joan Jonas (Estados Unidos, 1936), Peter Kogler (Austria, 1959), Vincent Lamouroux (Francia, 1974), Christian Marclay (Estados Unidos, 1963), Gordon Matta-Clark (Estados Unidos, 1943), Arno Rafael Minkkinen (Finlandia, 1945), Carsten Nicolai (Alemania, 1965), Gabriel Orozco (México, 1962), Laurent Perbos (Francia, 1971), Denis Savary (Suiza, 1981), Joel-Peter Witkin (Estados Unidos, 1939)

    www.proa.org

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  • Título: La Suite
    Autor: arsOmnibus
    Fecha: 09/07/2021
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    Una exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), con curaduría de los artistas Sigismond de Vajay – Juan Sorrentino.
     
    El término suite que da nombre a la muestra refiere a variados y múltiples significados. En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta “normalidad”, la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. También, la suite es una pieza musical con una estructura que se compone de movimientos breves.
     
    Ambos significados están presentes en la curaduría al proponer un conjunto de obras sonoras e instalaciones que crean múltiples narrativas, alterando los límites entre el exterior y el interior de Proa. Los curadores comentan sobre La Suite: “tiene muchas maneras de interpretarse, pero a nosotros nos interesa pensar a este conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite compuesta por muchas piezas -que lógicamente tiene que ver con lo musical-, con la experiencia, con lo espacial y además con el juego de la idea del porvenir. Son ideas muy presentes en este momento, por el contexto”.
     
    El proyecto comenzó a diseñarse en 2019, adaptándose curatorial y conceptualmente a la nueva realidad de los espacios culturales. Partiendo de los lenguajes de la práctica artística contemporánea, que permiten la edición de nuevas versiones de los sitespecific, la ejecución a distancia y la adaptación de la obra a cada espacio expositivo, La Suite se conformó con un grupo de piezas que ponen en diálogo a artistas distantes tanto en el espacio como en el tiempo.
     
    La selección de obras incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific y tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras. Las instalaciones sonoras marcan una puntuación que amplía las dimensiones sensoriales del espectador.
     
    Una gran oportunidad para recorrer una exposición multidisciplinaria, con obra de artistas internacionales que en su mayoría presentan sus proyectos por primera vez en nuestro país y en la región.

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  • Título: PROA abre sus puertas con una experiencia inmersiva donde el hilo conductor es el sonido
    Autor: Dolores Pruneda Paz
    Fecha: 08/07/2021
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    CULTURA

    08/07/2021 12:23 - LA SUITE

    PROA abre sus puertas con una experiencia inmersiva donde el hilo conductor es el sonido

    La muestra que hasta octubre podrá recorrerse en PROA -Avenida Pedro de Mendoza 1929, CABA- reúne piezas de 41 artistas de todo el mundo, la mayoría inéditas en Argentina: fotos, instalaciones, esculturas, videos, pinturas, arte sonoro y site-specifics elegidos entre las 30 mil obras que integran los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) de Francia.

    Por Dolores Pruneda Paz
     "La Suite" tiene el valor de evocar un tono emocional prepandémico, si no celebratorio más liviano que el presente.
    "La Suite" tiene el valor de evocar un tono emocional prepandémico, si no celebratorio más liviano que el presente.
    "La Suite", muestra con la que PROA reabre sus puertas tras las últimas restricciones sanitarias, propone una experiencia inmersiva donde el hilo conductor es el sonido y un contrapunto sustancioso con el contexto: pensada como un movimiento musical que va de lo introspectivo a lo festivo invita a reunirse, protocolos mediante, y a mover el cuerpo, celebrar lo sensorial.

    La muestra que hasta octubre podrá recorrerse en PROA -Avenida Pedro de Mendoza 1929, CABA- reúne piezas de 41 artistas de todo el mundo, la mayoría inéditas en Argentina: fotos, instalaciones, esculturas, videos, pinturas, arte sonoro y site-specifics elegidos entre las 30 mil obras que integran los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) de Francia.

    Pensada en 2019 por los artistas y curadores Juan Sorrentino y Sigismond de Vajay, "La Suite" tiene el valor de evocar un tono emocional prepandémico, si no celebratorio más liviano que el presente, donde el cuerpo es central y cada sala funciona como una pieza musical que conduce a otro momento de una composición mayor.

    A la vez que, teniendo que haber sido rediseñada tras la irrupción de la crisis por Covid19, juega con la idea de la incertidumbre, vinculada a la expresión francesa "comment vient la suite", "¿qué va suceder?".

    La última vez que PROA abrió sus puerta fue el 1 de febrero. Hoy los recorridos serán con reserva online, control de temperatura al ingreso, uso de barbijo y máscaras todo el tiempo, lavado de manos, distanciamiento social, indicaciones de circulación y rellenado obligatorio de un formulario con los datos de cada visitante.

    "Como no habrá el turismo que solía haber en La Boca y el público será muy residente, priorizamos artistas desconocidos: extranjeros que exhiben su obra en Argentina por primera vez u obras inéditas de autores locales inspirados en el espíritu de la FRAC", explica a Télam De Vajay. Estos son: Víctor Florico con pinturas y Sebastián Díaz Morales con un video.







    1 / 5

    -Télam: ¿Desde dónde se pensó a cada una de las piezas que componen esta suite?

    -Juan Sorrentino: T
    omamos cada espacio de Proa como un movimiento musical, las obras de cada sala tienen que ver con ejes que trabajamos en toda la muestra -arquitectura, cuerpo-, todo atravesado por una mirada orientada hacia la escucha. Cada sala tiene una obra o instalación vinculada a la escucha musical -ritmo, espectro, vibración, frecuencias- y esos sonidos interactúan con distintos materiales, como el agua. La selección de las obras tuvo que ver, en definitiva, con el tono, mayor o menor, según la densidad del tema que se pensó para cada sala.

    -T: ¿La pandemia introdujo algún eje en la muestra?

    -J.S : 
    No necesariamente se introdujo la temática de pandemia dentro del recorrido, pero hay una serie de obras, como la de Séverine Hubard -unas gradas hechas con cajones de fruta imposibles para sentarse porque están hacia arriba- que evocan la ausencia, los espacios públicos deshabitados; y esas gradas miran hacia un tacho de basura gigante que produce espuma, de Michel Blazy, que también remite a un escenario urbano desierto.

    -Sigismond de Vajay: La muestra representa una colección así que intentamos poner todo tipo de obras, pero con la pandemia se complicó el transporte y no pudimos traer alguna pinturas y dibujos que habíamos pensado al principio, sin embargo esos formatos están representados en la muestra aunque no con el mismo énfasis que en la colección. Así que hay más videos, más instalaciones, más obras que se hicieron in situ, a distancia, con la colaboración de los artistas. Lo importante es que conservamos el espíritu original e hicimos dialogar una pieza con otra y las salas entre sí, para generar un movimiento circular y ondulaciones que la música toma en cuenta: la experiencia tiene algo colectividad, surge la idea de bailar un poco en esta muestra, de tener al sonido como el hilo rojo que al mismo tiempo permite esos diálogos y algunas idas y vueltas muy interesantes.

    -T: La pandemia podría ser considerada una partícipe necesaria de la exposición que empezó a pensarse justo antes de que un cambio tan radical o abrupto fuera considerado posible a nivel global.

    -S.D.V: 
    Tuvimos que adaptarnos a nuevos protocolos, logísticas, formatos y a que algunas sedes FRAC no estuvieron dispuestas a prestar obra en ese contexto. La pandemia cambió la escenografía por ejemplo, se cayó una obra porque no nos daban los metros para garantizar la distancia necesaria entre visitantes dentro de una sala y hubo otras en las que introdujimos algunas variantes, como con Céleste Boursier.

    Así que hay más videos, más instalaciones y más obras que se hicieron in situ y a distancia, con la colaboración de los artistas: ahí uno se da cuenta que está bueno estar con los artistas al lado y recuerda lo que saben como artesanos, aunque hacer obras a través de instrucciones, lejos de las manos del artista genera nuevas interpretaciones y ese proceso puede ser muy rico. A la vez que hay piezas en las que hacer eso es imposible, como la fotografía de Joel-Peter Witkin: imposible enviarla por we-transfer e imprimirla acá, por lo excepcional de su producción, por eso viajó desde París. Pero lo importante es que conservamos la idea de lo circular, lo inmersivo o escenográfico y lo sonoro. La muestra cobró cuerpo de una manera sutilmente modificada por esta crisis sanitaria, podríamos decir que la pandemia fue un tercer curador, complejo y sutil.

    -T: Las obras pertenecen a los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo (FRAC) de Francia, un modelo prácticamente inédito en el mundo, creado en 1982, que busca descentralizar la cultura haciendo circular el arte de las 23 regiones francesas y que reúne obra de 5700 artistas: un 50% francés y otro 50% del resto del mundo.

    -S.D.V: 
    No es la primera vez que FRAC muestra su colección en otros países y es muy interesante que ahora lo haga. Me parece importantísimo que haya un apoyo desde el Estado a los galeristas y artistas para sostener su trabajo y seguir generando huella en la historia del arte general y contemporánea.

    La colección FRAC es tan cuantiosa que te permite jugar, implica todos los formatos y categorías: joven, viejo, emergente, consolidado, de todo el mundo. Es excepcional que una colección nacional contenga un 50 por ciento de obras de artistas del resto del mundo como ésta y que se construya con formas no tradicionales, como la compra directa a artistas sin galería, lo cual significa una gran ayuda para el sector y permite una pluralidad atípica en colecciones estatales. Además se actualizó en términos de género y raza. Es importante que las colecciones estén equilibradas. Ojalá pudiera inspirar proyectos similares en otros países.

    -T: ¿Cómo creés que impactó la pandemia en la escena artística global?

