Carlos Trilnick
Paisajes Políticos

Esta muestra homenaje a Carlos Trilnick, precursor del videoarte en Argentina, reúne una selección de obras que evidencian cómo su interés por la tecnología lo llevó a experimentar diversas plataformas y soportes.

Los distintos Paisajes políticos se construyen a partir de su interés en la imagen electrónica, concebida como un proceso de barrido de impulsos eléctricos que iluminan un punto tras otro sucesivamente. Este concepto, que parece muy técnico y específico, tiene estrecha relación con la temporalidad y la factura real de lo que se puede percibir, convirtiéndose en la idea central que recorre toda su producción artística y su vida de enseñanza. 

Trilnick siempre tuvo una postura ideológica clara relacionada con la defensa de los derechos humanos, el respeto a los devenires ecológicos naturales sin incidencia de la industrialización depredadora y la construcción de la imagen visual centrada en los mecanismos y no solamente en los resultados finales. 

Los procesos políticos artísticos son un estímulo en su búsqueda de experimentación y en ese sentido centra su preocupación por la enseñanza como herramienta transformadora de la realidad. El legado de su obra consiste en una gran red de redes que impulsa procesos como lo hace constantemente la imagen en movimiento.

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Entrevista a Marcela Römer, curadora de la exhibición
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¿Qué momento o etapa de la producción de Trilnick representan las obras seleccionadas?

La intención es mostrar una línea de tiempo, partiendo de una de sus primeras obras -Viajando por América, de 1989- hasta su obra inédita, que es Zona Cero. Las cinco piezas seleccionadas obviamente no dan cuenta de la trayectoria de más de 40 años de un artista como Carlos Trilnick. Es muy difícil que el público en una sola sala pueda ver toda su carrera, pero de todas maneras en Viajando por América muestra una tecnología muy de la época, bastante avanzada. Carlos había estudiado en Israel durante su exilio político y cuando volvió a la Argentina, con el regreso a la democracia, traía un background de avanzada para lo que sucedía acá. Esta obra es muy importante, además, porque expresa intenciones ideológicas muy concretas que mantuvo a lo largo de toda su vida.

Las obras tienen una actualidad notable…

Coincidimos en mostrar obras inéditas y actuales como Zona Cero donde trabaja con realidad virtual, un tema del que recién se hablaba cuando empezó a investigar, y en la Universidad pública, con su grupo de trabajo. También nos parecía sumamente interesante incluir el proyecto Minas antipersonales, la puesta que hizo en la Universidad de San Diego en 2009, por lo que está pasando hoy en la Franja de Gaza y en Ucrania. Hablo en plural porque hicimos un pequeño equipo con Mónica, su viuda, su hija Zoe y Luis Campos, su colega en la universidad, para discutir entre todos lo más adecuado para esta exhibición. La instalación de las minas dialoga muy bien con la serie fotográfica de los bosques: el espectador puede imaginar la desolación de estar pisando alguna de esas minas que quedaron en el mundo y que producen serios accidentes, muertes, mutilaciones, etc. 

¿Qué orden de importancia tenían el soporte y el discurso en la producción de Trilnick?

Esta selección se llama “Paisajes políticos” porque para él lo ideológico era lo importante. En su caso, ese interés siempre tuvo que ver con los movimientos sociales y políticos. Muchas de sus obras eran denuncias sutiles o a veces directas, como Minas antipersonales, que denuncia directamente la problemática de las minas en el mundo; otras son más sutiles como las fotografías de Tierra del Fuego, por ejemplo, o la otra serie fotográfica sobre los metadatos que suceden en Internet. Para Carlos era muy importante que la tecnología no se excediera, que no fuera lo primero que impactara al espectador porque primero estaba el concepto. La tecnología era un recurso para mostrar un pensamiento. Por supuesto que le encantaba usarla y fue un pionero en el tema, pero si no tenía la última pantalla LED no importaba, usaba un recurso acorde con el concepto de su obra. Ese equilibrio se lo transmitió a sus alumnos en la UBA. Y eso aprendí de él: no tenés que usar la última tecnología si no la necesitás porque ésta puede matar el tema de tu obra, y como un buen artista que trabaja con la memoria tiene un gran respeto por sus cuestiones personales, familiares e ideológicas. Fue coherente hasta el final. Jamás retrocedió, siempre estuvo ahí, al pie del cañón, no porque sí tuvo que irse del país durante la dictadura.

