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Collectif Faire-Part. L’escale / The stopover (2022)
Argos, Centre for Audio Visual Arts, Brussels

Los cineastas Paul Shemisi y Nizar Saleh viajan desde la República Democrática del Congo a Alemania para la proyección de su nueva película. Durante una escala en Angola, son detenidos en el aeropuerto porque la aerolínea no confía en la autenticidad de sus documentos. Mientras Paul y Nizar creen que están siendo llevados a un hotel donde esperarían hasta su vuelo de regreso a casa, en realidad están siendo trasladados a un centro de detención ilegal.

El testimonio de los cineastas, que ofrece una impactante visión sobre la imposibilidad de viajar de manera segura y sin preocupaciones para los artistas congoleños, contrasta de manera contundente con las aparentemente pacíficas imágenes de formaciones de nubes vistas desde la ventana de un avión.
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Collectif faire-part es un colectivo de artistas belgas y congoleños. Juntos buscan contar nuevas historias sobre Kinshasa, Bruselas y las múltiples y complejas relaciones entre ambas ciudades. Además de su práctica compartida, se apoyan mutuamente en sus proyectos artísticos personales.

El grupo fue fundado en 2016 por los cineastas Anne Reijniers, Paul Shemisi, Nizar Saleh y Rob Jacobs, cuando comenzaron a trabajar juntos. En los últimos años, este colectivo de cuatro integrantes ha evolucionado hacia un grupo más amplio de colaboradores habituales entre Bélgica y la República Democrática del Congo, con una composición que varía según cada proyecto.

Además de realizar cine, también toman fotografías, curan programas, imparten talleres y organizan un festival bienal de performance llamado SOKL.

Entrevista Collectif Faire-Part
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¿Qué te impulsa a trabajar en imágenes en movimiento y cómo surgió tu interés por este medio?

Los artistas suelen sentirse atraídos por la imagen en movimiento debido a su capacidad dinámica para combinar visuales, sonido, narrativa y emoción, creando una experiencia poderosa e inmersiva. Este medio permite una forma única de contar historias que puede involucrar profundamente al público, provocar reflexión y evocar una amplia gama de emociones.

Mi interés personal por la imagen en movimiento comenzó con una fascinación temprana por el cine y la animación, donde descubrí el potencial de dar vida a historias de maneras que las imágenes estáticas o el texto no podían. La magia del cine—su capacidad para transportar a los espectadores a otros mundos, mostrarles la realidad desde los ojos de otros y hacerles experimentar emociones complejas—fue cautivadora. Al experimentar con cámaras de video y programas de edición, solidifiqué mi pasión al explorar las infinitas posibilidades de expresar ideas y emociones a través de este medio versátil e impactante.

¿Qué te inspiró a realizar esta obra?

La mala situación política, económica y social de mi país fue mi inspiración, especialmente las condiciones de las mujeres en mi tierra, que hoy son víctimas de violencia política y de producción.

¿De qué manera está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que nutren y enmarcan tu pensamiento y producción?

En mi práctica artística, la solidaridad se expresa con fuerza a través del uso dramático del color naranja para destacar temas de opresión y cautiverio. Como sugiere su significado, esta elección de color conecta experiencias globales comunes y llama al espectador a solidarizarse con millones de mujeres que enfrentan un destino similar, especialmente las mujeres afganas, que suman más de veinte millones en su país. Yo, siendo una de estas 100 millones de mujeres y habiendo experimentado la profundidad de estas miserias, he realizado esta performance con el corazón.

Este sentimiento de empatía, sin duda, llama a los espectadores a la complicidad frente a estas injusticias y a apoyar a los oprimidos del siglo.

¿En qué estás trabajando en este momento?

Actualmente estoy trabajando en un nuevo proyecto relacionado con la "inmigración", y permíteme recordarte que no está separado de este filme, sino que es otra parte de mi proyecto.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Como artista, una plataforma internacional democrática como AFI representa una oportunidad invaluable para conectarme con una audiencia global e intercambiar ideas creativas a través de diversas culturas. Ofrece un espacio donde se celebra la expresión artística libre de límites geográficos y culturales, fomentando un sentido de unidad y experiencia humana compartida.

Además, permite explorar temas universales desde diferentes perspectivas artísticas, enriqueciendo tanto al creador como al espectador al resaltar la interconexión de nuestro mundo. Este tipo de plataformas no solo amplifican voces diversas, sino que también promueven una comprensión y apreciación más profunda de diferentes puntos de vista, algo crucial en una sociedad globalizada.

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Mary Sullivan. The Fine Line, (2023)
Crawford ArtGallery, Cork, Ireland

Esta película es una meditación sutil pero poderosa sobre el trabajo vital de las mujeres, que con demasiada frecuencia permanece invisible, no reconocido y no remunerado. En solidaridad con el trabajo y los medios de vida de generaciones de mujeres de las naciones insulares, la estética cinematográfica de tarjeta postal de Mary Sullivan crea un antídoto inquietante frente a la precaria realidad de las condiciones de vida y trabajo de tantas mujeres.

"En un momento en que los derechos de las mujeres están siendo atacados desde diversos sectores políticos y la vida en las islas se ve amenazada por el cambio climático, la película de Mary Sullivan subraya la importancia de reconocer la continua solidaridad con la que generaciones de mujeres han apoyado de manera silenciosa no solo a sus comunidades, sino también entre sí, tanto física como psicológicamente, y continúan haciéndolo". Dawn Williams.
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Mary Sullivan es una artista visual y de performance que reside en Bere Island, condado de Cork. Nacida en 1968, Sullivan trabaja con una variedad de medios, incluyendo cine, instalación, performance y escultura. Su obra más reciente, The Hold, exhibida en Bere Island en junio de 2022, documenta la vida de veinticuatro residentes de Bere Island durante la pandemia de Covid-19.

Graduada con honores en Artes Visuales por la TU Dublin (Sherkin Island), Mary Sullivan recibió el RDS Taylor Art Award en 2018 por su obra At Home, At War. Ha exhibido su trabajo en el Jardín Botánico Nacional de Irlanda, la Royal Hibernian Academy en Dublín, la Leyden Gallery en Londres, el Uillin West Cork Arts Centre y en Bere Island.

Entrevista Mary Sullivan
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¿Qué te inspiró a realizar esta obra?

No es ningún secreto que la pesca y la recolección tienen una tradición profundamente arraigada en la cultura insular, con muchos isleños siguiendo los pasos de sus padres al pescar para obtener ingresos, alimento y disfrute. Esta dependencia de la naturaleza y el mar ha llevado a que las mujeres de las islas asuman roles adicionales en comparación con sus contrapartes en el continente.

Este fue un aspecto que aprendí al mudarme por primera vez a Bere Island y observar el trabajo de mi suegra, no solo en el hogar y en la tierra, sino también en el mar. Este descubrimiento inspiró el video performance The Fine Line, que representa el trabajo resiliente y muchas veces invisible de las mujeres de las islas, mientras aborda lo que permanece oculto tras las puertas cerradas y dentro de la mente de cada una.

La película es una meditación sutil pero poderosa sobre el trabajo vital de las mujeres, que a menudo no es reconocido, ni visible ni remunerado. En solidaridad con el trabajo y los medios de vida de generaciones de mujeres de las naciones insulares, la estética cinematográfica de The Fine Line funciona como un antídoto inquietante ante la realidad precaria que enfrentan muchas mujeres en sus condiciones de vida y trabajo.

