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Mario Airo (Pavia, 1961) 
En los últimos veinte años Airo ha creado ámbitos en los que confluyen arquitectura, escritura, música e iluminación. Sus trabajos se apoderan de la noción del espacio infinito como punto de partida para un viaje mental hacia otros mundos. Su obra se sitúa entre lo cotidiano (encarnado en los materiales táctiles) y lo mental-infinito que ofrece una vía de escape al espectador. Inspirándose en diversas prácticas (filosofía, arte renacentista, Lucio Fontana, literatura y cine) transforma el espacio con la luz (natural o artificial) y el sonido.
http://www.galeriegretameert.com/artists/detail/30

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Carlo Aymonino (Roma, 1926 - 2010)
Fue una figura multifacética de la arquitectura italiana. Comenzó su trabajo inmediatamente luego de la Segunda Guerra Mundial. Siempre logró combinar su profesión y pasión intelectual con sus compromisos políticos. Aymonino comenzó su carrera trabajando junto con Quaroni y Ridolfi en el proyecto urbano del barrio de Tiburtino, en Roma (1949-1954). Luego inició su carrera como diseñador, obteniendo fama internacional con la construcción del complejo residencial de Monte Amiata en el distrito Gallaratese 2 de Milán (1967-1972). Durante los 1970s y 1980s desarrolló dos hitos en sus estudios de investigación urbana: el diseño de la Corte de Ferrara y del centro residencial y comercial Benelli en Pesaro, en donde logró fusionar la complejidad topológica con el rigor geométrico. Sus proyectos más recientes incluyeron la reconstrucción del área del Coliseo y del techo del Jardín Romano en el Museo Capitoline. En 1976 y 1985 fue invitado a participar con sus obras en el XIII y XV Triennale di Milano y en la Bienal de Venecia.
carloaymonino.blogspot.com.ar/

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Matthew Barney (San Francisco, 1967)
Luego de graduarse en Yale para 1991, Barney entra al mundo artístico de la mano de la controversia y el éxito. Es mayormente conocido por ser el productor y creador de los filmsCremaster, una serie de cinco películas visualmente extravagantes que  presentan al mismo Barney interpretando múltiples y diversos personajes, incluyendo un sátiro, un mago, un carnero, Harry Houdini e incluso al famoso asesino Gary Gilmore 1. Los films en sí mismos son una mezcla de historia, autobiografía, y mitología – un intenso y privado universo en cuyos símbolos e imágenes constituyen densas capas interrelacionadas. La cosmología resultante es tanto bella como compleja. Barney ganó el prestigioso premio Europa 2000 en la 45 Bienal de Venecia de 1996. También fue el primer ganador del premio Hugo Boss. 
www.cremaster.net 

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Maurizio Cattelan (Padua, 1960)
Es conocido por sus esculturas satíricas (como La Nona Ora / La Novena hora, en la que representa al Papa Juan Pablo II golpeado por un meteorito). Comenzó su carrera en Forlí, Italia, en la década de 1980, en el campo de la fabricación de muebles de madera. Con el tiempo realizó un catálogo de su obra con el que contactó galerías, haciéndose promoción entre el diseño y el arte contemporáneo. Es ampliamente reconocido por varios trabajos en los que utiliza la taxidermia, (práctica que floreció a mediados de la década de 1990). Estos trabajos están diseñados para conectar los seres humanos y animales a través de las proyecciones de las emociones humanas. Un ejemplo de ello es la pieza titulada Novecento (1997), que muestra un caballo llamado Tiramisú. El animal pende de un arnés que se sujeta del techo con una postura de cabeza, torso y extremidades colgando. Entre 2005 y 2010 su trabajo se ha centrado en gran medida en la edición y el comisariado. Con frecuencia usa lo mórbido, lo fascinante y el humor negro, tratando de abrirse más allá de los placeres de visuales.
www.perrotin.com/artiste-Maurizio_Cattelan-2.html 