    -S.D.V: 
    Fue muy desigual, en algunos lugares el desequilibrio fue tremendamente más amplificado que en otros, depende si la mirás desde Europa, desde América del Norte o desde Sudamérica. El mundo del arte es una burbuja, haya o no pandemia sigue como puede, perdieron las ferias, las galerías, pero el mundo del arte se va a restablecer. Con normalidad o sin normalidad la gente va a seguir comprando valores artísticos y culturales como inversión macro, aunque en lo micro es mucho más problemático. Si bien desde Argentina es difícil pensar en que la pandemia ayudó al arte, los NFT (tokens no fungibles, obras digitales) no se hubieran movido tan rápido sin este contexto sanitario de aislamiento. En lo que nos interesa ahora en plan local creo que la pandemia hizo un desastre y no fue fácil, por eso es tan valioso que surja esta muestra.
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  • Título: La suite de Proa: una muestra que rene sonidos poticos en tiempos de cambio
    Autor: Juan Batalla
    Fecha: 08/07/2021
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    Martes 13 de Julio de 2021
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    CULTURA
    “La suite” de Proa: una muestra que reúne sonidos poéticos en tiempos de cambio
    El espacio de La Boca reabre hoy con una exposición, que reúne obras pertenecientes a las colecciones FRAC, en clave musical, que se relaciona con el contexto pandémico desde diferentes perspectivas. Un recorrido posible para un mundo envuelto en ruidos y melodías
    Por
    Juan Batalla
    8 de Julio de 2021
    jbatalla@infobae.com
    La suite de Proa: una muestra que reúne sonidos poéticos en tiempos de cambio
    “La suite” de Proa: una muestra que reúne sonidos poéticos en tiempos de cambio

    La Fundación PROA reabre hoy tras el segundo cierre obligado por pandemia con novedades varias. La principal, como espacio de arte, es que lo hace con nueva e interesante muestra, La suite, donde reúne una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds regional d’art contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), que durante julio puede ser visitada gratuitamente, pedido protocolar de reserva mediante.

    En este regreso, además, el espacio tuvo una renovación en detalles que la vuelven más atractiva para los públicos, como una reformulación de la zona de la librería -con una sección especializada en niños, por ejemplo- como de su Café, con el balcón que fue elevado para que mientras se degusta algún plato se pueda apreciar su privilegiada ubicación en La Boca, con el Riachuelo y aquel imaginario arquitectónico que Quinquela Martín hizo lienzo.

    Ahora, La Suite. La exposición, curada por Sigismond de Vajay -artista, curador y editor- y Juan Sorrentino -artista sonorovisual- se presenta en 5 etapas: PreludioPulsoScherzoAndante Coda, y si bien esta conformación refiere a una pieza musical con una estructura que se compone de movimientos breves, además la elección del nombre puede ser tomada desde la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”), en pos de la incertidumbre sobre el porvenir de los tiempos pandémicos, como de su ascepción de habitación, de espacio que contiene.

    Fundación PROA
    Fundación PROA

    Y hay algo de todo eso a lo largo de una exhibición coral y de tipo collage que incluye fotografías, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific, a partir de las cuales se problematiza sobre esta época excepcional atravesada por el coronavirus desde distintas perspectivas: tanto desde lo simbólico, lo referencial directo, como sobre el sistema de reproducción del arte, los nuevos desafíos, como los de montar una muestra con obras de otros países en un mundo cerrado y cambiante.

    La muestra comienza a corporizarse haciendo visible lo etéreo y lo infinito, con una impresión en vinilo de Peter Kogler, hecha específicamente para la fundación, que envuelve toda la recepción a partir de líneas que se ramifican, ensanchan y cruzan sobre paredes y techo, como representación de las ondas de sonido que atraviesan el espacio y el tiempo.

    La impresión que integra el Preludio se presenta así en tanto ingreso a uno de los sentidos de la puesta, el del sonido, y también como puente a la alegoría de la caverna platónica, explican los curadores, “dado que allí se genera una total inmersión, una apariencia de cambio en las proporciones de la figura humana”.

    El recorrido comienza con un vinilo de Peter Kogler
    El recorrido comienza con un vinilo de Peter Kogler

    Durante agosto, en la explanada de ingreso, se instalará Púrpura profundo (Deep Purple), de Tom Burr, una obra que se apropió del concepto de la famosa Tilted Arc de Richard Serra, realizada en los ’80. La pared púrpura de madera y acero pintado de Burr -la de Serra fue realizada en acero corten, que tiene la propiedad que la oxidación natural (y buscada) proteja a la pieza- funciona en varios sentidos: por un lado como una suerte de pared acústica simbólica y se sumerge de pleno en la cuestión de la tradición posmodernista de la apropiación.

    Y es que una de las características de la muestra es que sus participantes, salvo Gordon Matta-Clark, está compuesta por todos artistas vivos, y a partir de la mirada curatorial se logra un corpus poético para representar un presente que se vuelve singularisimo históricamente, si tenemos en cuenta que es la primera vez que el arte -que no piensa en términos pictóricos o escultóricos tradicionales- enfrenta un escenario pandémico común en lo global.

    Qué se dirá sobre este momento del arte en el futuro no solo pasará por las obras realizadas como manifestación inevitable del contexto, sino también pensando cómo ese contexto produjo una ruptura más profunda aún de lo que se considera una obra única, irrepetible, intransmutable.

    En ese sentido, la propuesta de PROA también indaga en la incorporeidad del arte, en la expresión espiritual y en lo fluido de la tecnología, en que la que cada pieza puede viajar en tanto información y convertirse en tanto física, a miles de kilómetros de donde fue pensada como sitio específico y, así, generar la apertura para nuevos paradigmas.

    La exhibición fue pensada en 2019, cuando el mundo era el viejo mundo, y con la pandemia no solo se postergó un año, sino que además se alteró la idea original. Lo que iba a ser el tradicional transporte de obras desde las distintas jurisdicciones FRAC, se convirtió -en tiempos de fronteras intermitentemente cerradas y altos costos de transporte, seguros, etc- en un pase de instrucciones y fórmulas, práctica que, sin dudas, llegó para quedarse en el mundo del arte y que fue utilizada, por ejemplo, en varias piezas que se presentaron en Cuando cambia el mundo, realizada en el Centro Cultural Kirchner en marzo de 2021.

    La "Rueda" de Vincent Ganivet, los "Dos barriles" de Zwei Fässer y una captura del video de Monica Bonvicini
    La "Rueda" de Vincent Ganivet, los "Dos barriles" de Zwei Fässer y una captura del video de Monica Bonvicini

    Volviendo. En la primera sala, Pulso, el sonido de un golpeteo persistente pero no maquinal, por ende humano, en el video Martilleando (un viejo argumento) de Monica Bonvicini, genera la atmósfera para las otras dos piezas que parecen a punto de perder el eje: la Rueda de Vincent Ganivet y los Dos barriles en una mesa partida, a modo de planos inclinados, de Zwei Fässer.

    El pulso podría ser entonces no solo ese estímulo periódico corto que late oculto a primera vista, sino también aquello -lo invisible otra vez- que mantiene un equilibrio sobre las estructuras que por su forma circular -o sea, por lo inevitablemente gravitacional- deberían caer, deberían rodar, sin embargo persisten, desafiando a la lógica física, proponiendo una lectura sobre la continuidad de las cosas -para bien o para mal- aún cuando se las encuentre imposibles.

    El Scherzo, nombre de la segunda sala, es un movimiento fijo, rápido, que compone a la sinfonía y es entonces el espacio más desarrollado en esta estética de collage musical de toda la muestra.

    La Tribuna libre, de Séverine Hubard
    La Tribuna libre, de Séverine Hubard

    La Tribuna libre, realizada con cajón verdulero, de Séverine Hubard remite a los espacios culturales inhabitados, a los espectáculos vacíos, a ese público ausente a través de un dispositivo que -al presentar cada eslabón por su boca y no por su base- manifiesta un objeto que rechaza, que no está preparado.

    Más allá de la mirada actual, esa ausencia en las tribunas no es solo la de la pandemia, ya que en el conjunto de obras que la rodean resuena una pasividad social hacia distintas problemáticas que remarcan un mundo herido por la industrialización ciega, la sobrepoblación y la reproducción indiscriminada de basura.

    Veamos. En el centro de la escena se encuentra el Jardín de basura: depósito de desechos, de Michel Blazy, donde la espuma desborda un contenedor industrial. La espuma, asociada a lo limpio, a lo estético y por qué no a lo inocente, avanza indiscriminadamente, brota sin pausa y solo estamos allí como espectadores maravillados por su avance, sin un sentido crítico de su expansión.

    En dos videos - El final del día, de Matta-Clark y Pasajes III, de Sebastián Díaz Morales- se problematiza sobre la destrucción de las fábricas muertas y la continuidad de la vida desenfrenada -en este caso en Yakarta- donde Díaz Morales sigue a un caminante solitario que se atreve a atravesar un mar de motos, caminar por autopistas y calles en las que otros transportes parecen devorar la escena. Es el cuerpo que se expone, que se presenta indómito, móvil, pero a la vez se encuentra rodeado.

    Play
    Pasajes III, de Sebastián Díaz Morales

    Otros tres piezas de videos (Viento, de Joan JonasLas manos, para mi ojo, la mano de mi cuerpo reconstituye mi retrato, de Geta Brătescu, y Una milla de cruces sobre el pavimento, de Lotty Rosenfeld) también recorren la cuestión del cuerpo como medio, contra la naturaleza, contra uno mismo, contra el sistema político.

    En un habitáculo independiente, se presenta En nuestros tiempos de Shilpa Gupta, un subibaja con micrófonos en los extremos, que en la voz de la artista recitan de manera aleatoria y desordenada textos de la independencia de India y Pakistán, y ahondan en la cuestión de la palabra como eje de construcción de sentidos necesarios, aún en la inestabilidad.

    La sala se bifurca para introducir un video musical y coreografiado de Clément CogitoreLas Indias galantes, donde la obra maestra barroca de Jean-Philippe Rameau se presenta en clave de street dance y continúa en otra salita para las fotografías, siempre shockeantes, de Joel-Peter Witkin.

    Obras de Joel-Peter Witkin
    Obras de Joel-Peter Witkin

    La muerte, cadáveres (o partes de ellos), como enanos, transexuales, hermafroditas o personas con deformaciones físicas son capturadas en obras que componen escenas bíblicas, mitos o pinturas famosas, con el procedimiento de gelatino-bromuro, utilizado a fines del siglo XIX. Los cuerpos son, ahora, atravezados por los relatos culturales, aún aquellos que no se encuentran dentro de una estética aceptada.