"En un momento en que los derechos de las mujeres están siendo atacados desde diversos sectores políticos y la vida en las islas está amenazada por el cambio climático, la película de Mary Sullivan subraya la importancia de reconocer la solidaridad constante que generaciones de mujeres han brindado silenciosamente, apoyando no solo a sus comunidades sino también entre sí, tanto física como psicológicamente, y que continúan ofreciendo hoy en día" — Dawn Williams.

¿De qué manera está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que nutren y enmarcan tu pensamiento y producción?

La solidaridad está presente en todos los aspectos de mi película. La pesca y la recolección, que han sido una práctica esencial en la vida insular durante generaciones, van más allá de la subsistencia, simbolizando los lazos comunitarios y la esencia misma de la vida en las islas.

Mi experiencia al mudarme a Bere Island hace tres décadas fue reveladora. Al observar a mi suegra trabajar tanto en la tierra como en el mar, entendí la resistencia y fortaleza que han caracterizado a las mujeres de las islas a lo largo de la historia. Mi performance The Fine Line da testimonio del espíritu duradero de estas mujeres, iluminando sus contribuciones invisibles y explorando las complejidades de sus vidas.

La colaboración también ha sido fundamental para mi práctica. En 2022, mi proyecto The Hold reunió a veinticuatro mujeres de la isla para reescribir el significado de ser una mujer isleña. Esta colaboración me permitió profundizar en las diversas perspectivas sobre la vida insular, enriqueciendo mi comprensión y mi trabajo artístico.

Además, la literatura ha sido clave en mi reflexión sobre la solidaridad. En particular, Gender and Island Communities, editado por Firouz Gaini y Helene Pristed Nielsen, ofrece una visión profunda sobre las dinámicas de género en contextos insulares. Aunque este texto ha sido una fuente invaluable, mi aprendizaje más significativo proviene de mi comunidad local, que me ha enseñado la importancia de la comunidad y la fortaleza que surge de la soledad compartida.

¿En qué estás trabajando en este momento?

Estoy creando una publicación basada en mi reciente exposición From the Inside Out and the Outside In, que incluyó The Fine Line. Este filme también fue proyectado en el Los Angeles Irish Film Festival en marzo de 2024.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Para mí, una plataforma internacional y democrática como AFI tiene una gran importancia, ya que se alinea con los mensajes que busco transmitir a través de mi trabajo. Mis proyectos abordan las experiencias vividas por las mujeres y el trabajo doméstico, destacando el aislamiento, el militarismo y el impacto mental que no solo son relevantes para la vida en una isla, sino también para ser mujer en general.

Participar en AFI no solo me brinda visibilidad como artista, sino que también me permite contribuir a un diálogo más amplio sobre género, aislamiento y salud mental. AFI es más que una plataforma artística; es un medio para la defensa y el cambio. A través de mi participación, espero fomentar conversaciones significativas, cuestionar narrativas predominantes e inspirar acciones hacia una sociedad más inclusiva y equitativa.

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Milica Rakić. Red if you did not exist we would have to invent you, (2021)
Cultural Centre Of Belgrade, Belgrade Serbia

Rojo, si no existieras, tendríamos que inventarte aborda hechos históricos y relatos que, más allá de su contexto local, tratan temas como los derechos de las mujeres, las cuestiones de género, la participación y la visibilidad de las mujeres en la vida pública. A través de una narrativa utópico-izquierdista sobre la emancipación femenina, la artista desarrolla su propio modelo de crítica, destacando la acción revolucionaria y la creación de una nueva utopía, sin la cual no existiría el arte.

La película presenta a una heroína, luchadora y activista, que personifica el carácter de la "nueva mujer" forjada en la lucha. Combinando escenas de cine de ficción y documental con narración en off, el relato aborda la lucha de liberación nacional y la revolución socialista como procesos inacabados. El filme de Milica Rakić se centra en la emancipación femenina en la Yugoslavia de posguerra y en la crítica a las interpretaciones patriarcales, tanto en contextos históricos como contemporáneos.

Las observaciones de la amiga y alter ego de la artista, Rakič, realizadas en conjunto con el historiador del arte y performer Vladimir Bjeličić, se contrastan con materiales de archivo relacionados con las actividades del Frente Antifascista de Mujeres.
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Milica Rakić nació en 1972 en la República Federativa Socialista de Yugoslavia. Obtuvo su doctorado en la Facultad de Bellas Artes de Belgrado. Ha presentado su obra en 30 exposiciones individuales y más de 400 exposiciones colectivas, tanto en su país como en el extranjero (Albania, Bosnia y Herzegovina, Bulgaria, China, Croacia, Egipto, Francia, Alemania, Grecia, Hungría, Indonesia, Irán, Italia, Japón, Macedonia, México, Montenegro, Portugal, Rumanía, Rusia, Eslovenia, España, Turquía y Estados Unidos). Es miembro de la Liga de Comunistas de Yugoslavia y de la Asociación de Artistas Plásticos de Serbia, y tiene el estatus de artista independiente. En su trabajo, examina cómo el lenguaje y la cultura moldean la identidad personal.

Entrevista Milica Rakić
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¿Qué te impulsa a trabajar en imágenes en movimiento y cómo surgió tu interés por este medio?

Baso mi producción artística en una lógica cuasi-archivística fundamentada en opuestos como encontrado-construido, factual-ficticio y público-privado, empleando procedimientos de apropiación de objetos, textos y fotografías. Busco preservar en el presente aquello que ha pasado, (re)configurarlo y establecer un posible movimiento hacia el futuro. No concibo la historia socialista como algo que simplemente ha pasado y se conserva de forma inmutable; existe, en el contexto de mi obra, como un constructo que se está construyendo y transformando. Al ser transferido al contexto del arte, cada documento archivístico adquirido o encontrado se convierte en un nuevo documento en el que inscribo tanto experiencias universales como personales en relación con los eventos políticos de entonces y ahora.

¿Qué te inspiró a realizar esta obra?

La lucha de las mujeres por el sufragio, una vez conquistada, no puede percibirse fuera del contexto de la organización sociopolítica más numerosa, el Frente Antifascista de Mujeres. La participación de las mujeres en la Lucha de Liberación Popular en Yugoslavia encendió la primera revolución radical en la región. Con su participación en la guerra, las mujeres dejaron de ser meramente accesorios anónimos, compañeras, activistas o testigos de eventos históricos. Antes de conquistar el derecho al voto o a la voz, en 1946 entraron en el ámbito de la acción pública, asumiendo responsabilidades y posiciones previamente inaccesibles para ellas.

La documentación archivística encontrada del Frente Antifascista de Mujeres de Yugoslavia de 1947-1949 evidencia la actividad de las mujeres en esa época. Estos registros no autorizados se escribieron como informes de campo firmados con Muerte al fascismo – Libertad para el pueblo, un famoso eslogan del realismo socialista. Este período muestra una diferencia en la emancipación femenina de posguerra: las mujeres eran representadas como compañeras, víctimas o testigos de eventos históricos. La nueva ideología les permitió transgredir las divisiones y limitaciones definidas, pero pronto las relegó a los viejos patrones, aunque con formas y contenidos transformados de su libertad.