¿En qué medio consideraba que podía expresarse mejor?

En la fotografía, y en la “obra tecnológica”, por generalizar, porque es muy amplia. Se interesaba en cada herramienta innovadora que aparecía. No lo tomaba como una simple novedad sino como una posibilidad para expresarse de una manera distinta. ¿Por qué no le interesó la pintura? Tiene en su archivo unos pequeños dibujos y pinturas inéditos, pero para él lo más interesante eran la fotografía, las instalaciones, los accesos mediante computadora. Eso tiene que ver con su paso por la universidad en Israel, que le dió una apertura distinta respecto al arte. Cuando regresó a la Argentina volcó todo eso en su obra, y en su vida cotidiana también, por supuesto.

¿Qué pensaría hoy Carlos Trilnick sobre el uso de la inteligencia artificial como herramienta artística, y posible “reemplazo” de la inteligencia “humana”, ésa que se nutre de la memoria y la historia que tanto defendió?

Difícil la pregunta, porque pudimos hablar bastante poco del tema antes de que él falleciera. Pero creo que seguiría pensando lo mismo: que es un “otro”. La inteligencia artificial es como un otro que está ahí, que obviamente no reemplaza al ser humano, pero que de acá a dos años o más, uno, cinco meses… Hoy es un otro muy presente y fuerte. No hay que desconocerlo, pero de ninguna manera va a reemplazar al humano, ni a su memoria, ni a su estructura ideológica, ni a nada.

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Entre la migración tecnológica y la presentificación del pasado
Acercamiento a la obra de Carlos Trilnick

Por Mónica Acosta en Revista La Fuga, Chile

“Trilnick ha hecho un periplo que empieza con una estancia voluntaria en Israel durante la dictadura militar. Su intención era estudiar cine, pero ganó una beca que lo llevó a estudiar fotografía en la Neri Bloomfield Academy of Design and Education. Su iniciación en el diseño a partir de su vocación fotográfica fue temprana y azarosa. En el año 1982 fue invitado a realizar su primera exposición en la White Gallery de Tel Aviv, galería que además le compró la fotografía Rosa y Raúl para su muestra permanente: una imagen en blanco y negro a una escala media entre blancos y grises, de un espacio que no cierra en los límites del plano sino que parece continuar más allá del marco. Atraviesan la foto, en una lejanía media, su padre, y más al fondo, su madre. Separados por una línea que llega al horizonte, el padre, parece mirar a cámara; la madre, en cambio, está de espaldas, caminando hacia el horizonte. No hay una escena diegética, no hay figuración salvo por la existencia de esas diminutas figuras en el espacio infinito, seres que parecen decir algo acerca de lo inefable e inabarcable de la existencia. Trilnick ha realizado un viaje que, llevándolo fuera de su espacio y su tiempo, lo devuelve, ya en 1983, a un país que recupera, muy lentamente, su vocación democrática. Las formas de la memoria, los paisajes inconclusos, los cortes biográficos, las incrustaciones históricas, los cuerpos en un espacio infinito, las intervenciones digitales en imágenes familiares, genealógicas, históricas, ya eran una intuición cierta en el proyecto de artista que partió de Rosario para irse a Israel y volvió para convertirse en un referente del videoarte”.  