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Gino De Dominicis (Ancona, 1947 - Roma, 1998)
Constituye una figura polémica, enigmática y desconcertante en el escenario artístico italiano. Durante su juventud estaba fascinado con el cosmos, las constelaciones y los planetas; el espacio y el cielo. También lo obsesionaban la inmortalidad y la invisibilidad. Ha trabajado con todos los medios posibles, incluyendo la pintura, la escultura, el cine y obras site specific. Su primera exhibición fue en Roma, en 1969, en la Galería L'Attico. A finales de 1970 comenzó a colaborar con la Galería Emilio Mazzoli en Módena, donde realizó su última muestra en 1998. La primera aparición de Gino en la Bienal de Venecia de 1972 incluyó a un joven con síndrome de Down como un elemento de su instalación, generando polémicas al respecto. En 1993 anunció que sus pinturas al temple y de oro en panel no podrían ser considerados para los premios de la Bienal, desatando una nueva polémica. En 1995 se negó públicamente a aparecer en escena. Su obra ha influenciado a muchos artistas jóvenes italianos, como Maurizio Cattelan, Paola Pivi, Pietro Roccasalva y Diego Perrone
www.dominique-levy.com/exhibition/gino-de-dominicis

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Gilbert Proesch (Las Dolomitas, 1943) - George Passmore (Playmouth, 1942) 
Escultores ingleses. En referencia a su trabajo en conjunto ellos sostienen que «no es una colaboración... somos dos personas pero un solo artista». Se conocieron como estudiantes en la Escuela de Arte St Martins de Londres. Para 1969 reaccionaban en contra de las aproximaciones escultóricas imperantes en la escuela de arte a las cuales consideraban elitistas y poco comunicativas por fuera del ambiente artístico. Su estrategia fue transformarse ellos mismos en escultura, sacrificando sus identidades separadas y modificando la noción de creatividad.  Entre 1970 y 1974 también realizaron dibujos (a los que se hace referencia como “esculturas en carbonilla sobre papel”) y pinturas para dar una forma más tangible a su ya establecida identidad de “esculturas vivientes”. En 1971 realizaron sus primeras obras fotográficas, medio que permaneció como su principal forma de expresión. Gradualmente fueron cambiando el énfasis de su tema-sujeto, alejándose de sus propias experiencias y se concentraron en la realidad de la ciudad que los confrontaba en la calle, así como en las estructuras y sentimientos que dan forma a la vida como la religión, clase, realeza, sexo, esperanza, nacionalidad, muerte, identidad, política y miedo. G&G sostienen que hacen arte “para el bien de la vida” y postulan un arte “para todos”. 
gilbertandgeorge.co.uk

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Danilo Guerri (Ancona, 1939) 
Se forma en el ámbito de la escuela romana,  bajo la guía de Libera y luego de Quadroni. En los años 60 comienza su experiencia laboral el estudio de UTA. En 1983 se incorpora a la Academia Nacional de San Luca. Ha desarrollado su carrera didáctica como profesor en la Facultad de Arquitectura de Ascoli Piceno, de Ferrara y de Ingeniería de Ancona. También ha dictado numerosas conferencias en Italia (Palermo, Urbino , ILAUD, Roma y Milán) y en el extranjero (Oslo, Pittsburgh, Pennsylvania, Carnegie, entre otros), y su trabajo ha sido objeto de exposiciones en Fontana y en Milán.
www.daniloguerri.com

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Ilya Kabakov (Ucrania, 1933) - Emilia Kabakov (Ucrania, 1945)
Artistas rusos que viven en Estados Unidos, colaboran en el desarrollo de espacios que fusionan elementos conceptuales con aquellos de la vida cotidiana. Aunque su trabajo está íntimamente vinculado con el contexto social y cultural soviético, sus obras mantienen una relevancia universal.  Ilya Kabakov nació en Dnepropetrovsk, Unión Soviética, en 1933. Estudió en la Academia de Arte VA Surikov en Moscú, y comenzó su carrera como ilustrador de libros para niños durante los 1950s. Integró un grupo de artistas conceptuales en Moscú que operaba por fuera del sistema de arte oficial soviético. En 1985 presentó su primera exhibición en la galería Dina Vierny, en París.  En 1988 comenzó a trabajar junto con su futura esposa, Emilia (se casarían en 1992), y a partir de ese momento todos sus trabajos se realizaron en colaboración. Hoy Kabakov es considerado el artista ruso más importante del siglo XX. Sus instalaciones hablan tanto de las condiciones sociales de la Rusia post-Stalinista como de la condición humana universal.