Históricamente, las mujeres han gobernado el ámbito privado y los hombres, la esfera pública. Las feministas abordaron esto con su lema Lo privado es público, declarando que el capitalismo delegó la esfera privada a las mujeres y que el socialismo heredó este patrón. Aunque el feminismo tiene aspectos fundamentales occidentales, la promoción de los derechos de las mujeres no es un producto exclusivamente occidental, ya que incluye la lucha por una posición más igualitaria en la propia sociedad. La escritura, el discurso y la agencia de las mujeres, aunque esenciales en el feminismo, no son populares incluso hoy, ya que la sociedad sigue adaptada al arte de los hombres. Todo traspaso de los límites esperados recuerda al pasado comunista, que es difícil de aceptar, aunque inevitablemente debe (no) serlo. La mayoría de las mujeres/artistas no se sienten subyugadas en el patriarcado democrático (no son conscientes de su subyugación), aunque las nuevas políticas e ideologías imponen sus propias reglas, insinuando que el marxismo y el feminismo, como proyectos fundacionales de la era modernista, están pasados de moda.

¿De qué manera está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que nutren y enmarcan tu pensamiento y producción?

El guion de Red, si no existieras, tendríamos que inventarte, así como la narrativa izquierdista-utópica sobre la libertad y emancipación de las mujeres, se inspira parcialmente en el ensayo Poljubac za drugaricu parolu (Un beso para el eslogan de la compañera), así como en la película WR: Mysteries of the Organism de Dušan Makavejev, miembro de la generación de directores yugoslavos que desarrollaron un lenguaje cinematográfico moderno de autor.

Los filmes de estos autores reflejaban la realidad social e ideológica de la época, abordando cuestiones ideológicas, dilemas morales de la revolución socialista, la existencia cotidiana de la clase trabajadora yugoslava, la pobreza extrema en los márgenes sociales y la vida familiar patriarcal, que proclamaban el dominio de la clase trabajadora y la liberación de mujeres y víctimas de la opresión. La perspectiva crítica de Makavejev sobre ideologías como el estalinismo, comunismo, nazismo, capitalismo y consumismo estuvo influenciada por Wilhelm Reich, un psicoanalista marxista austroamericano.

Makavejev entrelaza las ideas de Reich con el marxismo, destacando la lucha constante de clases en la sociedad, así como análisis psicosociales de las especificidades políticas del socialismo yugoslavo.

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Nadeem Din-Gabisi. MASS, (2020)
Forma, London, Reino Unido

El film MASS de Nadeem Din-Gabisi parte del concepto de “frecuencia visual negra” desarrollado por Tina Campt para imaginar cómo se puede encontrar un sentido de pertenencia en un entorno urbano alienante. La película sigue a una mujer que busca conexión mientras deambula por un paisaje urbano gris y se refugia en un santuario interior. Al contrastar estos mundos internos y externos, Din-Gabisi explora cómo la colectividad, las alianzas y los vínculos emergen de las experiencias individuales, tanto visibles como invisibles.

En las calles, la protagonista de la película sintoniza las ondas invisibles emitidas por radios y antenas satelitales; cuando encuentra refugio, la reflexión en soledad cultiva una conexión más profunda consigo misma y fomenta una relación empática con los demás. Antenas, altavoces y transmisores —dispositivos físicos que emiten frecuencias y comparten voces— constituyen la columna vertebral visual de la película y simbolizan las “señales” invisibles que caracterizan diversos aspectos de la experiencia contemporánea negra, alrededor de los cuales las personas se identifican y congregan.

Con contribuciones del músico Coby Sey, la artista y cineasta Rhea Storr, y la directora de fotografía Shivani Hassard, y filmada en 16mm, 8mm y video digital, la película nos recuerda poéticamente que el sentido de pertenencia reside dentro, no fuera, y que la conexión surge de los individuos, quienes juntos forman una masa: un testimonio del poder de la solidaridad, la colectividad y el equilibrio.
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Nadeem Din-Gabisi es un galardonado poeta, compositor y artista visual. Su trabajo busca reimaginar e investigar la negritud en relación con sus experiencias como inmigrante de segunda generación nacido en el Reino Unido y de ascendencia sierraleonesa. Nadeem también explora la negritud desde la perspectiva de lo desconocido, profundizando en las experiencias humanas para comprender mejor su vida y su existencia.

Su álbum debut, POOL (2022), fue seleccionado por Clash Magazine como uno de los álbumes más subestimados del año, y Jamz Supernova lo incluyó en su lista Class of Supernova 2023. Entre otros logros, Nadeem ganó el Fred Perry x Nicholas Daley Music Award en 2021 y fue residente en Somerset House Studios durante 2018/19.

Su cortometraje MASS (2020), realizado en colaboración con FVU, ha sido proyectado en festivales como el Glasgow Short Film Festival, el Alchemy Film Festival y el Bali International Short Film Festival. Por otro lado, su corto blk boy flight (me and my cousins) (2015) se presentó en Somerset House y en el London Short Film Festival en 2019.

Entrevista Nadeem Din-Gabisi
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¿Qué te impulsa a trabajar en imágenes en movimiento y cómo surgió tu interés por este medio?

Mi interés serio en este medio comenzó en 2012/13, cuando tomé un curso en South Thames College (Wandsworth Campus). Aunque se presentaba como un curso de medios, en realidad era un curso de cine. Aprendí a filmar en 16mm, cortar película y crear cine con material encontrado en una mesa Steenbeck. Fue ahí donde hice mis primeros filmes (ninguno verá la luz del día), y descubrí mucho sobre el cine, desde la Nouvelle Vague francesa hasta el Neorrealismo italiano, y cineastas como Andrei Tarkovsky, Rainer Werner Fassbinder, Agnes Varda, entre otros.

Gracias a las lecciones aprendidas y a la recomendación de la profesora y cineasta Anthea Kennedy, obtuve una membresía en la Close Up Film Library en Shoreditch. Esto me llevó a explorar cineastas no centrados en Occidente, como Ousmane Sembène, Djibril Diop Mambéty y Alejandro Jodorowsky. Este proceso me mostró cómo el cine puede ser una herramienta poderosa para comunicar pensamientos, sentimientos e ideas complejas.

¿Qué te inspiró a realizar esta obra?

El origen de esta obra fue menos inspiración y más conversación. Cynthia Silveria, quien ganó un premio de práctica curatorial con FVU, me invitó a formar parte de una exposición grupal que estaba curando, cuyo título provisional era The Time is Now.

El concepto evolucionó hacia un filme que escribiría y dirigiría. Cynthia me propuso la idea de una "frecuencia visual negra", explorando cómo esta se registra sonoramente, hápticamente y afectivamente. Reflexioné sobre esto desde mi experiencia personal con la radio, tanto presentando como escuchando, y cómo el sonido, la palabra y la música pueden ser un llamado de atención para despertar partes de uno mismo. Ha sido, muchas veces, a través del sonido —ya sea externo o interno— que he obtenido revelaciones profundas y una mayor comprensión de mí mismo.

¿De qué manera está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística?

La solidaridad debe venir desde el interior hacia el exterior. Tener un propósito claro y un entendimiento de uno mismo es fundamental para construir solidaridad externa. Debo ser claro sobre lo que quiero y espero de mí mismo antes de pedirlo a los demás, algo que he tenido que aprender. Tal vez el mayor acto de solidaridad en el proceso creativo es saber cuándo es el momento de compartirlo, de transformar una visión solitaria en una colaboración colectiva.

¿Hay libros, obras de arte, redes de colaboración o experiencias personales que nutran y enmarquen tu pensamiento y creación?

Momentos clave en mi vida han cambiado mi forma de ver el mundo y, en consecuencia, han afectado cómo, por qué y qué hago. A menudo, estos momentos han sido de trauma y ruptura, y tal vez por eso busco crear obras que iluminen esas experiencias y busquen resolución.

¿En qué estás trabajando en este momento?