    Andante, el tercer espacio, hace referencia al tempo, la velocidad con la que se ejecuta una pieza. El Ventilador de Gabriel Orozco que aparece en la entrada parece excitar al aire, convertirlo en viento y afectar la superficies de las otras obras hasta hacerlas vibrar, como en el Canal de olas de Carsten Nicolai, en el que de menos a más se pasa de la calma a la oscilación, algo que se reproduce en el video Destello, de Jennifer Douzenel, donde una toma de trípode fijo captura en plano cerrado el ondular de la luz en la bamboleante superficie del mar.

    El cuerpo resurge en la video-instalación de La secuencia de la bahía negra de Elina Brotherus en el que una mujer ingresa al agua en diferentes momentos del día y en Domingo, de Denis Savary, una pieza fílmica de toma abierta y distante, donde una multitud transita una tierra desértica y blanca como en figuras realizadas por Brueghel el viejo.

    En el extremo, una serie de cubos blancos se entrelazan, parecen desprenderse de la pared, surgir como minerales geométricos rompiendo con la linealidad del cubo, con el orden. Es AR.07, de Vincent Lamouroux, una de las piezas de mayores dimensiones, que sugiere una realidad alternativa.

    AR.07, de Vincent Lamouroux
    AR.07, de Vincent Lamouroux

    En la escalera hacia Coda, el último espacio, la fotografías de Arno Rafael Minkkinen, en la que unos pies parecen caminar sobre el agua y en la que unas manos introducen hacia la naturaleza, proporcionan la transición justa, ya que la sala del segundo piso es una suerte de ecosistema que cierra el concepto de Scherzo, al inicio de la muestra.

    Los Tocones de árbol (Souches) de Laurent Perbos realizados con cortes de mangueras nos hablan de esa sustitución de los productos de la tierra por lo industrial, haciendo juego con el mural oscuro de Pauline Fondevila, 13 lunas en el Riachuelo.

    Un poco más allá, los tubos Azules del cielo, de Patxi Bergé, nos reflejan las derivas cromáticas de un firmamento que puede ser moldeado, modulado, reconvertido y que aún así nos es reconocible.

    Play
    Una de las versiones del trabajo de Céleste Boursier-Mougenot

    Frente a ellos se encuentra la pieza sin título de Céleste Boursier-Mougenot, en la que dos estanques circulares contienen toda una serie de cuencos que la artista afinó personalmente para que cada uno generase una nota musical diferente. Así, a partir de la circulación de agua, se van moviendo de manera aleatoria y generando pequeñas sinfonías al contacto, como en una reformulación del cuenco tibetano o rin gong -pero en porcelana- que depende del caos para existir, pero que genera un efecto de relajación similar.

    El cierre se encuentra en la librería con La dulce utopía, del dueto Maurizio Cattelan - Philippe Parreno, una esfera de vinilo color rosa chicle, que a modo de globo aerostático parece elevarse por el aire caliente que genera candelabro antiguo.

    *La Suite, en Fundación Proa, Av. Don Pedro de Mendoza 1929, La Boca CABA. Desde hoy hasta el octubre, entrada gratuita en julio. Click aquí para reservar entradas

     

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  • Título: La Suite. Mirada sobre los artistas de la coleccin Frac
    Autor: Arte Hispano
    Fecha: 08/07/2021
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    La Suite. Mirada sobre los artistas de la colección Frac

    Se inaugura en Fundación Proa La Suite, exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), con curaduría de los artistas Sigismond de Vajay – Juan Sorrentino.

    El término suite que da nombre a la muestra refiere a variados y múltiples significados. En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta “normalidad”, la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. También, La Suite es una pieza musical con una estructura compuesta por movimientos breves.

    Ambos significados están presentes en la curaduría al proponer un conjunto de obras sonoras e instalaciones que crean múltiples narrativas, alterando los límites entre el exterior y el interior de Proa. Los curadores comentan sobre La Suite: “tiene muchas maneras de interpretarse, pero a nosotros nos interesa pensar a este conjunto de obras breves que forman un gran movimiento, una gran obra que es La Suite compuesta por muchas piezas -que lógicamente tiene que ver con lo musical-, con la experiencia, con lo espacial y además con el juego de la idea del porvenir. Son ideas muy presentes en este momento, por el contexto”.

    El proyecto comenzó a diseñarse en 2019, adaptándose curatorial y conceptualmente a la nueva realidad de los espacios culturales. Partiendo de los lenguajes de la práctica artística contemporánea, que permiten la edición de nuevas versiones de los site-specific, la ejecución a distancia y la adaptación de la obra a cada espacio expositivo, La Suite se conformó con un grupo de piezas que ponen en diálogo a artistas distantes tanto en el espacio como en el tiempo.

    La selección de obras incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific y tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras. Las instalaciones sonoras marcan una puntuación que amplía las dimensiones sensoriales del espectador.

    Una gran oportunidad para recorrer una exposición multidisciplinaria, con obra de artistas internacionales que en su mayoría presentan sus proyectos por primera vez en nuestro país y en la región.

    Artistas:
    Michel Blazy (Francia, 1966), Patxi Bergé (Francia, 1988), Monica Bonvicini (Italia, 1965), Céleste Boursier-Mougenot (Francia, 1961), Geta Brătescu (Rumania, 1926-2018), Elina Brotherus (Finlandia, 1972), Tom Burr (Estados Unidos, 1963), Clément Cogitore (Francia, 1983), Sebastián Díaz Morales (Argentina, 1975), Jennifer Douzenel (Francia, 1984), Maurizio Cattelan (Italia, 1960) / Philippe Parreno (Argelia, 1964), Michel François (Bélgica, 1956), Víctor Florido (Argentina, 1976), Pauline Fondevila (Francia, 1972), Vincent Ganivet (Francia, 1976), Shilpa Gupta (India, 1976), Séverine Hubard (Francia, 1977), Joan Jonas (Estados Unidos, 1936), Peter Kogler (Austria, 1959), Vincent Lamouroux (Francia, 1974), Christian Marclay (Estados Unidos, 1963), Gordon Matta-Clark (Estados Unidos, 1943-1978), Arno Rafael Minkkinen (Finlandia, 1945), Carsten Nicolai (Alemania, 1965), Gabriel Orozco (México, 1962), Laurent Perbos (Francia, 1971), Lotty Rosenfeld (Chile, 1943-2020), Denis Savary (Suiza, 1981), Roman Signer (Suiza, 1938), Joel-Peter Witkin (Estados Unidos, 1939)

     

    La Suite
    Mirada sobre los artistas de la colección Frac

    Desde el 1 mayo al 1 de septiembre de 2021
    Curaduría: Sigismond de Vajay – Juan Sorrentino

    Fundación Proa
    Avda. Pedro de Mendoza 1929
    Ciudad Autónoma de Buenos Aires

     

     

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    • Espacio dedicado a las Artes Visuales, de reflexión, debate sobre el campo artístico y el desempeño de sus actores, entrevistándolos e indagando los nuevos públicos, el rol de la crítica y los nuevos circuitos de producción y circulación que funcionan con Internet como medio de conexión y difusión.
     

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  • Título: Exposicin en La Boca Vuelve Proa: cmo salirnos del encierro para ir a mirarnos (mejor)
    Autor: Patricia Kolesnicov
    Fecha: 07/07/2021
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    Ruedas de hormigón, árboles de manguera o un contenedor de basura con espuma son parte de la muestra. Por qué nos hablan.

    Estanque artificial. El curador Juan Sorrentino, en la muestra "La Suite" en Proa. Foto Emmanuel Fernández

    Patricia Kolesnicov

    Patricia Kolesnicov

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    07/07/2021 15:08  Actualizado al 07/07/2021 15:08

    Qué es lo que disfrutamos en un museo es algo difícil de precisar. A veces vemos mundos pasados, a veces admiramos talento; a veces nos divertimos, a veces nos enojamos, nos quedamos sin comprender. Qué es esta emoción de recorrer salas enormes y ver ruedas de hormigón o barriles o espuma que sale de un contenedor. Eso pasa y eso me pregunto en la muestra La suite, con la que reabre Fundación Proa.

    La exposición abre este jueves, en La Boca. La tiene difícil Proa: lo que ponga en sus salas siempre compite con el río, enfrente, presente, colándose por los ventanales. Esta vez son fotografías, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas hechas especialmente para el lugar.

    Las obras son parte de la colección de los Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia. Pero, ah, casi todo se hizo acá: cosas del arte contemporáneo; se trata de una idea que se puede transmitir para que otro la ejecute. Lo que llegan son instrucciones. ¿Son idénticas todas las versiones? No, pero la obra -la idea, el efecto- es la misma.

    Enrique Sotera, realizador, con la obra de Laurent Perbos, en Proa.

    Enrique Sotera, realizador, con la obra de Laurent Perbos, en Proa.

    "Tengo años de interpretar a otros", dice, máquina en mano, Ernesto Sotera. Está levantando Tocones de árbol, una obra de Laurent Perbos (Bordeaux, 1971) hecha con mangueras. Un bosque trunco y seco, pero colorido y hecho a mano.

    "Esta obra es muy laboriosa", dice. Y "acá en el original quedaba un hueco pero preferí hacer un giro con las mangueras y..." Sonríe con un discreto orgullo. Hasta el tipo de manguera y el pegamento que había que usar le indicaron. Pero el pegamento no existía acá, así que ahí también tuvo que ponerse creativo.

    Pero empecemos por el principio, por la puerta. Una especie de vértigo tomó la entrada de Fundación Proa. Algo así como una telaraña que cubre el piso y las paredes y de la que hay que abstraerse... o huir. "Impresión digital en vinilo", dice la guía. Es una obra que Peter Koglar (Austria, 1959) diseñó especialmente para este hall. Hola, ya estamos en un lugar de arte, un lugar distinto, quedó claro. Pasemos a la otra sala.

    Entrada vertiginosa. Una obra de Peter Koglar cubre el acceso a Proa.  Foto Emmanuel Fernández

    Entrada vertiginosa. Una obra de Peter Koglar cubre el acceso a Proa. Foto Emmanuel Fernández

    "Se trata de la tensión" -¿la tensión de la pandemia que vivimos?-, dice uno de los curadores, Juan Sorrentino (el otro es Sigismond de Vajay).