Su obra ha sido expuesta en el MoMa, el Museo Hirshhorn de Washington DC, el Museo Stedelijk de Amsterdam, Documenta IX, en la Bienal de Whitney de 1997 y el Museo State Hermitage de St. Petersburgo, entre otros. En 1993 representaron a Rusia en la 45º Bienal de Venecia con su instalación The Red Pavilion. El dúo también a participado en numerosas comisiones públicas en Europa y han recibido diversos premios, incluyendo el Oscar Kokoschka Preis, de Vienna, en 2002, y el Chevalier des Arts et des Lettres, de París, en 1995.
www.ilya-emilia-kabakov.com

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William Kentridge (Johannesburgo, 1955) 
Su formación académica combina la política y estudios africanos con el arte, por lo que el centro de su obra se concentra principalmente en las preocupaciones propias del colonialismo y post-Apartheid de Sudáfrica, situaciones que articula a través de diferentes instancias estéticas propias de la contemporaneidad y en las que evidencia abordajes temáticos que transitan entre el abuso, la injusticia, la segregación y el maltrato social. Durante los años ochenta trabajó como director de arte en varias películas, lo que le conduce más tarde a la exploración y el manejo de múltiples herramientas del lenguaje fílmico. En la actualidad, su obra transcurre entre sus características animaciones dibujísticas (hechas a partir de secuencias fotográficas que registran el dibujo, desdibujo y redibujo de escenas que en su continuidad narran una historia), sus instalaciones multimediales, el diseño de escenografías y sus propuestas basadas en la estética del teatro de sombras.
www.art21.org/artists/william-kentridge

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Armin Linke (Milán, 1966)
Como fotógrafo y cineasta implementa una amplia gama de técnicas contemporáneas de procesamiento de imágenes para diluir las fronteras entre realidad y ficción. Su práctica artística explora las diferentes posibilidades de trabajar con material de archivo fotográfico y sus posibles manifestaciones, así como las interrelaciones y transformaciones que ocurren entre los seres humanos y las dinámicas urbanas,  arquitectónicas y espaciales. Se interesa particularmente por las estrategias de representación fotográfica y la intersección de la memoria colectiva, la historia y el archivo. Su práctica se centra en la documentación, a través de impresiones a gran escala, de los efectos de la globalización y la urbanización y las consecuencias de ambos en poblaciones locales. Ha presentado en numerosas exhibiciones internacionales: Moderna Galerija Ljubljana, Slovenia (1995); Accademia Americana, Roma (2003); Guangzhou Cultural Transmission Center, Beijing (2004); Centre Georges Pompidou, Musée national d'art moderne, París (2005); Museo della Calcografia, Roma (2008); y el Museum für Gegenwartskunst, Siegen, Alemania(2009). También ha participado en notables exhibiciones grupales: la Bienial de Berlín (1998); Bienal Internacional de Arquitectura de Venecia (2000);Bienal de San Pablo (2002); y Bienal de Venecia (2003).
www.arminlinke.com

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Luigi Ontani (Bologna, 1943)
Su producción es amplia y prolífica, multifacética, aunque es considerado fundamentalmente pintor y escultor. Su carrera comienza en los años setenta con sus famosas “Tableaux vivants” (Pinturas vivientes), que consisten en el uso de la clásica forma de representación francesa del siglo XIX, en la que actores posaban –con la intención de reconstruir obras pictóricas- como si se tratara de la propia pintura. Dentro de esta práctica se enmarcan obras que van de Pinocho a Dante, o de San Sebastián a Baco. Sin embargo, en todos ellas el narcisismo personal se eleva a un nivel superior, rozando estéticamente el Kitsch. La ironía que alcanza su obra se ve acompañada de una potente referencia a una verdad que no es verdad, que da paso al “simulacro” con el cual reinterpreta las diferentes situaciones históricas e introduce un rodamiento de la temporalidad. Ha expuesto en importantes museos y galerías del mundo como el Guggenheim, el Pompidou y el Reina Sofía; ha participado en varias ediciones de las bienales de Venecia (72, 78, 84 y 95), Sydney y Lyon. Recientemente ha tenido tres muestras importantes: MoMA (2001), SMAK (2003-2004) y MAMBO (2008).
www.lorcanoneill.com/site/elencoLavoriArtista.php?idArtista=10