¡Sobrevivir! También estoy trabajando en la continuación de mi álbum debut POOL, titulado Offshore. Es una exploración expansiva de mi sentido de pertenencia como inmigrante de segunda generación, con padres nacidos en Sierra Leona y yo nacido en Inglaterra. Me pregunto: ¿Qué significa Inglaterra para mí y qué me debe? ¿Puede alguna vez ser un hogar? Y si no es aquí ni allá (Sierra Leona), ¿dónde está mi hogar? Recientemente he sentido inspiración para trabajar en algo visual nuevamente, algo que no había experimentado en mucho tiempo, por lo que espero que de esto surja algo pronto.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

¡Significa mucho! Estoy agradecido de que mi obra tenga una nueva vida a través de una plataforma como AFI. Esto permite que más personas vean y se conecten con mi trabajo de manera directa, interactuando en diferentes contextos y, con suerte, encontrando en él algo que les aporte consuelo y paz.

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Lihuel González. Dos personas (Two people), 2018
Fundación Proa, Buenos Aires (Argentina)

Dos personas es un proyecto audiovisual que reúne a dos personas para tener una conversación. Zhang Jing Yan y Renaud Semper no se conocen previamente, solo saben que su compañerx de charla no comparte su mismo idioma, pero si su necesidad de emigrar a otro país . Las conversaciones que surgen son espontáneas, generando un catálogo de gestos, tonos de voz y similitudes idiomáticas que ayudan a decodificar lo que está diciendo el otrx e intentar generar un nuevo código para hacerse entender. 

Dos personas, es un proyecto que intenta proponer una mirada al sentimiento de desarraigo, a la dificultad cuando intentamos comprender a un otro y que sucede en el proceso de adaptación a una nueva cultura. Los gestos sutiles y los intentos de conexión reflejan un proceso de empatía y escucha activa, donde cada acción busca superar barreras culturales y lingüísticas. Este proyecto invita al espectador a reflexionar sobre la importancia de la solidaridad y la comprensión mutua en un mundo diverso y cambiante.
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Lihuel González (Buenos Aires, Argentina, 1986) es fotógrafa y realizadora audiovisual formada en la Universidad del Cine. Además, participó en clínicas de arte con Gabriel Valansi, Hernán Marina y Alberto Goldenstein, y fue parte del Programa de Formación FNA - CONTI (2013), el Programa ABC de la Fundación Pan y Arte (2013), y del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella en su edición 2014-2015. Ha realizado exhibiciones nacionales e internacionales en Galería Gachi Prieto (Buenos Aires, Argentina, 2019); Museo de Arte de Dallas (Texas, Estados Unidos, 2018); Povvera (Berlín, Alemania, 2018); Centro de Arte UNLP (La Plata, Buenos Aires, Argentina, 2018) y Espacio Pira ADM (México, 2016), entre otros. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos, entre los que se destacan: Primer premio Concurso Nacional de Artes Visuales UADE (2021) Mención Premio Itaú a las Artes Visuales (2020), Tercer premio 108 Salón Nacional de Artes Visuales (2019), Tercer premio Concurso Nacional de Artes Visuales UADE (2018), Mención honorífica del Jurado Premio Fundación Klemm (2016) y Segundo Premio Salón Nacional de Artes Visuales - MACA Museo Junín (2016). Asimismo, en 2014 y 2018, el Fondo Nacional de las Artes le otorgó la Beca a la Creación.

Entrevista Lihuel González
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¿Qué te impulsa a trabajar en imágenes en movimiento y cómo surgió tu interés por este medio?

Me empecé a  interesar por las imágenes en movimiento en la adolescencia. Mi papá me regaló una cámara de video HI8 con la que registraba todo lo que me parecía curioso, lo que rodea, el día a día y mis amigos. Más tarde, en el Instituto Vocacional de Arte (IVA) , en la ciudad de Buenos Aires, empecé a filmar cortos de animación y situaciones ficcionadas con mis compañeros, fue un gran lugar de exploración con otrxs. Seguí mis estudios en la Universidad del cine donde descubrí que el video y la fotografía me permitian crear imágenes para poder visualizar, entender y expresar cosas que no podría de otras maneras . El video es un medio que me permite volver experimentar cosas por las cuales transito a diario pero de una manera transformadora.

¿Qué te inspiró a realizar esta obra?

Cada vez que tengo que presentar mi trabajo en un país extrajero o simplemente conocer a alguien que no habla mi misma lengua, me encuentro con la dificultad de no poder expresarme con fluidez. Siento que al intentar contar todo lo que viví, sentí y pensé, para llegar a construir algo, pierde potencia cuando intento traducirlo a un idioma que no es el mío. Como me dijo un amigo hace un tiempo “ es una peor versión de vos misma”.  Esa sensación la llevo hace años sin lograr superarla. Con este proyecto intento acercarme nuevamente a todos esos momentos en donde las barreras idiomáticas y culturales encuentran nuevas formas para hacerse entender y no naufragar.

¿De qué manera está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que nutren y enmarcan tu pensamiento y producción?

Me gusta trabajar de forma colaborativa tanto en mis proyectos como en la obra de otrxs artistas. Casi siempre mi trabajo parte de charlas o experiencias vividas con otrxs que luego pueden plasmarse de diferentes formas, como sucedió en Un paisaje no deja de existir aunque le demos la espalda, proyecto que partió de un libro de poesía colectiva donde cada participante compartía sus palabras para luego transformarse en una exhibición de performance y fotografía. También formo parte de un Colectivo que se llama Matriz Utera que trabaja con mujeres gestantes generando red de escucha y sostén atravesado por la creación colectiva de piezas de barro y proyectos audiovisuales.

¿En qué estás trabajando en este momento?

En este momento estoy armando un proyecto que se llama  “El principio y el final de las cosas”. Es un archivo fotográfico que intenta encontrar, a través de la recolección y observación de objetos, que están fuera de servicio, nuevas formas en lo que generalmente es considerado un desecho. A través de largas derivas por la ciudad voy recolectando objetos, lo suficientemente pequeños para poder cargarlos en mi bolso, para luego fotografiarlos en el estudio. Retratos de pequeños materiales que abarcan desde restos industriales hasta utensilios domésticos y orgánicos. Encontrar algo, recuperarlo y volver a mirarlo. En estos recorridos por la ciudad también recopilo palabras y anécdotas que forman parte del archivo a través de epígrafes que acompañan a las imágenes.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Para mí, una plataforma internacional democrática como AFI representa una oportunidad para conectar y compartir diferentes perspectivas artísticas. Es un espacio de intercambio cultural,que no solo me permite mostrar mi trabajo, sino también aprender de otros artistas y sus contextos. Es un honor poder participar en un espacio que promueve la inclusión a través del arte.

