Ezequiel Montero Swinnen

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Francisco Vázquez Murillo

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Nicolás Martella

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Julia Sbriller y Joaquín Wall

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Ezequiel Montero Swinnen

Conversaciones (la distancia más corta entre dos personas), 2014. Reproducción en loop indefinido.

 

Una vez escuché que toda conversación es una forma de jazz: aunque la mayor parte del tiempo estemos obstinados en repetir lo mismo una y otra vez, es inevitable que la creatividad acontezca. 

La obra se ofrece como una especie de mantra-ritual que, a través de la fascinación que genera el estado de hipnosis, abre paso a los sorprendentes territorios de la atemporalidad, a la observación de un presente infinito. Tal vez un tiempo más ligado a la ensoñación, que nos permite acceder a comprensiones que traspasan la lógica habitual del pensamiento.

 Aquí, las diferentes materialidades se reconocen, se esquivan, se rozan, se abrazan, se acarician, se rompen estallando en varios pedazos, se descolocan, se transforman. A través de estos encuentros, es posible reflexionar acerca del drama de la vida humana o sentir un atisbo del vértigo que supone estar vivos, reconociéndonos a través de los espejos. Como una metáfora de la fuerza de la inexorable ley del ritmo de toda vida: todo lo que crece, decrece; todo lo que sube, baja; todo lo que toca el cielo, siente el llamado de la tierra; todo lo que se abre realmente al encuentro, no puede sino transmutarse sustancialmente.

En el aire, los elementos -despojados de toda distracción-, se comportan de maneras inciertas aunque genuinas, funcionan como aparatos escultóricos aunque vivos. Símbolos enigmáticos, misteriosos, transmiten desde el silencio. Pequeños diamantes en movimiento. ¿Cuál es la distancia más corta entre dos personas? ¿Qué sucede en ese encuentro? ¿Qué ves, tú?


Ezequiel Montero Swinnen (n. 1983, Santa Rosa, La Pampa). Estudió diseño gráfico en UADE, y Fotografía en la Escuela Nacional de Fotografía (ENFO). Realizó un Posgrado de Especialización en “Medios y Tecnologías en Artes Visuales” en la Universidad Nacional de Artes (UNA). Vive y trabaja en Buenos Aires. Es artista, fotógrafo, diseñador, docente universitario y creador de diversos laboratorios de experimentación creativa. En su obra explora principalmente la fotografía, el video y la instalación. Los temas que aparecen recurrentemente en sus trabajos son la pausa, la suspensión, el silencio, la levedad, el magnetismo, la naturaleza. Se dedica a investigar, formarse y profundizar en diversos lenguajes simbólicos: alquimia, astrología, tarot, geometría sagrada, constelaciones, numerología pitagórica, chamanismo. 

www.monteroswinnen.com
@ezequielmsw
facebook.com/monteroswinnen

Francisco Vázquez Murillo

fundación, 2015. Video, 2’37’’
Serie KM192, 2014-2016


visitantes, 2015. Video, 4’53’’
Serie KM192, 2014-2016

“(...) Francisco Vázquez Murillo sucumbe al encandilamiento de un objeto, nada más y nada menos que un puente, más precisamente, un puente inconcluso, un puente que ha fracasado en su función utilitaria para erigirse triunfalmente en su condición metafórica. Y no se detiene en la admiración pasiva de aquello que lo cautiva, sino que emprende una serie de investigaciones bajo la consigna de invasión afectiva –desde la contemplación extática y el tránsito fundante hasta la recolección de “muestras” y la evocación pictórica- a fin de comprender la sustancia del objeto en cuestión. Es así como esta obsesión, tan poética como operativa, trae a colación la función primera de la mirada estética, la facultad de conferir relevancia, de subrayar con un tono específico, para devolvernos un paisaje convertido en estado mental.”

Verónica Gómez
Buenos Aires, junio de 2016


Francisco Vazquez Murillo, nació en Rosario, Argentina en 1980. Estudió Licenciatura en Filosofía en la Universidad Nacional de Rosario. Sus trabajos se desarrollan en diferentes medios y formatos a partir de investigaciones puntuales de espacios geográficos específicos y problemáticas relacionadas con las escalas espacio temporales. De allí que la dialéctica y las políticas generadas por la relación mundo - tierra, representación - territorio sean el eje fundamental de su práctica.