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Yan Pei-Ming (Shanghai, 1960)
Es un artista chino nacido en Shanghai, en 1960, pero radiado desde 1982 en Dijon, Francia. Sus obras más famosas son de “dimensiones épicas” y en ellas retrata personajes emblemáticos de la historia universal: Mao, Picasso, Bruce Lee, Obama, Papa Juan Pablo II, Papa Francisco, entre otros. Sus primeros años transcurren en medio de la controvertida Revolución Cultural China por lo que desarrolló una conciencia crítica y dramática del mundo, que deja ver a través de su obra desde 4 conceptos fundamentales: muerte, religión, guerra y sufrimiento. A través de su obra se adentra en la historia cultural de occidente reinterpretando varias de las  grandes pinturas de los maestros españoles: Goya, Velázquez y Picasso, o simplemente retratándolos. Sus intenciones pictóricas confrontan un equilibrio entre la figuración y la abstracción, pero la expresividad con que produce sus pinturas definen tangencialmente su obra. Ha participado en numerosas exhibiciones alrededor del mundo (GAMeC, Louvre, Centro de Artes de Beijing, Galería Massimo De Carlo, Centro Pompidou) y en Bienales como las de Venecia, Sevilla y Estambul.
yanpeiming.com

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Michelangelo Pistoletto (Biella, 1933)
Su primera participación en la Bienal de San Marino fue en el año 1959 y su primera exhibición individual la realizó al año siguiente en la Galleria Galatea en Turín. En 1967 comenzó a explorar laperformance, un interés que mantendría y extendería a lo largo de su carrera e incluiría también el cine y el teatro. Con el Grupo Zoo, que fundó, Pistoletto encabezó "acciones" colectivas desde 1968 hasta 1970, que buscaban unificar el arte y la vida cotidiana y que transcurrían en su estudio, en instituciones públicas como escuelas o teatros y en las calles de Turín u otras ciudades. El empleo de materiales cotidianos y accesibles (como en el caso de Venere degli stracci/Venus de los trapos,una copia de la clásica escultura de Venus rodeada de una enorme pila de ropas viejas) lo alineó con el Arte Povera. Desde 1967, cuando ese término fue acuñado, el trabajo de Pistoletto ha sido incluido en museos y galerías dedicadas a la exhibición de obras de ese movimiento artístico. Creó el Progetto Arte en 1994, un programa dedicado a unificar distintas ramas de la civilización humana a través del arte. Para ello estableció la Cittadellarte, Fondazione Pistoletto en 1998, un centro para el estudio y la promoción de actividades creativas.  Retrospectivas de su obra se han presentado en Venecia, Madrid, Florencia, Barcelona y Filadelfia. Sus trabajos se han incluido en importantes exhibiciones internacionales como Documenta 4, 7, 9 y 11 y la Bienal de Venecia (1966, 1976, 1978, 1984, 1986, 1993, 1995, 2003, 2005).
www.pistoletto.it

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Aldo Rossi (Milán, 1931-1997)
Para el arquitecto italiano Aldo Rossi la idea del teatro siempre funcionó como el motor creativo de su arquitectura y sirvió como escenario sobre el cual construyó sus teorías. El teatro fue una de sus más grandes obsesiones y a través de la cual se puede entender toda su obra. En las diferentes etapas de su carrera la idea de la teatralidad se desarrolló en diferentes niveles a través del cuerpo de su obra, tanto arquitectónica como literaria. El teatro para Rossi significaba la puesta en práctica de sus diseños y la puesta en escena de su vida en la ciudad. Asociado con el movimiento italiano Neo-Racionalista de la década de los 70s, el trabajo de Aldo Rossi emplea formas arquetípicas en un intento por establecer una conexión con la memoria de la arquitectura clásica. El reconocido crítico e historiador Vincent Scully comparó el trabajo pictórico-arquitectónico de Rossi con el de Le Corbusier. Ada Louise Huxtable, crítica de arquitectura y jurada del premio Pritzker, lo ha descrito como "un poeta que, además, resulta ser arquitecto".