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Caterina Erica Shanta. En ausencia (2023)
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (GAMeC), Bergamo, Italy

Algunas voces relatan sueños de agua, presagios maravillosos y aterradores.En Centroamérica, el agua está a menudo contaminada y el agua potable es una mercancía privada y monopolizada. Pero no siempre ha sido así. El agua es, por lo tanto, un tema político que se desearía ver compartido y accesible, lo que implica una revisión de todo el tejido urbano de la Ciudad de México. Los pantanos de Xochimilco son el último recordatorio del inmenso Lago de Texcoco, que desapareció después de la década de 1960.
En Ausencia significa “en ausencia”. La película fue diseñada y filmada durante la residencia de investigación de Caterina Erica Shanta en Ciudad de México en junio de 2023, en Lingue Sorelle, curada por Nina Fiocco para el Instituto Italiano de Cultura de Ciudad de México, con la dirección de Gianni Vinciguerra.
En México, el agua potable es un bien privado, por lo que su acceso está regido por las leyes del mercado como cualquier otra mercancía. El acceso al agua se convierte, en este contexto, aún más en un discurso político cuando no se garantiza de manera equitativa y sostenible. En Ausencia – en ausencia – se construye sobre las voces narrativas de varias personas que se unieron a una convocatoria abierta publicada por Caterina mientras se encontraba en Ciudad de México, en la que pedía contar sueños en los que el agua era el elemento principal y recurrente.
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Nacida en 1986 en Alemania, Caterina Erica Shanta es una artista visual y directora de cine. Su trabajo se centra principalmente en las imágenes en movimiento y el arte contemporáneo, utilizando diferentes medios. Realiza películas basadas en archivos privados y prácticas de cine colectivo. Sus obras han sido exhibidas en instituciones artísticas como Ca'Pesaro, GaMEC, Careof - non profit for contemporary art, Fondazione Bevilacqua La Masa, MAMBO, y han sido proyectadas en numerosos festivales de cine, como el Oberhausen Film Festival, Lo Schermo dell’Arte, Filmmakers Film Festival y el Trento Film Festival.

Ha recibido diversos premios, entre ellos el MUFOCO "L’Italia è un desiderio" y el apoyo al talento del Italian Council.

Entrevista Caterina Erica Shanta
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¿Qué te impulsa a trabajar con imágenes en movimiento y cómo te interesaste por este medio?

Siempre he tenido una pasión por la edición de video. Durante mis estudios universitarios en arte en la IUAV de Venecia, trabajé como editora de video y, al mismo tiempo, en un centro juvenil que ofrecía formación en computación y programas extracurriculares para menores. Durante mis estudios, comencé a darme cuenta de que tenía un enfoque de editora hacia el uso experimental de los archivos, especialmente los fotográficos y familiares. A partir de mi propio archivo fotográfico familiar, comencé a observar otros archivos, recolectando historias, algunas despojadas por el tiempo y nunca contadas nuevamente. Recoger testimonios y hablar con las personas me resultó natural porque me interesaba comprender una dimensión más social y compartida de las historias. Así, me interesé por los métodos de transmisión de la cultura oral, especialmente tratando de aprender a través de los diálogos con las personas y el intercambio de puntos de vista e intereses. Lanzé mi primera convocatoria abierta para un proyecto artístico relacionado con un antiguo ritual en el sur de Italia. Cientos de personas participaron en el proyecto de diversas formas, y condensé sus historias en una película, Il cielo stellato (El cielo estrellado). Considero esta película como el primer proyecto participativo que realicé. Para ello, estuve más de tres meses en Matera (sur de Italia), realizando entrevistas, recopilando imágenes y descubriendo cómo narrar el ritual que animaba la ciudad, documentado a través de teléfonos inteligentes y cámaras. Desde entonces, comencé a colaborar más activamente con diversas personalidades, incluso fuera del ámbito artístico, como arquitectos, filósofos, historiadores y personas que simplemente quieren participar en mi trabajo. En 2020, lancé una segunda convocatoria abierta dirigida a personas con antecedentes migratorios en la ciudad de Turín, con la idea de crear una película colectiva titulada Talking About Visibility (Hablando sobre visibilidad). Les pedí a los participantes lo mismo: ¿con qué película te identificas más? ¿Te gustaría recrear una escena de ella en la ciudad de Turín? Este proyecto llevó a reflexiones sobre el privilegio de imaginar diferentes soluciones y usos del espacio urbano, a veces desmantelando significados y símbolos monolíticos. Desde 2022, comencé a colaborar más estrechamente con Rawsht Twana, quien filmó todo el material de Talking About Visibility. Rawsht posee el archivo Twana Abdullah, de su padre, que contiene casi 20,000 fotografías tomadas en el Kurdistán iraquí entre 1974 y 1992. Juntos, hemos catalogado parte del archivo gracias a una financiación de investigación apoyada por el Consejo Italiano. Actualmente, estamos trabajando en un proyecto de película documental de larga duración. Paralelamente a estas actividades, me he interesado por el tema del cambio climático, especialmente la justicia climática y la posible generación de una nueva cultura oral. Hace unos años, sobreviví a un evento climático catastrófico que afectó el norte de Italia, donde vivo. Al experimentarlo de primera mano, me di cuenta de que el cambio ya está aquí y ahora y está afectando a todos. El tema del agua, en su sentido más amplio, desde la gestión industrial hasta la relación cultural con ella, ha entrado con fuerza en mi investigación con la producción de nuevas obras: las películas Terre Emerse, La Tempesta y Calante. De diversas maneras, estas tres obras destacan nuevos archivos no convencionales generados a partir de los escombros de los trastornos climáticos. En 2023, fui invitada a Ciudad de México por el Instituto Italiano de Cultura con el proyecto Lingue Sorelle curado por Nina Fiocco. Con esta residencia, creo que he combinado varias tensiones existentes en mi trabajo en la última película En Ausencia, que involucra la generación y creación de archivos, la colaboración colectiva y la realización de la obra, y una perspectiva multidisciplinaria sobre diferentes temas.

¿Qué te inspiró a hacer este trabajo?

Cuando llegué a Ciudad de México, tenía la idea de trabajar sobre el tema del agua, pero no sabía cómo podría relacionarme con la lucha política que ha tenido lugar en el país sobre este tema durante muchos años. En ese contexto, no me sentía cómoda haciendo declaraciones, también porque no estoy en posición de hacerlas y nunca me permitiría profundizar en un tema tan delicado sin dedicarle meses de investigación. Así que pensé que lo mejor era preguntar a quienes viven con este tipo de agua, y lancé la convocatoria abierta. No quería hablar directamente sobre la gestión del agua; en cambio, me parecía más interesante hacerlo de manera indirecta, tratando de sacar a relucir cómo la mente procesa la relación con este elemento durante los viajes oníricos. Imaginen a 25 millones de habitantes, es bastante complicado conciliar una convocatoria abierta con el compromiso y los horarios de todos los participantes, tal vez solo algunos de ellos... Así que pedí a las personas que quisieran participar que me enviaran un mensaje de voz por WhatsApp, y así construí la pista de audio que está en la base de la obra. Incluso durante la pandemia, trabajé de manera similar para dos proyectos de video construidos sobre pistas de audio recibidas a través de mensajes, por lo que esta técnica no era nueva para mí.

 

¿Cómo está presente y se pone en práctica la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas, experiencias personales vividas, que alimenten y enmarquen tu pensamiento y producción?

Considero la solidaridad en diferentes niveles, y me gustaría describir algunos que creo que forman parte de mi práctica: pienso que el arte puede ser un lugar de compartir y, sobre todo, un momento que fomente el intercambio de pensamientos y diálogos. Crear este tipo de situaciones es fundamental para mí, aunque no siempre es fácil o factible. Esta es también una de las razones por las que trabajo con imágenes en movimiento. La participación en convocatorias abiertas es, por supuesto, voluntaria. Por ejemplo, para Talking About Visibility, creé un calendario de actividades que acomodara las necesidades de cada participante, considerando trabajo, compromisos y niños. Desde el punto de vista económico, mi objetivo es pagar a todas las personas operativas tanto como sea posible; de lo contrario, yo misma cubro las habilidades necesarias. Las personas operativas a veces también están involucradas a través de convocatorias abiertas, por lo que busco obtener presupuestos de trabajo adecuados para cumplir con este objetivo. Además, cuando realizo talleres o laboratorios, cada participante está activamente involucrado en la creación de la obra (siempre hay una contribución de cada persona), por lo que es la estructura del taller la que define el trabajo resultante. En la base de mis operaciones, hay una red variada de personas que siempre está en expansión y es fluida, para hacer los proyectos lo más compartidos posible. Trato de pasar largos períodos en los lugares donde trabajo. Por ejemplo, con Rawsht Twana, para la catalogación del archivo Twana, trabajé con él en Turín, donde me mudé temporalmente, casi un año a diario. Para Terre Emerse, colaboré con el arquitecto Antonio Angelucci, con quien exploramos algunos territorios acuáticos durante varios meses, culminando en un taller con escuelas secundarias. Para una obra sobre una pista de audio Intersections: for a film without images, involucré a la asociación Save the Children, activa en las afueras del norte de Milán, etc. Así, mis obras, dependiendo del contexto y la contingencia del proyecto, se realizan en diferentes medios: video, escritura, fotografía, pistas de audio, dibujo, etc.
 