    Estamos frente a una rueda hecha con bloques de hormigón y tacos de madera. Los ajusta una cinta pero no los unen tornillos, nada: es una obra de Vincent Ganivet (Suresnes, 1976). En la misma sala otros objetos tan "poco artísticos" como dos barriles. Están puestos sobre planos inclinados, sostenidos pero late ahí la amenaza de la caída y ¿la explosión?

    Los barriles son obra de Roman Signer (Appenzell, Suiza, 1938) y entre tanto material de construcción -¿la reconstrucción que habrá que hacer inevitablemente?- no es raro que suenen golpes, como una maza. En la recorrida. pienso que bueno, al lado, por acá, habrá alguien trabajando pero doy vuelta una parecita y no encuentro un obrero sino un video.

    Así es: un video -golpes de maza, golpes de maza, golpes de maza- donde una mano femenina va rompiendo el revoque hasta llegar al ladrillo. La obra es de Monica Bonvicini (Venecia, 1955) y se llama Martillando (un viejo argumento). Lo que es necesario romper lo irá pensando quien mire, si se queda un rato.

    La tribuna vacía

    Y entonces una vuelta más y ahí está la tribuna. Como de anfiteatro pero el barrio hace pensar también en la cancha. Tribuna libre, se llama, de hecho y la pensó Séverine Hubard, una artista francesa que vivió en Buenos Aires. Con cajones de manzana está hecha, más frágil no puede ser. Pero los cajones no están dados vuelta sino dispuestos como se usan para poner las manzanas; es decir, nadie se puede sentar ahí.

    Es una obra de 2021. ¿Habla del vacío de los lugares públicos? ¿De la vida social? ¿De cómo se vaciaron los teatros, de las canchas, las salas como esta? Hay que ir y sentirlo. Y me cuentan.

    Con cajones de manzana. La obra de Hubard, ¿la fragilidad y el vacío? Al costado, la espuma cae del contenedor de basura.
Foto Emmanuel Fernández

    Con cajones de manzana. La obra de Hubard, ¿la fragilidad y el vacío? Al costado, la espuma cae del contenedor de basura. Foto Emmanuel Fernández

    Ahí nomás, frente los cajones sale espuma de un contenedor de basura que creó Michel Blazy. Una "fuente urbana" me dice Sorrentino. La espuma blanca, suave, tentadora -¿se podrá tocar?- pero en el tacho. Con los cajones al lado, algún efecto urbano produce, además. Y no cualquiera: una ciudad precaria y cercana: a cada rato vemos gente con gancho pescando algo que no es espuma de contenedores así.

    Mientras tanto, se oye un ruido como de motor. ¿Qué es eso? La respuesta, en la otra sala: una bandeja de aluminio de Carsten Nicolai (Chemnitz, Alemania, 1955) contiene agua. Y debajo de ella, unos parlantes van tocando distintas notas. Según qué toque, el agua hace figuras. Y se han hecho "copias" de esas figuras, que cuelgan de la pared. Es hipnótico.

    Esta sala es blanca, calma. Por al lado de una obra pasa el 29. ¿Qué? Miro dos veces: ¿es un video que recuerda dónde estamos? No, es una puerta vidriada. La avenida Pedro de Mendoza, gente, hasta un poco de Riachuelo si uno se queda y mira. No está mal.

    Si me doy vuelta, de espaldas al 29 hay una especia de montaña geométrica que ciega de blanca. O cubos desparramados. La obra es de Vincent Lamouroux (1974) y apostamos que será la que va a funcionar en Instagram, la que usaremos para subir nuestra foto.

    Blanco sobre blanco. La obra de Vincent Lamouroux en Proa. Foto Emmanuel Fernández

    Blanco sobre blanco. La obra de Vincent Lamouroux en Proa. Foto Emmanuel Fernández

    O quizás compita, en el piso de arriba con los árboles de Sotera (y de Lauret Perbos). Tan plásticos, tan lindos, tan desoladores. Consolados apenas por el sonido acuático de unos cuencos que, efectivamente, flotan en dos estanques redondos. Es un trabajo de Céleste Boursier-Mougenot (Niza, 1961) y los cuencos, afinados para dar distintas notas, sí viajaron desde Francia.

    Árboles y estanques, recuerdos de la naturaleza y de la intervención humana en ella. ¿Qué otra cosa es el arte que algo que no es natural, incluso cuando se hace con elementos que sí lo son? El arte es artificio, decía el ruso Victor Shklovski. Desnaturaliza, justamente, y así nos hace volver a ver lo que por efecto de estar siempre ahí ya no percibíamos.

    Ya yéndonos, un globo de helio que se verá mejor desde el café que tiene Proa. Es obra de una celebridad, Maurizio Cattelan, con Philippe Parreno. Un globo rosa debajo del que cuelga un candelabro antiguo y comprado en Buenos Aires. El título pesa: se llama La Dolce Utopia. Una utopía rosada, antigua, con intenciones de belleza, me hace pensar en mi abuela.

    Una utopía rosa y antigua. La obra de Cattelan y Parreno. Foto Emmanuel Fernández

    Una utopía rosa y antigua. La obra de Cattelan y Parreno. Foto Emmanuel Fernández

    Volver a ver, volver a mirarnos, bajar un cambio y mirar la música. Algo de eso -¿será?- es parte de la felicidad de recorrer esta muestra y no hay transmisión por zoom que nos pueda hacer sentir algo parecido.

    Un paso atrás, en un video, la chilena Lotty Rosenfeld pinta cruces blancas sobre la ruta, en 1979, plenos pinochetismo y muerte en su país. Cuando bajo la escalera, desde la calle se mete por la ventana una enorme cruz del mismo color, plantada en la ribera. El mundo se parece tanto al arte.

    PK

    Ficha

    La suite

    Dónde: Fundación Proa, Av. Pedro de Mendoza 1929.

    Cuándo: Desde el 8 de julio de 2021.

    Horarios: De jueves a domingos de 12 a 18.

    Entrada: En julio, gratis.

    Curadores: Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino.

    Visitas: Reservar acá.



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  • Título: Bueno, bonito y barato: la nueva receta para crear muestras internacionales a distancia
    Autor: Celina Chatruc
    Fecha: 06/07/2021
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    Con la inauguración de La Suite, exposición producida en Buenos Aires con artistas de colecciones públicas francesas, Fundación Proa vuelve a demostrar que es una institución pionera
    6 de julio de 202113:46
    Ir a notas de Celina Chatruc
    Celina Chatruc
    LA NACION
    La intervención de la entrada de Fundación Proa fue diseñada para este espacio por el artista austríaco Peter Kogler y realizada por un equipo local
    La intervención de la entrada de Fundación Proa fue diseñada para este espacio por el artista austríaco Peter Kogler y realizada por un equipo localAlfieri Mauro - La Nacion
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    Basta abrir la puerta de Fundación Proa para iniciar la experiencia: una trama de líneas negras ondulantes que se extiende por el piso, las paredes y el techo convierte la recepción en una obra de connotaciones múltiples. Al impacto de lo tridimensional, potenciado tras un año y medio de sobreadaptación a las pantallas, se suma la admiración por estar ante un ejemplo de trabajo colaborativo que logró superar las limitaciones impuestas por la pandemia. Diseñado para este espacio por el artista austríaco Peter Kogler y realizado por un equipo local, es también el preludio de una muestra que apela al oído, sentido que quedó relegado de la atención ante el coronavirus pero que se está haciendo escuchar en el terreno de las llamadas “artes visuales”.


    AR.07 (2008/2021), de Vincent Lamouroux, implicó todo un desafío para el equipo supervisado por Pablo Zaefferer, responsable de Montaje en Fundación Proa
    AR.07 (2008/2021), de Vincent Lamouroux, implicó todo un desafío para el equipo supervisado por Pablo Zaefferer, responsable de Montaje en Fundación ProaAlfieri Mauro - La Nacion

    Además de ser fácil de transportar en momentos de fronteras cerradas, que impidieron el viaje de los artistas como estaba previsto, “el sonido explora otras dimensiones del arte. Es menos intelectual, incorpora la dimensión del tiempo, está vinculado con la experiencia del momento, es expresivo en lo inmediato”, señala Juan Sorrentino, artista experto en el tema y cocurador junto a Sigismond de Vajay de la exposición que abre al público el jueves.

    Ambos comenzaron a revisar hace dos años 30.000 obras de las colecciones de los FRAC (Regionales de Arte Contemporáneo de Francia) para seleccionar las más de cuarenta piezas que componen La Suite, incluidas algunas realizadas por grandes figuras como Maurizio Cattelan, Philippe Parreno, Joan JonasLotty RosenfeldGabriel Orozco, Gordon Matta-Clark, Joel-Peter Witkin y Christian Marclay. En su mayoría, presentan sus proyectos por primera vez en la región.

    Recreación de La dulce utopía (1996), obra de Maurizio Cattelan y Philippe Parreno, en el café de Proa
    Recreación de La dulce utopía (1996), obra de Maurizio Cattelan y Philippe Parreno, en el café de ProaAlfieri Mauro - La Nacion

    La inesperada pandemia, por supuesto, cambió varias veces los planes. Y la mayoría de las instalaciones tuvieron que producirse in situ a distancia, en base a las indicaciones de los artistas. “Fue más complejo que montar muestras como la de Ai Weiwei, porque ellos trajeron sus equipos”, dice sin dudar Pablo Zaefferer, responsable de Montaje en Fundación Proa, habituado a encarar proyectos desafiantes. Como la muestra de Anish Kapoor, en 2019, o la de Louise Bourgeois que incluyó hace una década la colosal Maman, una araña de diez metros de alto y 22 toneladas instalada en la vereda frente al Riachuelo.

