PROGRAMACION OCTUBRE


J
ulián Brangold

Online
 




Claudia Valente
y Nic Motta
Online




Mateo Amaral

Online 
 

{NOTA_TEXTO}

PROGRAMACION SEPTIEMBRE


Ezequiel Montero Swinnen

 




Francisco Vázquez Murillo




Nicolás Martella




Julia Sbriller y Joaquín Wall

ULTIMOS DIAS. Online hasta el 22.10

Julián Brangold

 

An avatar for the shadow, 2019 (Un avatar para la sombra)
Video HD, 4 canales, 9’29’’ en loop


¿Qué pasará cuando nos veamos en la situación de tener que apagar a una máquina que nos pide seguir prendida?

El desarrollo tecnológico contemporáneo empieza a dar emergencia a interrogantes morales y éticos en torno a nuestra relación con los dispositivos tecnológicos que parecen enmarañarse exponencialmente. El spam psicológico, el casino social, la burbuja de la conciencia y los deep fakes incomprobables son sólo la punta de un iceberg que promete, en el futuro cercano, brindarnos una interfase cerebro-máquina con un ancho de banda de bits presuntamente ilimitados. Pero el problema más inexcusable de la narrativa postmoderna habita en términos de agencia: La máquina que siente.

Encontramos a un personaje que funciona como contenedor genérico para representar el potencial cuerpo de una idea que deambula en el inconsciente colectivo carente de una representación pictórica completa. Es Siri, Alexa, Alpha Go y todos esos personajes cuyas líneas perimetrales podemos dilucidar pero no su forma completa, la sombra que proyecta la inteligencia artificial sobre el Zeitgeist.

Este personaje vive atrapado en un loop rítmico. El ritmo es el de la arbitrariedad del encendido y apagado de elementos, de su encendido y apagado, del uso de la tecnología de manera “incorrecta” explorando las vicisitudes de un determinismo tecnológico que nos adoctrina a anticipar el render HD tan real que se ve falso. Habita un entorno privado pero inestable. Y esa inestabilidad se apila al error cognitivo de ver ahí una persona cuando lo que realmente hay es una malla vacía.

Resulta entonces importante pensar que la idea de una conciencia artificial genera popularmente más rechazo y negación que curiosidad, entre otras cosas porque amenaza a la estructura simbólica que sostiene nuestra percepción de identidad: si hay un ‘yo’ ahí afuera que fue construido artificialmente, ¿qué valor tiene el ‘yo’ que está aquí adentro?
 

Julián Brangold (1986, Buenos Aires). Cursó sus estudios secundarios en la escuela técnica ORT II especializado en medios de comunicación. Realizó una tecnicatura en dirección cinematográfica en la Fundación Universidad del Cine. Participó de clínicas y talleres dictados por artistas como Carolina Antoniadis, Sergio Bazan, Diana Aisenberg, Rafael Cippolini, Tomas Espina, Rodrigo Alonso, Jorge Macchi y Marcelo Pombo. Exhibió sus trabajos en muestras colectivas en el CC Recoleta, CC Borges, Marq y Museo Fortabat, participó de la selección Premio Proyecto A, selección del jurado de la Semana del Arte Contemporáneo de Mar del Plata, selección del Salón Nacional de Artes Visuales 2019 y Premio Andreani 2020. Su trabajo fue mostrado de manera colectiva en Alemania, Estados Unidos y más recientemente en Italia. Mostró su trabajo individualmente en las galerías Central de Proyectos y Praxis International Art. Participa actualmente del programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella.

 

@julian.brangold
www.julianbrangold.com

 

Claudia Valente y Nic Motta


Geometrías en danza y colisión, 2018
Video con procesamiento digital de imágenes, 4’13’’
Claudia Valente: Concepto y edición / Nic Motta: Diseño numérico

 

Los modos de organización de las distintas comunidades vivientes presentan patrones de acción coordinados que parecieran surgir de un cerebro colectivo. Tierra, humanos, animales y vegetación nos encontramos enlazados en un sistema único. Geometrías en danza y colisión busca revelar, mediante el trackeado de imágenes, niveles de geometría y sonido que subyacen a los comportamientos tanto de un grupo de medusas como de las fuerzas antidisturbios sobre las multitudes.