¿En qué estás trabajando en este momento?

Actualmente, estoy trabajando en proyectos paralelos: estoy escribiendo un taller para una escuela secundaria en mi ciudad, Pordenone, sobre la figura de Alberto Basaglia (quien en Italia permitió la reforma del sistema psiquiátrico con el cierre de las estructuras de internamiento en los años 70); sigo y desarrollo la difusión de la convocatoria abierta Water Dreams, que continúa la idea detrás de En Ausencia, con la creación del archivo de sueños de agua (más información aquí: Water Dreams). Estoy acompañando el archivo con un dibujo modular que crece constantemente e incorpora algunos elementos recurrentes de los sueños. Comencé a esbozar este dibujo a mi regreso de México: un dibujo modular en grafito, renderizado literalmente como una imagen reflejada, que puede crecer “infinitamente” (véase una técnica similar aquí: Calante); gracias a la convocatoria abierta Water Dreams, estoy creando y activando una red de colaboraciones con otros artistas sobre el tema de los sueños, con el objetivo de crear una comunidad de soñadores. El proyecto de archivar memorias orales en las áreas de los Dolomitas de la UNESCO, curado y apoyado por Dolomiti Contemporanee, Gianluca D'Incà Levis, durará dos años.
 

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Como artista que también trabaja con imágenes en movimiento, a menudo noto, tal vez especialmente en mi país, que este medio está algo subestimado o infravalorado. Déjame explicarme mejor: aprecio cuando se da una atención particular a la profesionalidad que rodea el diseño, la producción y la exhibición de una obra de imagen en movimiento. También valoro especialmente el énfasis en los detalles de la exhibición; por ejemplo, exhibir un video no es sencillo, no se trata solo de configurar un proyector y dos altavoces, sino que requiere conceptualización y planificación. A veces, las condiciones ideales son raras. Por lo tanto, creo que es importante crear una red de personas interesadas en valorar este tipo de obra de arte, que quieran atraer la atención hacia las imágenes en movimiento, incluso hibridando diferentes tipos de exposiciones, incluidos festivales, especialmente en un intento por atraer a audiencias diversas. Para mí, es un excelente desafío la idea de tomar una obra de imagen en movimiento, originaria de un contexto y concebida de cierta manera, adaptarla para ser mostrada en otro lugar y entender cómo cambian las relaciones. Lo encuentro extremadamente enriquecedor, casi mágico, porque las imágenes en movimiento son un medio fluido. Personalmente, experimenté esta fuerte sensación cuando proyecté Il cielo stellato en la Cinemateca Nacional de Ciudad de México, para una audiencia distante de la que aparece en la escena del festival popular de la película. Sin embargo, se forjaron conexiones, y sensibilidades afines reaccionaron, llevando a conversaciones incluso después de la proyección.

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Cassils. Etched in Light
LACE, Los Angeles, USA

Las audiencias de Etched Light se encuentran con las realidades políticas en curso de los derechos transgénero en América. A través de la visión y dirección de Cassils, un artista transgénero, los espectadores son guiados a través de una actuación visual y sonora que tiene como objetivo combatir estos sistemas opresivos mediante la creación de un cianotipo a gran escala. La actuación tuvo lugar en el Día de la Visibilidad Trans (31 de marzo de 2024) en el National Mall en Washington, D.C. Cassils eligió esta ubicación para interactuar con la historia del sitio como una plataforma para innumerables activistas del pasado. Más de 100 artistas se reunieron y se les instruyó a acostarse sobre cuatro grandes lienzos en posiciones coreografiadas. Estos lienzos fueron posteriormente transformados en cianotipos con las huellas de los cuerpos de los artistas dejadas atrás. El uso de cianotipos le proporcionó a Cassils el espacio para elaborar sobre la historia y el impacto de la fotografía, al mismo tiempo que comentaba sobre el poder de negar la mirada voyeurista que a menudo se impone sobre los cuerpos trans. Al incluir a artistas de todo el país y de alrededor del mundo, este proyecto cultivó comunidad y redes que perdurarán en tiempos de fracaso sistémico. Al acostarse juntos, los artistas abrazaron su fuerza y cuidado mutuo, creando un poderoso símbolo de solidaridad.
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CASSILS (Los Ángeles/Nueva York) es un artista canadiense transgénero que hace de su propio cuerpo el material y el protagonista de sus performances. El arte de Cassils contempla la(s) historia(s) de la violencia, la representación, la lucha y el empoderamiento LGBTQI+. Para Cassils, la performance es una forma de escultura social: tomando la idea de que los cuerpos se forman en relación con las fuerzas de poder y las expectativas sociales, el trabajo de Cassils investiga contextos históricos para examinar el momento presente.

Cassils tiene actualmente una exposición individual en la Walter Phillips Gallery del Banff Center for Arts and Creativity (AB) y una próxima exposición individual en SITE Santa Fe (NM). Cassils ha tenido exposiciones individuales recientes en HOME Manchester (Reino Unido); Station Museum of Contemporary Art (TX); Perth Institute for Contemporary Arts (AU); Ronald Feldman Fine Arts (NYC); Philadelphia Academy of Fine Arts (PA); School of the Museum of Fine Arts Boston (MA); Bemis Center (OH); MU Eindhoven (NL).

El trabajo de Cassils ha sido presentado en el Marina Abramović Institute Takeover en el Southbank Centre, Londres, Reino Unido; MASS MoCA, North Adams, MA; Museum of Contemporary Art Tucson, AZ; Oakland Museum of California, CA; Kunstpalais, Erlangen, Alemania; MUCEM, Marsella, Francia; Deutsches Historisches Museum y Schwules Museum, Berlín, Alemania; MUCA Roma, Ciudad de México, México; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA; Los Angeles Contemporary Exhibitions, Los Ángeles, CA; y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica. Las performances de Cassils han sido presentadas en The Broad, Los Ángeles, CA; The National Theatre, Londres, Reino Unido; ANTI Contemporary Performance Festival, Kuopio, Finlandia; Wiener Festwochen, Viena, Austria; Dark Mofo, MONA, Hobart, Tasmania; y Queer Zagreb, Zagreb, Croacia. Las películas de Cassils han tenido su estreno en el Sundance International Film Festival, Park City, UT; OUTFest, Los Ángeles, CA; Institute for Contemporary Art, Londres, Reino Unido; Museu da Imagem e do Som, São Paulo, Brasil; International Film Festival Rotterdam, Países Bajos; M+, en West Kowloon, Hong Kong, China; y Outsider Festival, Austin, TX, en la Retrospectiva de Carrera Temprana: Cassils.