    Tribuna libre, de Séverine Hubard, realizada con cajones de fruta
    Tribuna libre, de Séverine Hubard, realizada con cajones de frutaAlfieri Mauro - La Nacion

    Eran otros tiempos. “Ahora viajaron las instrucciones, no las obras. Y en varios casos se hicieron versiones distintas de las originales. Es una opción extraordinaria que alienta la creación contemporánea”, opina Adriana Rosenberg, presidenta de Fundación Proa. En sintonía con la estrategia utilizada por la feria ARCO para incluir arte latinoamericano en la edición que se presenta en Madrid esta semana, o con el monumental Big Ben que Marta Minujín recostó en Manchester por videollamada desde Buenos Aires, en este caso tampoco hubo gastos para cubrir fletes, seguros o viajes de artistas y curadores.

    Los bloques de hormigón que componen la Rueda de Vincent Ganivet son Made In Argentina
    Los bloques de hormigón que componen la Rueda de Vincent Ganivet son Made In ArgentinaAlfieri Mauro - La Nacion

    Entre esas instalaciones reformuladas, que requirieron un diálogo constante con los artistas residentes en distintos países, se cuenta La dulce utopía concebida en 1996 por Parreno y Cattelan, el polémico artista italiano que instaló hace tres años un cementerio ficticio en el corazón de Palermo y que sorprendió al mundo al vender bananas en Art Basel. El gran globo relleno de helio que flota ahora en el centro del café de Proa es rosa y no azul como el original, y parece impulsado por el calor de un candelabro comprado en Buenos Aires. También los bloques de hormigón que componen la Rueda de Vincent Ganivet son Made In Argentina, y no solo por la dificultad de traerlos desde Francia.

    “Para respetar el sentido de la obra, su forma tenía que ser reconocible por el público local”, explica Pablo Zaefferer, mientras lidia a último minuto con la elevación de una columna de espuma que debe alcanzar los dos metros de altura para adoptar después otras formas. “La estamos domando”, asegura, tras haber invertido mucha energía en conseguir el proveedor apropiado para recrear el Jardín de basura de Michel Blazy.

    La espuma creada por El Jardín de basura de Michel Blazy debe alcanzar dos metros de altura para adoptar después otras formas. La estamos domando, asegura el jefe de Montaje de Proa
    La espuma creada por El Jardín de basura de Michel Blazy debe alcanzar dos metros de altura para adoptar después otras formas. “La estamos domando”, asegura el jefe de Montaje de ProaAlfieri Mauro - La Nacion

    Otras dos obras que involucran el uso de agua, elemento que atraviesa toda la muestra, se cuentan entre las pocas que viajaron desde Francia: el Canal de olas de Carsten Nicolai, en el cual el líquido asume formas abstractas al reaccionar ante frecuencias variables de sonido, y la bellísima instalación sin título de Céleste Boursier-Mougenot, que propone una experiencia de contemplación irreproducible en versión digital. En este caso se importaron los cuencos de porcelana afinados en distintas notas, pero para que pudieran sonar fue necesario construir piletas que les permitieran flotar y chocar entre sí.

    Para realizar la instalación de Céleste Boursier-Mougenot se importaron los cuencos flotantes de porcelana afinados en distintas notas. Fue necesario construir piletas que les permitieran flotar y chocar entre sí
    Para realizar la instalación de Céleste Boursier-Mougenot se importaron los cuencos flotantes de porcelana afinados en distintas notas. Fue necesario construir piletas que les permitieran flotar y chocar entre síAlfieri Mauro - La Nacion

    Esos tonos e intensidades están reflejados en las palabras que identifican las salas: Pulso, Scherzo, Andante, Interludio y Coda. El término “Suite” que da nombre a la muestra, explican los curadores, alude a una pieza musical con una estructura que se compone de movimientos breves. Pero también a la expresión francesa “comment vient la suite” (“qué va suceder”), que expresa incertidumbre sobre el porvenir.

    En primer plano, una de las pocas obras que viajaron desde Francia: el Canal de olas de Carsten Nicolai, en el cual el agua asume formas abstractas al reaccionar ante frecuencias variables de sonido
    En primer plano, una de las pocas obras que viajaron desde Francia: el Canal de olas de Carsten Nicolai, en el cual el agua asume formas abstractas al reaccionar ante frecuencias variables de sonidoAlfieri Mauro - La Nacion

    En el contexto actual, pocas personas más preparadas para dirigir este coro de respuestas que De Vajay. Nacido en París en 1972 y radicado en Buenos Aires desde 2009, es artista, curador y editor, trabajó en distintos países y tiene triple nacionalidad: argentina, húngara y suiza. Impulsó y trajo a la Argentina el proyecto internacional Of Bridges & Borders -exhibido en Cceba, en Proa y en el Moderno-, y produjo las 18 obras de la Art Basel Cities Week: Buenos Aires.

    Fotografías de las formas abstractas producidas en el agua por el sonido, en la obra de Carsten Nicolai
    Fotografías de las formas abstractas producidas en el agua por el sonido, en la obra de Carsten NicolaiAlfieri Mauro - La Nacion

    “Nos pareció interesante dar cuenta del proceso, del tiempo pasado y de la idea de lo que se viene, esa nueva normalidad que aún no llega y de la que se habla globalmente”, dice De Vajay sobre esta muestra que reúne fotografías, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specific, y que vuelve a poner el foco sobre temas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia. Partiendo de los lenguajes de la práctica artística contemporánea, que permiten la ejecución a distancia y la adaptación a cada espacio expositivo, La Suite logró componer un diálogo entre artistas de diversas culturas, distantes en el espacio y en el tiempo, que se hace escuchar en un idioma universal.

    Ventilador, recreación actual de una obra de Gabriel Orozco de 1997, realizada con ventiladores y papel higiénico
    Ventilador, recreación actual de una obra de Gabriel Orozco de 1997, realizada con ventiladores y papel higiénicoAlfieri Mauro - La Nacion

    Para agendar:

    La Suite. Mirada sobre los artistas de la Colección FRAC. Desde el 8 de julio hasta octubre en Fundación Proa (Av. Don Pedro de Mendoza 1929). Con reserva de turno en proa.org



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  • Título: La Suite, nueva exposicin en la Fundacin Proa
    Autor: Rotularte
    Fecha: 04/07/2021
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    La Suite, nueva exposición en la Fundación Proa

    por  | Jul 4, 2021 | Muetras de arte

    La Suite - Exposición Fundación Proa - 2021

    Este 8 de Julio inaugura en la Fundación PROA, «La SUITE» una exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds regional d’art contemporain – Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), con curaduría de los artistas Sigismond de Vajay – Juan Sorrentino.

    El término suite que da nombre a la muestra refiere a variados y múltiples significados. En el contexto actual donde el mundo está a la espera de una supuesta «normalidad», la expresión francesa «comment vient la suite» («qué va suceder»), expresa la incertidumbre sobre el porvenir, sobre el nuevo futuro. El proyecto comenzó a diseñarse en 2019, adaptándose curatorial y conceptualmente a la nueva realizad de los espacios culturales. La Suite se conformó con un grupo de piezas que ponen en diálogo a artistas distantes tanto en el espacio como en el tiempo.

    Las elección de obras incluye fotografías, performances, instalaciones, esculturas, videos, pintura, arte sonoro y piezas site-specifi. Tematiza problemáticas de actualidad como la autoría de la obra, el original y la copia, y el uso de materiales cotidianos como sustento, entre otras.

    Proceso de Pre-Imopresión - Instalación Peter Kogler - La Suite - Fundación Proa

    La instalación de Peter Kogler (Austria, 1959) con la producción de RotulArte

    Desde un archivo en escala digital de formato PDF partíó nuestro desafío de plasmar la visión del artista Peter Kogler a la entrada y hall principal de la Fundación Proa. Primero realizamos un relevamiento exhaustivo en el museo de todas las paredes, techos, pisos y escaleras para determinar fehacientemente que lo real coincida con el plano entregado. La obra del austriáco, una trama de líneas en blanco y negro que varía en toda su extensión y sigue su curso en el piso, paredes y techo. El trabajo se imprimió en sistema digital eco-solvente sobre vinilo Ritrama mate, ya que el cliente así lo requirió. Como un rompecabezas, cada parte se panelizó y se preparó por sector para poder pegarse in situ.

    Proceso de impresión - Instalación Peter Kogler - Fundación Proa

    El mayor desafío fue la instalación debido a la complejidad del trabajo. Los andamios provistos en las escaleras y techos requirieron de una gran logística para poder trabajar de forma segura y ágil. Nuestro equipo logró culminar el proceso de instalación en apenas 5 días.

    Instalación - Peter Kogler - Fundacion Proa

    El resultado final genera un gran impacto al espectador que merece ser visto. Agradecemos a la Fundación Proa por la confianza depositada en RotulArte.

    • Mostrador - Fundación Proa
    • Piso - Fundación Proa
    • Instalación Peter Kogler - Fundación Proa
    • Instalación en Techo y Escaleras - Fundación Proa
    • Recepción - Fundación Proa

    Los invitamos a visitar la muestra, una gran oportunidad para recorrer una exposición multidisciplinaria, con obra de artistas internacionales que en su mayoría presentan sus proyectos por primera vez en nuestro país y en la región.

     

    Organiza: Fundación Proa – Platform FRAC, París
    Apertura: días y horarios a confirmar
    Fundación PROA – Av. Pedro de Mendoza 1929
    De jueves a domingo, de 12 a 19 Hs.

     

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  • Título: La calle, futura sala del museo
    Autor: Laura Casanovas
    Fecha: 18/06/2021
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    Ante la flamante reapertura presencial en los espacios interiores, directores y curadores hacen balance del nuevo vínculo del arte con el espacio público. Preguntamos a algunos referentes centrales por las lecciones del Covid y los desafíos del porvenir. En contraste, la mirada de la Academia de Bellas Artes.

    Obra de Dan Graham en Proa., 2019. La traba logística perjudicó a la mejor vereda porteña

    Si bien el arte contemporáneo no ha cesado de diversificar sus apuestas en el espacio público, con la pandemia de Covid-19 surge la pregunta acerca de la incidencia de la emergencia sanitaria en la constitución de una relación diferente. Ante la nueva reapertura de los museos y otros espacios culturales desde el viernes 18 de junio, Ñ convocó a un grupo de directores, gestores y curadores del país para conocer su mirada sobre el tema a futuro, con la experiencia de un año de camino desde el inicio de la actual situación. ¿La pandemia está redefiniendo el rol del espacio público para las artes visuales en la tensión entre exterior e interior? ¿de qué manera? ¿Se trata de una respuesta coyuntural o de consecuencias en el largo plazo?