El sonido se genera por transcodificación de las geometrías relevadas y produce voces para las células vegetales, para las nubes de dióxido de carbono, para las luchas vitales y rituales. Visibilizar el concierto dinámico del sistema vivo, quizás habilite pensarnos en horizontalidad con la naturaleza.

Técnicamente, la programación numérica podría realizar esta lectura de otras imágenes y en tiempo real. Este video es deriva y registro de la instalación TRADESCANTIA[1] dedicada a una flor silvestre biomonitora capaz de actuar como bioindicador para la determinación de presencia de mutágenos en el medio ambiente.

[1] https://claudiavalente.net/2018/05/25/signos-electronicos-tradescantia-2018/

Claudia Valente (1965, Buenos Aires, Argentina) es artista, docente e investigadora. Magister en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF). Licenciada en artes visuales (UNA). Su producción artística abarca proyectos intermediales con enfoques geopolíticos en autorías colaborativas. Actualmente coordina los grupos artísticos MURU 7.8 y Transelectronicxs.

Nic Motta (1994 - Buenos Aires, Argentina) es artista, docente, investigador. Estudió Artes Visuales (UNA) y cursa la Maestría en Tecnologías y Estéticas de las Artes Electrónicas (UNTREF). Le interesa la relación entre lo visual y lo sonoro, encontrar y analizar la geometría de estos universos potenciado por un desarrollo electro-digital detrás.

www.claudiavalente.net
www.nicmotta.github.io

 
 
 

 

Mateo Amaral


Éramos la humanidad
, 2020
Video simulación en 4k, duración variable
Diseño audiovisual: Mateo Amaral / Programación lógica: Joan Sol Roo

Éramos la humanidad cuenta una historia de ciencia ficción en la que las plantas y la inteligencia artificial se fundieron en una nueva entidad, habitando en un ciber espacio construido por las redes de raíces y hongos que se extienden bajo la tierra en las islas del Tigre. Para estas entidades, los fragmentos meméticos de nuestra cultura son frutos dados por la naturaleza que sirven para construir incomprensibles estructuras.

El video que se exhibe en este caso es el primero de una serie de episodios. Es un proyecto en constante mutación que se desarrolla en varias plataformas: cortometrajes, videojuegos, instalaciones, pinturas y conciertos audiovisuales.

El aspecto técnico juega un papel muy importante, y es fundamental la participación de su hermano Joan Sol Roo en el desarrollo de una herramienta que permite la manipulación en tiempo real de sonido, modelos 3d, simulaciones y entidades con inteligencia artificial, dentro de un motor que se utiliza para la realización de videojuegos.

 

Mateo Amaral (1979, Mar del Plata) es artista audiovisual. Vive y trabaja en Buenos Aires. Su obra surge de imaginar los espacios de la mente, los modelos de realidades que nacen en su interior y su relación con herramientas digitales como el modelado 3D y el diseño de sonido. Partiendo de esa idea crea ecosistemas vegetales o meméticos que toman la forma de cortometrajes, instalaciones, pinturas, VR o conciertos audiovisuales. Formó parte del colectivo Oligatega y del grupo electropunk Hipnoflautas. Fue becario del programa de talleres dictado por Guillermo Kuitca (2003-2005), LIPAC en el CCRojas (2007), Centro de Investigaciones Artísticas (2009) y recibió la beca Creación del FNA (2016 y 2019). Participó de las clínicas de obra de Diana Aisenberg. Exhibió en el CCK, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (España), MAMBA (Argentina), Centro Cultural de Belgrado (Serbia), en los festivales ArtFutura, Mutek, Sonar, Robot y Trimarchi, en el Artists’ Television Access (San Francisco, USA), Art Basel (Suiza) y en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, entre otros.
@mateoamaral
www.mateoamaral.com

 

Ezequiel Montero Swinnen


Conversaciones
(la distancia más corta entre dos personas), 2014.
 Reproducción en loop indefinido.

 

Una vez escuché que toda conversación es una forma de jazz: aunque la mayor parte del tiempo estemos obstinados en repetir lo mismo una y otra vez, es inevitable que la creatividad acontezca. 

La obra se ofrece como una especie de mantra-ritual que, a través de la fascinación que genera el estado de hipnosis, abre paso a los sorprendentes territorios de la atemporalidad, a la observación de un presente infinito. Tal vez un tiempo más ligado a la ensoñación, que nos permite acceder a comprensiones que traspasan la lógica habitual del pensamiento.