Cassils es beneficiario de la USA Artist Fellowship, Guggenheim Fellowship, una Residencia Fleck 2020 del Banff Center for the Arts, finalista del Princeton Lewis Artist Fellowship, una Beca Villa Bellagio de la Fundación Rockefeller, el primer ANTI Festival International Prize for Live Art, una subvención de la California Community Foundation, el Creative Capital Award, el premio MOTHA (Museo de la Historia Transgénero), el Fondo de Creación Nacional y la Beca de Artista Visual del Consejo de Artes de Canadá. El trabajo de Cassils ha sido presentado en The New York Times, Wall Street Journal, NPR, Wired, The Guardian, Art Forum y en revistas académicas como Performance Research, TDR: The Drama Review, TSQ: Transgender Studies Quarterly, QED: A Journal in GLBTQ Worldmaking, Places Journal y October. Cassils es el sujeto de la monografía Cassils, publicada por MU Eindhoven en 2015; y es el sujeto de un nuevo catálogo publicado por The Station Museum of Contemporary Art.

Cassils es profesor asociado de Escultura y Prácticas Integradas en el Instituto PRATT.

Entrevista Cassils
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¿Qué te impulsa a trabajar con imágenes en movimiento y cómo te interesaste por primera vez en este medio?

Soy un artista visual que trabaja en performance en vivo, sonido, escultura, fotografía y cine. Elijo los medios en función de su capacidad para comunicar mejor el mensaje en cuestión. El cine puede expandir la naturaleza efímera de la performance a una audiencia más amplia. Siempre me ha fascinado cómo las imágenes en movimiento pueden utilizarse junto con el arte performativo para realzar el mensaje del acto en vivo a través del uso del encuadre, el diseño sonoro y la calidad de la luz.

¿Qué te inspiró a crear esta obra?

Creo que el arte puede usarse como una herramienta para el cambio social. En un momento de violencia global intensificada contra la comunidad trans, quise crear una obra para y por la comunidad, para fortalecerla y mostrar que nuestra afirmación y presencia son poderosas y hermosas.

¿Cómo está presente y se pone en práctica la solidaridad en tu trabajo artístico? ¿Existen libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que alimenten y den forma a tu pensamiento y creación?

Las personas trans forman parte de un continuo de comunidades desfavorecidas y oprimidas que trabajan en solidaridad para liberarnos de sistemas y regímenes que nos niegan nuestra humanidad. Sabemos que la verdadera liberación requiere la liberación de todas las personas. Mi trabajo es creado por un equipo liderado por personas queer, trans y no binarias, cuyos miembros tienen subjetividades que atraviesan líneas raciales y étnicas. Esta obra es un acto de solidaridad, donde artistas de todo el país, de diversas disciplinas (cine, fotografía, danza contemporánea, música), se unen para centrar su atención en la liberación trans.

A nivel global, las vidas LGBTQI+ están en riesgo. Ser queer sigue siendo un delito en más de 67 países. Expreso solidaridad colectiva y lucho por la liberación de todas las personas que actualmente enfrentan opresión, incluidas aquellas en Palestina, Irán, Haití, Afganistán y Nagorno-Karabaj.

¿En qué estás trabajando actualmente?

Una gran exposición individual que se inaugurará el 15 de noviembre en SITE Santa Fe, en Nuevo México.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Los artistas tienen el don de manifestar cambios a nivel subconsciente. En un momento de polarización intensificada y cuando las palabras nos fallan, mostrar y compartir arte a nivel internacional proporciona una forma urgente y muy necesaria de compartir y proliferar tácticas artísticas, así como de inspirarnos mutuamente.

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Rana Nazzal Hamadeh. we would be freer
MMAG Foundation, Jordania

 

seríamos más libres (بنكون اكتر احرار) es un cortometraje que reflexiona sobre la relación entre las plantas nativas y las personas que viven bajo el colonialismo de asentamiento. A través de la narración de historias, la película explora el zumaque como medicina, especia, tinte y más. Conocido por su sabor ácido y su color vibrante, diferentes variedades de zumaque se encuentran en todo el mundo. En particular, el zumaque cuerno de ciervo es nativo de partes de la Isla Tortuga, y el zumaque de los curtidores es propio del Mediterráneo oriental.

Entretejiendo las voces de dos mujeres, una de la comunidad Mohawk de Kahnawá:ke y otra refugiada desplazada internamente en Ramala, seríamos más libres invita a reflexionar sobre el papel del zumaque en dos tierras ocupadas que están separadas por una gran distancia. Imitando el proceso de cambio en las flores de la planta, que pasan del amarillo al verde y luego al rojo, el cortometraje es una reflexión cíclica sobre la conexión con la tierra, la sostenibilidad y las plantas silvestres.
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Rana Nazzal Hamadeh es una artista palestina que vive en tierras no cedidas de los Anishinaabe Algonquin. Su obra en fotografía, cine e instalaciones aborda temas relacionados con el tiempo, el espacio, la memoria y el movimiento, ofreciendo intervenciones enmarcadas en una perspectiva decolonial. Rana tiene una maestría en Medios Documentales de la Universidad Metropolitana de Toronto y se encuentra entre Ramala y Ottawa.

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Aarti Sunder. Ghost Cut – Some Clear Pixels Amongst Many Black Boxes (2023)
Project 88, Mumbai, India

Ghost Cut – Some Clear Pixels Amongst Many Black Boxes se basa en conversaciones con trabajadores de Amazon MTurk y su relación con la política de la plataforma Mechanical Turk, explorando los diversos niveles de transparencia y opacidad que configuran su funcionamiento. Centrado en los procesos de backend de la inteligencia artificial y el aprendizaje automático, en esta obra Aarti Sunder investiga las relaciones entre lo analógico, lo digital y lo terrestre. ¿Qué tipo de trabajo (humano) es necesario para el funcionamiento fluido de una automatización? ¿Quién realiza este trabajo en el backend, dónde tiene lugar y qué implica? Un enfoque secundario es la exploración de la naturaleza subjetiva de la recopilación, procesamiento y anotación de datos, junto con las infraestructuras materiales de las que depende. En ausencia de constantes fijas y redes de seguridad, la abstracción emerge como una herramienta importante y necesaria.
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Aarti Sunder es una artista que vive y trabaja en Chennai, India. Trabaja con imagen en movimiento, escritura, dibujo y pintura. Sus intereses se centran en la tecnopolítica, con un enfoque en el estudio de la infraestructura y la sociedad, abarcando desde las prácticas laborales contemporáneas, los bordes ficticios de la protesta, el mito y el juego digital-terrestre hasta las políticas expandidas de las plataformas. Aarti publicó Pla$orm Politics - Within, Above and Under, una breve colección de contribuciones que exploraron diversas interpretaciones sobre la idea de la plataforma. Los temas tratados iban desde la filosofía contemporánea hasta espacios de nicho en línea, educación, inteligencia artificial/trabajo y el futuro del trabajo en la economía de plataformas. Actualmente está investigando la relación entre la tecnología y lo espiritual, analizando cómo esas intersecciones se convierten en un modo de gobernanza y qué tipos de visualidades surgen de esa relación.

Aarti ha exhibido su trabajo en instituciones como Hayy Jameel, la Bienal de Singapur 2022, 1ShanthiRoad, Haus der Kulturen der Welt, MIT, Warehouse421, Goethe-Institut, Kunstverein Leipzig, Bauhaus Imaginista, Alserkal Avenue, ISCP y el Museo de Historia Yugoslava. Ha recibido becas y subsidios de instituciones como MIT, Sommerakademie Paul Klee, Ashkal Alwan, el Centro de Cine FSC de Harvard, Sarai, Khoj, Akademie der Künste y la Fundación de Arte de Sharjah, entre otras. Recientemente, su obra ha sido proyectada en el 67º Festival de Cine de Londres del BFI y en Rencontres Internationales Paris/Berlin 2023. Actualmente, su trabajo se está exhibiendo en el Albertinum - Staatliche Kunstsammlungen Dresden, en Alemania.