    Una de las principales conclusiones, posiblemente, sea que el campo del arte siempre busca el cambio, el movimiento y, por lo tanto, el momento presente se constituye en otra instancia más para llevan adelante nuevas búsquedas. La creación siempre encuentra recovecos y recuerda “las operaciones infinitamente complejas de la inteligencia humana en la forma artística”, tal escribe el historiador del arte Thomas Crow en La inteligencia del arte.

    Algunas instituciones fortalecieron su expansión puertas afuera a través de intervenciones en las fachadas de los edificios, performances, mayor contacto con la comunidad y todo el potencial de la virtualidad. María Isabel Baldasarre, directora Nacional de Museos, recuerda que el espacio público y la calle, como sitio para las artes visuales, tienen una tradición fructífera y potente en la Argentina. El domingo último, el artista Bruno Galati realizó una intervención en la fachada del Edificio anexo de la casa histórica del Complejo Histórico cultural Museo Nacional Casa del Acuerdo en la ciudad de San Nicolás.

    “¿En estos momentos, lo “público” es el espacio al aire libre o acaso Internet –a pesar de requerir de un dispositivo para su acceso– no se tornó tan o más público que el “espacio público” tradicional?”, se pregunta Florencia Battiti, curadora en jefe del Parque de la Memoria, y considera que esta tensión fue abordada con mayor sensibilidad e inteligencia por los artistas. Un claro ejemplo es el del proyecto “Mi vereda” de Valeria Vilar, quien invitó a varios artistas –Diana Aisenberg, Sofía Bohtlingk, Nushi Munstaabski, Ana GallardoMariano Giraud, Malena Pizani, entre otros– a exponer sobre su vereda de la calle Soler, en Palermo. Este proyecto llegó hasta la vereda del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

    Esta última institución es pensada en la actualidad por su directora, Victoria Noorthoorn, a partir de un sistema híbrido entre el adentro y el afuera, que fortalece al museo. Desde febrero puede verse en la fachada de Av. San Juan 350 la cromática intervención de sitio específico del artista Elian Chali. El Moderno acaba de lanzar Kilómetro 1, una propuesta de vinculación con el barrio de San Telmo para potenciar artistas, sus talleres y las propuestas sociales y culturales desarrolladas a diez cuadras a la redonda.

    También Adriana Rosenberg, presidenta de Fundación Proa, destaca la importancia de estrechar los lazos aún más con el barrio. Desde sus comienzos, Proa ofrece en su amplia vereda de La Boca una obra de arte público que acompaña a cada exposición. Próximamente se instalará un impactante trabajo del artista Tom Burr como parte de la exposición La Suite, con obras de la colección FRAC, Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia.

    "Imaginamos un futuro donde la ciudad sea una plataforma con espacios de participación cultural en todas partes", aportó el ministro de Cultura porteño, Enrique Avogadro, a propósito del tema. "El espacio público será fundamental para que artistas puedan compartir y desarrollar su trabajo, garantizando la salud y seguridad de todos".

    Entre septiembre y noviembre del año pasado, el Museo Nacional de Bellas Artes decidió exhibir en su hall de ingreso la emblemática obra “La civilización occidental y cristiana”, de León Ferrari, para que pudiera ser vista desde la calle, al celebrarse el centenario del artista. La obra iba a formar parte de una muestra antológica que debió posponerse para el año próximo. Andrés Duprat, director del Bellas Artes, consideró como posible desafío a futuro poder integrar más el arte con la vida si se piensa que sacar el arte a la calle es una forma de democratizar. Y agregó: “Si bien esta encrucijada [la de la pandemia] es nueva, no lo es la necesidad de reinvención en el arte”.

    Espacios porosos y de contención

    Por Adriana Rosenberg, Presidenta de Fundación Proa.

    La presencia de las fachadas de vidrio en el edificio de Proa, en La Boca, persiguió desde su misión fundacional la voluntad de borrar límites entre exterior e interior incorporando al paisaje urbano nuevas vistas de la Vuelta de Rocha. Esta concepción se manifiesta en todo el programa que desarrollamos. El emplazamiento en un barrio histórico pero vulnerable nos invitó a crear espacios de encuentro vecinales, que en diálogo con el barrio permitan activar una comunicación directa entre el espacio artístico y la comunidad.

    La necesidad de repensar los sitios de exhibición como espacios abiertos, expandidos, porosos, que puedan generar intercambios significativos con las comunidades que lo rodean, excede por lo tanto las consecuencias de la pandemia y se remonta hasta los años más tempranos de la institución. Una larga historia de los programas educativos construidos en torno a diversas piezas de arte público: Penetrable azul, 1999 de Jesús Rafael Soto; la monumental Maman, 1999 de Louise Bourgeois; Forever Bicycles, 2017 de Ai Weiwei; o la más reciente Whirling, 2019 de Dan Graham, son unos pocos ejemplos de piezas que han propiciado un vínculo directo con los talleres y actividades junto a las familias.

    En relación a las nuevas definiciones del uso del espacio público hoy día, es importante dejar sentado que el Barrio de la Boca sufrió especialmente la clausura de negocios, bares y espacios ligados a la tradición barrial, por la ausencia de turismo relevante. Esto hizo que junto a otras instituciones y comedores, Proa participe de una red de contención frente a la grave problemática, apoyando y generando actividades comunitarias. Desde lo artístico, Proa recuperó el jardín de Proa21 con actividades como cine, perfomance, videos, música, que redefinieron el uso del jardín y apoyaron acciones de jóvenes artistas y creadores. La presencia en la vereda de Vuelta de Rocha durante el período estival 2020-21 y las actividades al aire libre nos permitieron diversificar la oferta con propuestas que excedieron los límites del arte, en apoyo de nuestra comunidad.

    "La civilización occidental y cristiana", la obra de León Ferrari, colgada en el hall de entrada del Museo Bellas Artes, se podía ver desde la calle.

    "La civilización occidental y cristiana", la obra de León Ferrari, colgada en el hall de entrada del Museo Bellas Artes, se podía ver desde la calle.


    Mutaciones

    Por Andrés Duprat, Director del Museo Nacional de Bellas Artes .

    Las consecuencias de la pandemia son inciertas, aún la estamos transitando. En este tiempo los museos de todo el mundo debieron cerrar sus puertas y pensar otras formas de relacionarse con su público, en general a través de la virtualidad, teniendo en cuenta la imposibilidad del contacto directo con las obras.

    La experiencia indica la necesidad de operar en espacios más abiertos o directamente exteriores. Ese es quizás el desafío futuro. Poder integrar aún más el arte con la vida cotidiana. Y no es una mala noticia, si pensamos que sacar el arte a la calle es una forma de democratizar más su acceso y vincularlo con la sociedad. El arte en el espacio público se articula con la arquitectura, con la naturaleza y con la dinámica social. Le propone al ciudadano una experiencia diferente. Irrumpe en su vida, lo interpela de una forma directa y en ocasiones sorpresiva. Rompe el ritual cultural de prepararnos para ir a un museo a ver arte.

    El encuentro entre arte y espacio público es siempre enriquecedor, al proponer un entorno estimulante y cargado de sentidos. Y esa relación es ancestral, y muy anterior a la idea de museo. Baste pensar en las pinturas rupestres, los bajorrelieves y la estatuaria a lo largo de la historia, hasta las formas más recientes de arte público como el Land art, el graffiti o el arte urbano.

    Para el mundo del arte, el mayor desafío será reinventarse en las nuevas condiciones. No sabemos cómo quedará configurada la realidad luego de esta crisis, aunque intuimos que la pandemia dejará secuelas importantes. Y si bien esta encrucijada es nueva, no lo es la necesidad de reinvención en el campo del arte. La revisión de sus parámetros es una constante en la historia. O, digamos, es su historia. La historia del arte es la historia de sus múltiples mutaciones.

    Intervención de Elian Chali sobre fachada del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en febrero de 2021.

    Intervención de Elian Chali sobre fachada del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en febrero de 2021.


    Híbrido y fortalecido

    Por Victoria Noorthoorn, Directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. 

    Tras más de un año de pandemia, en el que nos vimos obligados a reinventarnos, hoy El Moderno se encuentra fortalecido. Durante todo este tiempo, asumimos y cumplimos el desafío de generar un museo vivo y relevante para nuestros diversos públicos y para las comunidades artísticas y educativas, apoyando y sosteniendo la creación y la visibilidad de artistas, educadores e intelectuales y gestores de la cultura a través de los programas virtuales y presenciales, tanto dentro del museo como en el espacio público. En tiempos de incertidumbre, creemos que los museos son espacios centrales para acompañar a una sociedad en crisis. El arte, como transformador y reparador, puede ayudarnos a atravesar este contexto. Y el museo tiene el potencial para profundizar más que nunca el vinculo entre el público y el arte.

    Pensar el futuro es materia del arte y desde el Museo Moderno continuamos redefiniendo el rol de nuestra institución en relación al presente. Hoy nos pensamos como un museo federal, abierto al barrio, al país y al mundo, generando fuertes vínculos con la comunidad artística a través del encargo de obras para ser exhibidas tanto dentro como fuera del museo, en formatos físicos y virtuales. En este nuevo sistema híbrido, entre el adentro y el afuera, el museo se propuso convertirse en un espacio de reflexión, en una voz colectiva y en un archivo del presente, para llegar con el arte a todos lados.

    Entre otras iniciativas, desde el mes de abril, en el marco de la exposición Alberto Greco: ¡Qué grande sos! (ahora abierta), nos propusimos reactivar la aventura de un arte vivo. Convocamos a un conjunto de artistas a recuperar el vivo-dito como gesto radical y a señalar lo que acontece hoy en el barrio y el espacio público, desde fachadas, plazas y mercados. En esta línea presentamos “Kilómetro 1”, una propuesta de vinculación con el barrio con el objetivo de visibilizar, señalar, poner en valor y potenciar artistas, sus talleres y propuestas creativas, sociales y culturales que se desarrollan en la comunidad, a diez cuadras a la redonda. Así, realizaremos una serie de acciones donde el museo sale al barrio y se conecta, a través de sus programas, con espacios de San Telmo y sus públicos específicos: niños, jóvenes, personas en situación de vulnerabilidad económica y social, personal de salud y sus respectivos deseos y necesidades.