Construido para la Bienal de Venecia, el Teatro del Mundo se inauguró el 11 de noviembre de 1979 situándose frente a la famosa Dogana Veneciana. La Bienal de Teatro y Arquitectura buscaba rememorar los antiguos teatros flotantes del siglo XVIII que funcionaban sobre el agua. Rossi percibe el teatro flotante como un nuevo símbolo de la ciudad de Venecia, un nuevo monumento que comprendiera sus funciones hermenéuticas, sociales y prácticas así como su trascendencia en la memoria colectiva y las costumbres de una ciudad a través del tiempo. Rossi describió el proyecto como "un sitio en donde la arquitectura finalizaba y el mundo de la imaginación comenzaba".
www.fondazionealdorossi.org

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Grazia Toderi (Padua, 1963)
Obtuvo reconocimiento internacional como resultado de su participación en Aperto '93  en la 45º Bienal de Venecia, donde exhibió, además de fotografías, el video Notiscordardime (No-me-olvides), en el cual utilizó una cámara fija para registrar a una pequeña planta embestida por una violenta y continua lluvia de agua. Toderi tiende a realizar registros distantes de acciones que suelen desarrollarse en un ambiente cotidiano, y su uso deliberadamente elemental del video como medio expresivo enfatiza su deseo de concentrarse en el sujeto y en la acción, distanciándose de una pura y simple voluntad creativa. Aunque representa objetos cotidianos en contextos domésticos, las obras de Toderi no ocultan un cierto sentido de intranquilidad y sus sujetos, en realidad, suelen ser el blanco de una violencia oculta. La artista también ha demostrado una fascinación por el uso de imágenes ya registradas por otros medios y por las dinámicas del espectáculo, que ella entiende como una oportunidad para el encuentro y la unión. Por ello ha trabajado con imágenes de estadios, arenas públicas y grandes teatros históricos. En Eclissi(Eclipses), 1999; Random, 2001 y Orchestra, 2003, las audiencias de distintos teatros italianos sirven para reflexionar en la relación entre el continente y los contenidos, uso y usuario, en un juego de partes en donde siempre, en última instancia, se transforma al público en protagonista. El reconocimiento de la audiencia (recreada con la ayuda de imágenes manipuladas digitalmente en donde se agregar aplausos, sonidos y flashes fotográficos) sirve para enfatizar el foco de la artista sobre el público, que ella considera el protagonista real de la performance.
www.graziatoderi.com

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Francesco Vezzoli (Brescia, 1971)
Estudió en el Central St. Martin's School of Art de Londres. Su trabajo explora el poder de la cultura popular contemporánea. Al emular detalladamente los formatos de diversos medios como la publicidad y el cine, analiza las preocupaciones actuales con respecto a la ambigüedad fundamental de la verdad, el poder seductor del lenguaje y la inestabilidad de la persona humana. Ejemplos incluyen un tráiler del remake del Caligula de Gore Vidal (2005) con actuaciones del propio Vidal, Helen Mirren y Courtney Love; una campaña publicitaria dirigida por Roman Polanski de un perfume ficticio (Greed); y performances site specific inspiradas por Pier Paolo Pasolini, Luigi Pirandello y Salvador Dalí en donde participan super estrellas como Catherine Deneuve, Cate Blanchett y Lady Gaga. Aunque Vezzoli trabaja con una gran diversidad de medios, el bordado sigue siendo su técnica destacada desde los inicios de su carrera. Comenzó imitando a actores famosos que practicaban el bordado dentro y fuera de pantalla (Vincente Minelli, Joan Crawford, Cary Grant, Greta Garbo); luego se volvió una actividad más profunda y contemplativa a la que el artista se refirió como un mundo de sentimientos, crisis, obsesiones y depresiones históricamente unificadas con el oficio. Su trabajo ha sido exhibido en Nueva York, Turín, Milán, Porto, Dijon, Londres y Estocolmo, entre otros.
www.gagosian.com/artists/francesco-vezzoli