Realizó las residencias Kaus Australis en Rotterdam, RSDNART en Yucatán, México (2017), Nido Errante en Chaltén, Patagonia (2017), Marble House en Vermont, USA (2018), Swatch Art Peace Hotel Artist Residency en Shanghai, China (2018), Monson Arts, Monson, Maine, USA (2019) entre otras. Formó parte del programa de artistas de 2016 de la Universidad Torcuato Di Tella. En 2019 recibió la Beca Creación y en 2015 la beca FNA - CONTI. Ha realizado exhibiciones individuales en Argentina, México, Holanda, USA y China.

http://www.fvazquezmurillo.com.ar/

Nicolás Martella

The Hangover (Resaca), 2014. Video, 3’06’’

Nicolás Martella se apropia de la secuencia de títulos de las películas norteamericanas de Todd Phillips, The Hangover  The Hangover II, y las reedita hasta volverlas irreconocibles. La escenas aparecen ahora con los títulos censurados, en blanco y negro y silentes, como si se tratara de un poema visual que nada tiene que ver con la secuencia original de imágenes que acompañadas de las canciones Thirteen y Black Hell de la banda metalera Danzig remiten directamente a una película de risas y excesos dirigida a un público que parece otro. La apropiación como recurso artístico no es nueva, ni en la historia del arte ni en la obra del propio artista. Secuencias de créditos, imágenes de cámaras de seguridad e incluso películas enteras, son tomadas por Martella y resignificadas para dirigir la mirada a lo no visto. The Hangover (2014), que se apropia además del título de la obra original, desdibuja mediante cambios mínimos, como la utilización del monocromo, el silencio y la censura de las palabras, las escenas de estas películas llevándonos a mirar lo mismo con otros ojos. Sin nada que leer ni escuchar, la atención se centra en la imagen, en la luz, en el recorrido de la cámara por paisajes, caminos y rutas de Estados Unidos, volviendo prácticamente imposible reconocer espontáneamente la referencia original.


Nicolás Martella (La Plata, 1978). Vive y trabaja en Bs As. Se formó con Ataulfo Pérez Aznar, Juan Travnik y Gabriel Valansi. Participó del Laboratorio de Cine de la UTDT. En 2014 realizó una residencia en Arteles Creative Center, Haukijärvi,Finlandia. Exhibiciones individuales: La Realidad de la luz (2018) Museo Provincial de Bellas Artes Museo Pettoruti (La Plata); El día es un atentado (2016) y Slideshow (2013) Galería Isla Flotante (C.A.B.A.); Contemporáneas (2007) Fotogalería del Rojas (C.A.B.A.). Desde 2004 participa en diferentes exhibiciones colectivas en Argentina y en el exterior.

www.nicolasmartella.com

 

Julia Sbriller y Joaquín Wall


Torontoides, 2019. Video, 2’27’’ 
En colaboración con Roco Corbould

En geometría, toroide es la superficie de revolución generada por un una curva plana cerrada que gira alrededor de un eje. Se dice que el toroide es el único patrón de energía o dinámica que puede sostenerse a sí mismo y está hecho de la misma sustancia que el entorno; la energía fluye a través de un extremo, circula alrededor del centro y sale por el otro lado. TORONTOIDES es una serie fotográfica y una video performance que reflexiona sobre el cuerpo que nos contiene, el planeta, sus hemisferios, sus campos magnéticos, y sus misterios. Sobre las posibilidades individuales y colectivas de desafiar las propiedades físicas entre lo líquido y lo sólido, la gravedad y las superficies no newtonianas, sus posibilidades de encuentro y relación. Interroga en la escala, la representación del espacio y del cuerpo en él. TORONTOIDES se pregunta cómo atravesar el planeta por dentro, como desafiar las leyes de la gravedad y la materia hasta el momento conocidas para unir los polos opuestos del planeta a través de un canal intraterreno.

Este proyecto fue gestado originalmente para la exhibición ¨Division of Labour¨ en Art Gallery of Burlington, Toronto, Canadá, curada por Suzanne Carte, a comienzos de 2020 y contó con el apoyo del Fondo Nacional de Las Artes.

Julia Sbriller (n. 1986, La Plata, Argentina) es fotógrafa, arquitecta y performer. Coordina ‘Creadores de Imágenes’ (espacio de educación en red latinoamericana) y es co-creadora de Pista.

Joaquín Wall (n. 1986, La Plata, Argentina) es artista visual, camarógrafo y performer. Su trabajo, híbrido y experimental, recurre a medios como la instalación, lo social, lo cinematográfico, el espacio público y la escultura.
Como parte de su práctica multidisciplinaria y colaborativa, Julia y Joaquin trabajan en relación al cuerpo individual y colectivo, las propiedades de la luz, la materia, la gravedad, sus posibilidades de encuentro y relación. Desde distintos soportes se preguntan por la escala, por la representación del espacio y del cuerpo en él. Su trabajo se centra en pensar al ser humano en tanto a su capacidad de vincularse, de (des)identificarse y de transformarse; en busca de nuevas formas y posibilidades de encontrarnos y estar juntos.

www.juliasbriller.com / @juliasbriller
www.joaquinwall.com / @jwaquin