    Valeria Vilar, creadora del proyecto Mi vereda.

    Valeria Vilar, creadora del proyecto Mi vereda.


    Artistas con buenos reflejos

    Por Florencia Battiti, Curadora en jefe del Parque de la Memoria y Vicepresidenta de la Asociación Argentina de Críticos de Arte.

    Me parece productivo empezar por preguntarnos por la noción de lo “público” que, como tantas otras nociones, fue trastocada por la experiencia de la pandemia. ¿En estos momentos, lo “público” es el espacio al aire libre o acaso Internet? A pesar de requerir de un dispositivo para su acceso. ¿ no se tornó tan o más público que el “espacio público” tradicional? Sin embargo, esa tensión a la que refiere la pregunta, a mi entender, fue abordada con mayor sensibilidad e inteligencia por los artistas que por las instituciones. Probablemente porque desde lo institucional las restricciones sanitarias limitan la capacidad de acción, o simplemente porque, una vez más, los artistas demostraron tener buenos reflejos y permitirse una mayor espontaneidad de gestión. Un proyecto como “Mi vereda”, ideado por Valeria Vilar y llevado adelante en 2020, supo resolver, respetando los protocolos vigentes, la necesidad de devolverle al arte una experiencia estética física y presencial.

    A partir de su propia necesidad de socializar y mostrar su obra al público, Vilar invitó a sus colegas a colgar e intervenir “su vereda” sobre la calle Soler en el barrio de Palermo. Aprovechando la cortina metálica cerrada del local contiguo e incluso los árboles y los autos estacionados, una cantidad importante de artistas acudieron a la cita los domingos por la tarde, para exhibir o disfrutar de la exposición de las obras de otros artistas invitados. No hicieron falta permisos ni gestiones burocráticas –necesarias en en el espacio público. “Mi vereda” se tornó más “celebración” del arte entre pares que gestión expositiva pura y dura. La alegría de la gente bajo el sol, reencontrándose tras los rigurosos barbijos, le imprimió al proyecto un carácter único e inolvidable. Participaron de “Mi vereda” Diana Aisenberg, Celina Eceiza, Sofía Bohtlingk, Fernanda Laguna, Zoe Di Rienzo, Nushi Munstaabski, Ana Gallardo, Flavia Da Rin, Mariano Giraud, Malena Pizani, Gachi Hasper, entre muchos otros.

    Intervención de Bruno Galati en la fachada del Edificio anexo de la casa histórica del Complejo Histórico cultural Museo Nacional Casa del Acuerdo en la ciudad de San Nicolás.

    Intervención de Bruno Galati en la fachada del Edificio anexo de la casa histórica del Complejo Histórico cultural Museo Nacional Casa del Acuerdo en la ciudad de San Nicolás.


    De potente tradición

    Por María Isabel Baldasarre, Directora Nacional de Museos. Secretaría de Patrimonio, Ministerio de Cultura de la Nación.

    Las artes visuales siempre han tenido un compromiso con el espacio público. Desde murales al aire libre, performances, exposiciones en plazas y ferias, posters, grafiti y arte urbano, intervenciones en manifestaciones políticas y sociales, por solo citar algunos ejemplos, este vínculo no hizo más que acentuarse desde mediados del siglo pasado. Frente al cierre intermitente de centros culturales por la pandemia, el espacio público o la calle, como sitio para las artes visuales vuelve a reconfigurarse pero basándose en una tradición que en el país ha sido muy fructífera y potente. Para que las producciones de los creadores cobren verdadero sentido, es imprescindible que sean vistos y apropiados por otrxs. Los artistas salen permanentemente a la conquista de públicos y es un desafío para el Estado fomentar esta articulación. Las políticas públicas tienen la responsabilidad de apoyar los roles profesionales y productivos de los artistas, más en la coyuntura presente.

    *La columna emplea el x inclusivo.



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  • Título: El regreso de la cultura: qu abre y qu no a partir de maana en el AMBA?
    Autor: Daniel Gigena
    Fecha: 17/06/2021
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    Si bien las salas de cine y teatro vuelven en todo el país, hay diferencias entre jurisdicciones por los museos y las bibliotecas; en la ciudad de Buenos Aires la oferta con aforo alcanza a los diferentes espacios culturales

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    Daniel Gigena
    LA NACION
    El Moderno es uno de los museos porteños que mañana reabre en la ciudad de Buenos Aires
    El Moderno es uno de los museos porteños que mañana reabre en la ciudad de Buenos AiresGentileza Guido Limardo
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    Apartir de mañana, además de cines y teatros, varios espacios culturales reabrirán sus puertas con un aforo del 30% y los protocolos sanitarios que regían hasta el 15 de abril, cuando tuvieron que cerrar por las restricciones de la segunda ola de coronavirus. Sin embargo, no todos estarán listos para recibir público mañana mismo. Aquellos que dependen del Ministerio de Cultura de la Nación aún no tienen fecha de reapertura. Desde ese organismo trascendió que el “trabajo más grande” de los funcionarios se había hecho en principio por la reapertura de teatros y cines, “para sostener ese sector del trabajo cultural”, tan castigado por la pandemia y que se llevó puestas varias salas en el país. Ni el Museo Nacional de Bellas Artes ni la Biblioteca Nacional Mariano Moreno reabrirán este fin de semanatampoco la Manzana de las Luces y el Centro Cultural Kirchner, que seguirán ofreciendo su programación online. Por un lado, se informó que podría haber novedades durante la semana próxima, cuando termine la vigencia del decreto 241, emitido a mediados de abril para el área metropolitana (AMBA); por otro, se anticipó que la reapertura sería escalonada.

    En cambio sí reabrirán algunos museos que dependen de la ciudad de Buenos Aires, como el Museo Sívori, el Museo Larreta, el Museo Fernández Blanco y El Moderno, aplicando el mismo protocolo creado en 2020, donde se disponía que -aproximadamente- hubiera una persona (con barbijo) cada quince metros en las salas. También como el año pasado, las reservas para visitar los museos públicos porteños deben hacerse en forma virtual. En El Moderno, se exhiben muestras de un seleccionado de artistas locales: Alberto Greco, Nicanor Aráoz, Elda Cerrato, Ulises Mazzucca, Diana Aisenberg, Cotelito y Elian Chali, además de obras de la colección.

    Mientras tantos, otros espacios culturales de la ciudad de Buenos Aires, como la Usina del Arte, continúan funcionando como vacunatorios.

    GÜEMES: HOMENAJES A 200 AÑOS DE LA MUERTE DEL HÉROE SALTEÑO

    Para alegría de sus incondicionales, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) también volverá a funcionar este viernes. Allí se podrá ver la muestra Terapiadonde se ponen de relieve las transferencias entre arte y psicoanálisis en la Argentina; obras de la brasileña Leda Catunda y Alejandra Seeber, y Latinoamérica al sur del sur, con obras de la colección. Si bien la boletería está abierta, se sugiere comprar la entrada en forma anticipada por la página web de la institución para no quedarse afuera.

    Mientras tanto, en el barrio de La Boca, Fundación Proa postergará la reapertura hasta la primera quincena de julio, cuando inaugure la muestra La Suite. Miradas sobre los artistas de la Colección Frac, con trabajos del estadounidense Tom Burr, el italiano Maurizio Cattelan, el mexicano Gabriel Orozco, la francesa Pauline Fondevila y la finlandesa Elina Brotherus, entre muchos otros. “Fue realizada por entero en el país, con indicaciones de los artistas -adelanta a LA NACION Adriana Rosenberg, directora de Fundación Proa-. Curaduría en épocas de pandemia”.

    De jueves a domingo, de 11 a 18, se puede recorrer la Séptima Edición del Premio Fundación Andreani, previa reserva en la página web. Esta institución se halla en el barrio de La Boca, igual que el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca (Marco), donde a partir del miércoles 16 se podrá visitar la muestra El atajo, de José Luis Landet, de 11 a 19.

    En la provincia de Buenos Aires, las reaperturas de museos se definirán según la fase en que se halle cada municipio. En las localidades en fases 1 y 2, se mantendrán cerrados, y las que se encuentren en Fase 3 podrán reabrir con el 30% de aforo y los protocolos sanitarios correspondientes. Desde el Ministerio de Producción, Ciencia e Innovación Tecnológica, anunciaron que este fin de semana reabrirán todos los museos provinciales. Las bibliotecas, sin embargo, permanecerán cerradas, según lo determina el Anexo II de Municipios.

    “A partir de este sábado, abren los museos que dependen de la Subsecretaría General de Cultura de San Isidro -confirma Eleonora Jaureguiberry, subsecretaria a cargo de Cultura-. Solo abriremos los fines de semana, con muchas actividades para los chicos, con préstamos de juegos para las familias en el Museo del Juguete, y recorridos autoguiados en el Museo Pueyrredón y Quinta Los Ombúes, sede del Museo Biblioteca y Archivo Histórico Municipal Dr. Horacio Beccar Varela”. Los interesados en conocer o volver a visitar los museos sanisidrenses deben reservan turno en esta página web.

    MARÍA TERESA ANDRUETTO Y EL OFICIO DE ESCRIBIR
    Bibliotecas porteñas, con take away

    Las bibliotecas públicas porteñas también vuelven a abrir, pero solo para retirar y devolver libros. Por ahora, no habrá permanencia de lectores en salas. Los préstamos se realizarán bajo la modalidad de cita previa, mediante un turno acordado telefónicamente en algunas instituciones, como la Biblioteca del Parque de la Estación (que reabrió el martes pasado, al cumplir su segundo aniversario), la Biblioteca Leopoldo Lugones, Miguel Cané, la Casa de la Lectura, la Biblioteca Guido y Spano, Benito Lynch y Antonio Devoto. Se pueden solicitar hasta tres títulos por vez, por un período de 30 días. Para asociarse en forma gratuita a la Red de Bibliotecas Públicas porteñas, hay que llenar un formulario en este enlace. En la misma página se encuentran las listas de libros recomendados por biblioteca y el catálogo general de la red, con más de trescientos mil títulos disponibles. Desde el Ministerio de Cultura porteño anticiparon que, en la medida en que la pandemia se debilite, irán habilitando patios y salas para recibir a lectores y retomar actividades culturales.