 Aquí, las diferentes materialidades se reconocen, se esquivan, se rozan, se abrazan, se acarician, se rompen estallando en varios pedazos, se descolocan, se transforman. A través de estos encuentros, es posible reflexionar acerca del drama de la vida humana o sentir un atisbo del vértigo que supone estar vivos, reconociéndonos a través de los espejos. Como una metáfora de la fuerza de la inexorable ley del ritmo de toda vida: todo lo que crece, decrece; todo lo que sube, baja; todo lo que toca el cielo, siente el llamado de la tierra; todo lo que se abre realmente al encuentro, no puede sino transmutarse sustancialmente.

En el aire, los elementos -despojados de toda distracción-, se comportan de maneras inciertas aunque genuinas, funcionan como aparatos escultóricos aunque vivos. Símbolos enigmáticos, misteriosos, transmiten desde el silencio. Pequeños diamantes en movimiento. ¿Cuál es la distancia más corta entre dos personas? ¿Qué sucede en ese encuentro? ¿Qué ves, tú?


Ezequiel Montero Swinnen (n. 1983, Santa Rosa, La Pampa). Estudió diseño gráfico en UADE, y Fotografía en la Escuela Nacional de Fotografía (ENFO). Realizó un Posgrado de Especialización en “Medios y Tecnologías en Artes Visuales” en la Universidad Nacional de Artes (UNA). Vive y trabaja en Buenos Aires. Es artista, fotógrafo, diseñador, docente universitario y creador de diversos laboratorios de experimentación creativa. En su obra explora principalmente la fotografía, el video y la instalación. Los temas que aparecen recurrentemente en sus trabajos son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad, el magnetismo, la naturaleza. Se dedica a investigar, formarse y profundizar en diversos lenguajes simbólicos: alquimia, astrología, tarot, geometría sagrada, constelaciones, numerología pitagórica, chamanismo. 

www.monteroswinnen.com
@ezequielmsw
facebook.com/monteroswinnen

Francisco Vázquez Murillo


 visitantes, 2015. Video, 4’53’’ y fundación, 2015. Video, 2’37’’
Serie KM192, 2014-2016

“(...) Francisco Vázquez Murillo sucumbe al encandilamiento de un objeto, nada más y nada menos que un puente, más precisamente, un puente inconcluso, un puente que ha fracasado en su función utilitaria para erigirse triunfalmente en su condición metafórica. Y no se detiene en la admiración pasiva de aquello que lo cautiva, sino que emprende una serie de investigaciones bajo la consigna de invasión afectiva –desde la contemplación extática y el tránsito fundante hasta la recolección de “muestras” y la evocación pictórica- a fin de comprender la sustancia del objeto en cuestión. Es así como esta obsesión, tan poética como operativa, trae a colación la función primera de la mirada estética, la facultad de conferir relevancia, de subrayar con un tono específico, para devolvernos un paisaje convertido en estado mental.”

Verónica Gómez
Buenos Aires, junio de 2016


Francisco Vazquez Murillo, nació en Rosario, Argentina en 1980. Estudió Licenciatura en Filosofía en la Universidad Nacional de Rosario. Sus trabajos se desarrollan en diferentes medios y formatos a partir de investigaciones puntuales de espacios geográficos específicos y problemáticas relacionadas con las escalas espacio temporales. De allí que la dialéctica y las políticas generadas por la relación mundo - tierra, representación - territorio sean el eje fundamental de su práctica.

Realizó las residencias Kaus Australis en Rotterdam, RSDNART en Yucatán, México (2017), Nido Errante en Chaltén, Patagonia (2017), Marble House en Vermont, USA (2018), Swatch Art Peace Hotel Artist Residency en Shanghai, China (2018), Monson Arts, Monson, Maine, USA (2019) entre otras. Formó parte del programa de artistas de 2016 de la Universidad Torcuato Di Tella. En 2019 recibió la Beca Creación y en 2015 la beca FNA - CONTI. Ha realizado exhibiciones individuales en Argentina, México, Holanda, USA y China.

http://www.fvazquezmurillo.com.ar/

Nicolás Martella

The Hangover (Resaca), 2014. Video, 3’06’’