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Memorias del presente
Por Rodrigo Alonso

“Si repasamos rápidamente la trayectoria artística de Carlos Trilnick, no nos será difícil constatar su preferencia por la fotografía y el video como soportes para su labor. Sin embargo, una mirada un poco más detenida no puede dejar de observar que su acercamiento a estos medios ha sido –y continúa siendo hoy– eminentemente plástico.
Ciertamente, su formación en la Escuela de Diseño “Nery Bloomfield” de Haifa constituye parte de la explicación. Pero a este antecedente debe sumarse la decidida conciencia del artista en cuanto a los medios y los caminos que asumiría su obra. Precisamente, quizás una de las mayores contribuciones de la mencionada escuela no deba adjudicarse a lo estrictamente académico, sino a la posibilidad que ofreció al joven Trilnick de experimentar con medios técnicos aún no demasiado explorados en el terreno de indagación audiovisual”.

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El oficio de la distancia acerca de la obra de Carlos Trilnick

Por Ticio Escobar, en el libro Carlos Trilnick, editado por el Museo Castagnino+Macro

“Carlos Trilnick encara el conflicto entre el orden de la forma y el ímpetu de contenidos apremiantes midiendo, en cada caso, el componente estético, regulándolo y sopesando su acción según lo requiera la necesidad de afirmar una posición ético-política: su compromiso con una realidad dura, marcada por la crítica de la exclusión social y la violencia globalizadas, así como la denuncia de todo modelo autoritario y cualquier forma de discriminación. Se trata de una operación compleja, capaz de sortear tanto la seducción de la belleza apaciguada como la literalidad de la pura denuncia. Se trata de una operación audaz: trabaja con rigor la puesta en imagen y con osadía la experimentación formal haciendo de estas operaciones dispositivos de enunciación y discurso. Sabe que el silencio de la poesía es un resguardo contra la mudez de la pura forma y la estridencia del grito incontinente, del sonido sin pausa. Por eso se expone hasta la obviedad y frena a tiempo sobre el límite: se desvía; busca el rodeo, el extravío de la cifra; desmiente con un gesto breve la inercia del sentido. Por eso se atreve a asumir una postura crítica ante la iniquidad y a hacerlo de manera más radical que puede un artista, mediante el rodeo de lo birlado al lenguaje. A punto de consumarse el relato, Trilnick introduce un punto de torsión que descarría su curso y remite a otras instancias de sentido. Las narraciones, críticas y conceptos son interceptados por operaciones rápidas que introducen mediaciones, provocan cortocircuitos e impiden que el mensaje sea descifrado: que el acontecimiento devenga evento en clave de panfleto, información o espectáculo”.

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Indeterminaciones del paisaje
Por Fabián Lebenglik, Página 12

“El género ‘dado’ que Trilnick toma para su muestra, y sobre el que viene trabajando desde hace tiempo, es el del paisaje, tomado como categoría artística. Desde este relativo punto de partida (en todo caso, punto “medio” de partida), Trilnick genera una serie de fotografías crepusculares, movidas, de una gran plasticidad, que dialogan con el género del paisaje pictórico y el fotográfico, explotando especialmente el cruce inaugural y decimonónico entre una pintura y una foto. La exposición presenta un conjunto de fotos de imagen magmática y fluida que oscilan entre lo reconocible (árboles, agua, horizonte, nube...) y lo irreconocible, hasta llegar casi a una mancha gestual. Con un impecable refinamiento en el tratamiento del color y la imagen, el artista toca además otros límites. Diluye y abstractiza la imagen hasta llevarla al lugar exacto de cruce entre movilidad e inmovilidad, entre composición y ejercicio casual. La fotografía de Trilnick es una imagen en fuga, el efecto de un corrimiento y un recorrido, el resultado de la mirada de un viajero frecuente. El fotógrafo genera y retrata movimientos exploratorios de luz crepuscular, como ejercicios de romantización del paisaje, donde la oscuridad introduce un componente sutilmente dramático. Y de paso incluye el arte fotográfico como parte de un espectro pictórico ampliado. Sus fotografías generan una relación poética y provocativa entre la noción de instante y la de eternidad, colocándolas como categorías complementarias o, en todo caso, como aspectos de un mismo proceso visual y psicológico: duración y fijación quedarían abolidos como polos, en busca de una nueva lectura del tiempo de la cual la fotografía sería hábil instrumento”.

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