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  • Título: La nueva normalidad Los museos que reabren, qu hay que hacer para ir y qu se puede ver
    Autor: Vernica Abdala
    Fecha: 16/06/2021
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    Los nacionales siguen cerrados pero la oferta en CABA y en San Isidro es atractiva. Se ultiman detalles y protocolos.

    Volver al museo. En la imagen, El Moderno, sobre avenida San Juan al 500. / Foto: Lucía Merle

    Verónica Abdala

    Verónica Abdala

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    16/06/2021 15:43  Actualizado al 16/06/2021 15:43

    Después de una prolongada espera, se anunció que este viernes 18 de junio los espacios culturales de la ciudad podrán volver a abrir sus puertas al público de forma segura, tanto para los trabajadores como para los espectadores.

    La buena noticia es que, lenta y progresivamente, las galerías de arte, museos, y bibliotecas porteñas, así como los cines y teatros, encaran la "nueva normalidad", con un acceso limitado al 30 por ciento de su capacidad (o de acuerdo a lo que indica el protocolo, de acuerdo a sus dimensiones).

    Esto supone que volverán a activarse las actividades de formación, talleres presenciales y también streaming. Todas las actividades y espacios podrán funcionar hasta las 23.

    También los cines y teatros, con expectativa de larga data por las reaperturas escalonadas, reabrirán sus salas cumpliendo con las normativas vigentes: un respiro de aire fresco para el sector de la cultura, que se vio muy afectado desde el inicio de la pandemia.

    El Museo Nacional de Bellas Artes. Hasta el 25 de junio, no prevee apertura, confirmó su director, Andrés Duprat. / Foto German García Adrastijpg Z GAdrasti

    El Museo Nacional de Bellas Artes. Hasta el 25 de junio, no prevee apertura, confirmó su director, Andrés Duprat. / Foto German García Adrastijpg Z GAdrasti

    Ya a finales de 2020, la Red Argentina de Museos y Espacios de Arte (RAME), había reclamado la reapertura física de los museos en el país, y los directores de los principales espacios que integran esa iniciativa coincidían en la necesidad de reabrir sus puertas para retomar su agenda y recuperar al público.

    Ahora hay clima de celebración, aunque también prudencia: de a poco, dicen los gestores y responsables de estos espacios, esperan recomponerse y hacer frente a lo que sigue, crisis sanitaria mediante, sin descuidar la salud del personal y los asistentes, lo que se impone, argumentan, naturalmente como una prioridad.

    Proa

    "El 2020, con cierres muy estrictos y prolongados, nos deja un recuerdo muy doloroso, pero a partir de noviembre comenzamos a hacer frente a la situación, con una fuerte apuesta por las plataformas online. Y a partir del 1° de julio lo haremos con una gran muestra internacional. Empezamos a planificar un sistema mixtovirtualidad y presencialidad", cuenta Adriana Rosemberg, al frente de Proa.

    El espacio de arte de La Boca no se suma a las reaperturas esta semana sino que lo hará recién con esa muestra.

    Allí se inaugura en julio La Suite, exposición compuesta por una selección de obras y artistas pertenecientes a las colecciones FRAC (Fonds Regional d’Art Contemporain –Fondos Regionales de Arte Contemporáneo de Francia), con curaduría de los artistas Sigismond de Vajay y Juan Sorrentino.

    "El aprendizaje de este último año -agrega Rosemberg- nos permite encarar con sabiduría y carácter esta nueva etapa, y también se ha demostrado que los protocolos en museos son muy seguros: no ha habido una sola denuncia por contagio de Covid", cuenta.  

    “Se ha demostrado que los protocolos en museos son muy seguros: no ha habido una sola denuncia por contagio de covid.”

    "Se ha demostrado que los protocolos en museos son muy seguros: no ha habido una sola denuncia por contagio de covid."
    Adriana Rosemberg
    DIRECTORA DE FUNDACIÓN PROA

    En este sentido, el Ministerio de Cultura porteño, en conjunto con el Ministerio de Salud de la Ciudad, está realizando testeos a la comunidad artística, en el Teatro Colón: desde que se implementó está dinámica -el pasado 12 de enero-, sólo el 0,9 por ciento dio positivo (del total de los 5739 realizados, sólo 55 dieron positivo).

    Entre tanto, los museos nacionales, entre los que se cuenta el Bellas Artes, se mantendrán cerrados por el momento: "Habiéndose prorrogado el DNU, seguimos en los mismos términos hasta el 25 de Junio, no están contempladas reaperturas por el momento", confirma su director, Andrés Duprat.​

    Sívori, Larreta, Fernández Blanco​

    En cuanto a los museos de la CiudadClarín pudo saber que reabren el viernes 18 el Sívori, el Larreta y el Fernández Blanco (sede Palacio Noel).

    ​ El Sívori, emplazado frente al Rosedal de palermo (Av. Infanta Isabel 555), con la muestra inaugurada en marzo de este año, que reúne un conjunto significativo de grabados del artista Guillermo Facio Hébequer que recorren gran parte de su obra y se complementan con un núcleo de témperas y bocetos escenográficos de su colega Abraham Vigo

    Guillermo Hebequer. La Internacional, 1935

    Guillermo Hebequer. La Internacional, 1935

    ​Ambos artistas se vincularon, en las primeras décadas del siglo pasado, con los escritores del Grupo de Boedo.

    El Larreta  (Juramento 2291) y el Fernández Blanco (Suipacha 1422) exhibirán sus respectivas colecciones permanentes (con reserva online). En el caso del segundo con colecciones representativas del arte virreinal americano de los siglos XVI, XVII y XVIII.

    Museo Isaac Fernández Blanco . Un patrimonio virreinal, Foto Juano Tesone

    Museo Isaac Fernández Blanco . Un patrimonio virreinal, Foto Juano Tesone

    El patrimonio del Larreta, en tanto, está principalmente integrado por esculturas en madera tallada y policromada y pinturas de los períodos renacentista y barroco.

    También exhiben un notable conjunto de mobiliario, armas y artes decorativas, obras que abarcan desde el medioevo hasta principios del siglo XX.​

    Museo Larreta. Tiene un hermoso jardín.

    Museo Larreta. Tiene un hermoso jardín.


    El Moderno​

    El Museo Moderno, en San Telmo (San Juan 350) viene impulsando iniciativas en el barrio, como Kilómetro 1, con performances y exhibición de obras de arte en el espacio público. Ahora abrirá sus puertas este viernes, con un máximo de 261 personas en espacios cerrados, que es lo que tienen habilitado de acuerdo a sus dimensiones.

    Quienes se acerquen hasta allí se encontrarán con muestras de los siguientes artistas en exposición: Alberto Greco, ¡Qué grande sos!; Nicanor Aráoz, Sueño sólido; Elda Cerrato, El día maravilloso de los pueblos; Ulises Mazzucca, Gimnasia espiritualDiana Aisenberg, Mística robótica en la economía de cristal. Así como con Una llamarada pertinaz pertinaz, de la colección del Moderno y la instalación de Elian Chali, Plano inesperado.

    Malba​

    El gran museo privado se suma a las aperturas de este viernes. Es la oportunidad para no perderse su gran muestra de este año, Terapia, sobre los vínculos entre arte y psicoanálisis. Hay obras de 50 artistas, algunos de los cuales son pacientes o estuvieron internados en instituciones psiquiátricas.

    El diván. La obra de Karin Idelson, fotógrafa. Foto Gentileza Malba

    El diván. La obra de Karin Idelson, fotógrafa. Foto Gentileza Malba

    Entre los nombres consagrados hay obras de Luis Felipe Noé, Guillermo Iuso, Marta Peluffo, Marcia Schvartz y Grete Stern.

    La entrada general al museo es de $400 y hay que comprarla online acá.

    San Isidro abre

    Mientras que Eleonora Jaureguiberry, Subsecretaria General de Cultura de San Isidro, cuenta: "Nosotros vamos a volver a abrir, con aforo del 30 por ciento, nuestros tres museos, el Pueyrredon, el Beccar Varela y el Museo del Juguete, los sábados y domingos, aunque los contenidos virtuales van a seguir siendo el fuerte, durante este período", explica.

    "Todos estos meses tuvimos los jardines de los museos abiertos, aunque el de las salas es otro cantar, para preservar el tema de la salud. Para ir al Museo hay que anotarse, en www.sanisidro.gob.ar.

    “En San Isidro vamos a volver a abrir con aforo del 30% nuestros tres museos, el Pueyrredon, el Beccar Varela y el Museo del Juguete, los sábados y domingos, aunque los contenidos virtuales van a seguir siendo el fuerte.”

    "En San Isidro vamos a volver a abrir con aforo del 30% nuestros tres museos, el Pueyrredon, el Beccar Varela y el Museo del Juguete, los sábados y domingos, aunque los contenidos virtuales van a seguir siendo el fuerte."
    Eleonora Jaureguiberry
    SUBSECRETARIA DE CULTURA DE SAN ISIDRO

    En paralelo, la funcionaria detalla que "el Museo del Juguete encaró otras iniciativas para colaborar con la comunidad en pandemia, por ejemplo, se está trabajando con la gente de Boulogne con una Juegoteca: préstamos los juegos y juguetes, como si se tratara de una 'biblioteca móvil'. Se prestan a familias que ante la ausencia de escuelas han quedado muy solas, muy desconectadas."

    El intríngulis en relación al futuro inmediato son las vacaciones de invierno -anticipa, "pero probablemente preservemos esto de los sábados y domingos, ya que las escuelas están en versión reducida y entonces no sabemos si se justifica abrir los demás días de la semana. Sería: los jardines para potrear, pero la oferta fuerte va a estar en el online, que también va a sumar talleres, para los chicos de todas partes y también espectáculos artistas locales."   



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  • Título: Nuevo ciclo de clases gratuitas de arte #ADistancia
    Autor:
    Fecha: 08/06/2021
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