Nicolás Martella se apropia de la secuencia de títulos de las películas norteamericanas de Todd Phillips, The Hangover  The Hangover II, y las reedita hasta volverlas irreconocibles. La escenas aparecen ahora con los títulos censurados, en blanco y negro y silentes, como si se tratara de un poema visual que nada tiene que ver con la secuencia original de imágenes que acompañadas de las canciones Thirteen y Black Hell de la banda metalera Danzig remiten directamente a una película de risas y excesos dirigida a un público que parece otro. La apropiación como recurso artístico no es nueva, ni en la historia del arte ni en la obra del propio artista. Secuencias de créditos, imágenes de cámaras de seguridad e incluso películas enteras, son tomadas por Martella y resignificadas para dirigir la mirada a lo no visto. The Hangover (2014), que se apropia además del título de la obra original, desdibuja mediante cambios mínimos, como la utilización del monocromo, el silencio y la censura de las palabras, las escenas de estas películas llevándonos a mirar lo mismo con otros ojos. Sin nada que leer ni escuchar, la atención se centra en la imagen, en la luz, en el recorrido de la cámara por paisajes, caminos y rutas de Estados Unidos, volviendo prácticamente imposible reconocer espontáneamente la referencia original.


Nicolás Martella (La Plata, 1978). Vive y trabaja en Bs As. Se formó con Ataulfo Pérez Aznar, Juan Travnik y Gabriel Valansi. Participó del Laboratorio de Cine de la UTDT. En 2014 realizó una residencia en Arteles Creative Center, Haukijärvi,Finlandia. Exhibiciones individuales: La Realidad de la luz (2018) Museo Provincial de Bellas Artes Museo Pettoruti (La Plata); El día es un atentado (2016) y Slideshow (2013) Galería Isla Flotante (C.A.B.A.); Contemporáneas (2007) Fotogalería del Rojas (C.A.B.A.). Desde 2004 participa en diferentes exhibiciones colectivas en Argentina y en el exterior.

www.nicolasmartella.com

 

Julia Sbriller y Joaquín Wall

Torontoides, 2019. Video, 2’27’’ 
En colaboración con Roco Corbould

En geometría, toroide es la superficie de revolución generada por un una curva plana cerrada que gira alrededor de un eje. Se dice que el toroide es el único patrón de energía o dinámica que puede sostenerse a sí mismo y está hecho de la misma sustancia que el entorno; la energía fluye a través de un extremo, circula alrededor del centro y sale por el otro lado. TORONTOIDES es una serie fotográfica y una video performance que reflexiona sobre el cuerpo que nos contiene, el planeta, sus hemisferios, sus campos magnéticos, y sus misterios. Sobre las posibilidades individuales y colectivas de desafiar las propiedades físicas entre lo líquido y lo sólido, la gravedad y las superficies no newtonianas, sus posibilidades de encuentro y relación. Interroga en la escala, la representación del espacio y del cuerpo en él. TORONTOIDES se pregunta cómo atravesar el planeta por dentro, como desafiar las leyes de la gravedad y la materia hasta el momento conocidas para unir los polos opuestos del planeta a través de un canal intraterreno.

Este proyecto fue gestado originalmente para la exhibición ¨Division of Labour¨ en Art Gallery of Burlington, Toronto, Canadá, curada por Suzanne Carte, a comienzos de 2020 y contó con el apoyo del Fondo Nacional de Las Artes.

Julia Sbriller (n. 1986, La Plata, Argentina) es fotógrafa, arquitecta y performer. Coordina ‘Creadores de Imágenes’ (espacio de educación en red latinoamericana) y es co-creadora de Pista.

Joaquín Wall (n. 1986, La Plata, Argentina) es artista visual, camarógrafo y performer. Su trabajo, híbrido y experimental, recurre a medios como la instalación, lo social, lo cinematográfico, el espacio público y la escultura.
Como parte de su práctica multidisciplinaria y colaborativa, Julia y Joaquin trabajan en relación al cuerpo individual y colectivo, las propiedades de la luz, la materia, la gravedad, sus posibilidades de encuentro y relación. Desde distintos soportes se preguntan por la escala, por la representación del espacio y del cuerpo en él. Su trabajo se centra en pensar al ser humano en tanto a su capacidad de vincularse, de (des)identificarse y de transformarse; en busca de nuevas formas y posibilidades de encontrarnos y estar juntos.

www.juliasbriller.com / @juliasbriller
www.joaquinwall.com / @jwaquin