Entrevista Aarti Sunder
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¿Qué te impulsa a trabajar con la imagen en movimiento y cómo te interesaste por primera vez en este medio?

Toda mi investigación sobre el trabajo en mercados en línea escalables ha tomado diversas formas hasta ahora: dos películas (una de las cuales estás viendo), una serie de impresiones. Actualmente estoy trabajando en un libro sobre las políticas expandidas de plataformas, un taller sobre crowdsourcing y una serie de conversaciones breves que se presentarán el próximo año como parte de una comisión para la Bienal de Singapur. Menciono esto porque soy consciente de que el medio cinematográfico (en este proyecto en particular) tiene limitaciones, y muchas de las sutilezas de mi investigación no se reflejarán aquí. Sin embargo, en tanto veas Ghost Cut (únicamente), el medio de la imagen en movimiento resultó ser la forma más efectiva de contar esta parte específica de la historia.

Ya estaba trabajando con grabaciones de entrevistas, colocando HITs audiovisuales de alta paga y construyendo una narrativa oral. Muchas de las decisiones creativas que tomé en la película siguen una lógica escalar de algún tipo (a menudo recursiva). Por ejemplo, al inicio de la película escucharás a una mujer hablando en hindi mientras describe su habitación y graba un video de 360 grados, el cual luego fue convertido en un video generado por GAN. No sería descabellado sugerir que ella probablemente contribuyó al entrenamiento del algoritmo que permitió que eso sucediera. De manera similar, se utiliza en la película aplicaciones de texto predictivo que, a menudo, son erróneas o aún no están bien entrenadas, y que están aprendiendo mientras "escuchan" (también probablemente entrenadas en plataformas como Mturk). Cuando llegamos a la interfaz burocrática de Mturk, tuve la suerte de que alguien me permitiera ver su pantalla, grabarla e incluso realizar HITs juntos. Para la película, elegí mostrar algunos HITs que ilustran mejor la naturaleza del trabajo: su abstracción, su opacidad y transparencia según el caso.

El paisaje sonoro también es una parte importante de la película, donde sonidos de animales, máquinas, humanos, el subsuelo y el cielo se entretejen para formar una narrativa abstracta, repetitiva y rítmica, casi como una máquina. En general, la imagen en movimiento como medio tiene mucho que ofrecer que otros tipos de imágenes no pueden (o al menos no de la misma manera). Las complejidades de trabajar en la mesa de edición, moldeando la historia segundo a segundo y construyendo una narrativa completa en esos segundos acumulativos, es algo que valoro profundamente y en lo que invierto mucho tiempo. Mi acercamiento al cine comenzó en 2017 con un trabajo titulado How Would We Know It If We Couldn't Feel It. Fue precisamente este proceso de edición lo que me intrigó. A través de la edición, intenté jugar con patrones emergentes de vaivén, moviéndome dentro y fuera de espirales de autoafirmación y negación. El montaje, la costura de imágenes y la superposición de sonidos precisos crearon una danza que no había conocido hasta entonces y que desde entonces ha influido en todos mis proyectos de imagen en movimiento.

¿Qué te inspiró a crear esta obra?

Estaba en un instituto de investigación en los Estados Unidos, rodeada de estudiantes, investigadores y docentes que usaban con frecuencia Mechanical Turk para recopilar datos, lo cual me intrigó. ¿Qué era exactamente esta plataforma? ¿Y por qué las personas que la utilizaban sabían tan poco sobre ella? Un estudio preliminar sobre la mecánica de la plataforma y su política no hizo más que aumentar mi curiosidad. Así, me lancé a un estudio de tres años sobre la plataforma: su origen, por qué existe, quiénes son las personas que realizan este trabajo y las dinámicas cambiantes de su política.

¿Cómo está presente y se manifiesta la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias personales que influyen y enmarcan tu pensamiento y creación?

En mi práctica tengo un interés particular en observar cómo las personas utilizan, entienden y conviven con tecnologías, plataformas y herramientas digitales. Por eso paso mucho tiempo conversando con personas inmersas en diferentes economías y espacios. Uno de mis objetivos es trabajar con evidencia subjetiva a escala individual: ¿cómo se siente alguien respecto a algo? ¿Por qué piensa eso? ¿Qué podemos aprender de ello?

Otro objetivo es reconstruir constantemente la idea de que la especificidad del lugar no niega las economías globalizadas y en red. Y el tercer objetivo es recordar siempre escuchar, cuidar e interactuar con las personas y otros seres vivos como una forma de práctica. Este método de trabajo me ha ayudado a ser más consciente de cómo las personas que viven en contextos diferentes, con prioridades distintas, trabajan, viven, sueñan y piensan. A su vez, esto me ha permitido aprender enormemente sobre métodos de cuidado, escucha y empatía hacia los demás.

¿En qué estás trabajando actualmente?

From Infra Earth to Extra Sky es un proyecto que gira en torno a una investigación del organismo, la máquina y los entornos que se encuentran en el núcleo de las infraestructuras tecnológicas. La obra incluirá un extenso paisaje sonoro guiado por tres historias: la de un elefante, la de un caracol y la de un coco, y estará complementada por videos, dibujos, pinturas, material de archivo y texto. Será una instalación diseñada para que el público camine a través de ella. El trabajo investigará lo que significa “ver exponencialmente” y experimentar un "vértigo inverso", para considerar conceptos como "caer hacia arriba" y "una vista desde afuera".

La premisa del proyecto se basa en la comunicación que ya ocurre entre las capas que existen dentro de la Tierra (bajo el agua, subterráneas, terrestres y en el cielo) y fuera de ella (en el cosmos). Esta comunicación es en parte creada por el ser humano de forma intencional, en parte accidental y en parte inevitable. La obra se convertirá en un mapa que trata de trazar estas rutas de comunicación, un mapa que también es en parte intencional, en parte accidental y en parte inevitable, existiendo como un plan. Un plan es un dibujo arquitectónico, una predicción del futuro y un método para la acción.

El movimiento de Infra Earth a Extra Sky también es un anuncio de sonido y tiempo en movimiento, una proto-animación de lo que está por venir, recontextualizando conceptos como invisibilidad e infinito a través del lente de la tecnología y sus aparatos. Estas investigaciones se centrarán en el organismo dentro del capital: el organismo completamente gobernado, el organismo parcialmente gobernado y el organismo que se niega a ser gobernado. Para comenzar, consideraremos conceptos como render, píxel, gravedad, cortocircuito y navegación, explorando los paisajes sonoros que generan.

 Una pintura en forma de pergamino largo estará en el centro de la instalación, donde el rollo horizontal imita una línea de tiempo tanto para la imagen como para el movimiento sonoro. ¿Qué sonido acompaña a una imagen fija pero en desplazamiento sobre papel, que tiene una progresión y dirige el movimiento del espectador?

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

El hecho de que exista una plataforma como AFI que permita la difusión de obras de imagen en movimiento a nivel global es de gran importancia y debe valorarse. Cualquier obra que se crea necesita ser vista, y la falta de ello puede ser extremadamente desalentadora para el artista. AFI parece un espacio que puede cerrar esa brecha, permitiendo que los artistas continúen trabajando con rigor y precisión.

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Deividas Vytautas Aukščiūnas. filled up, torn open, 2022/2024
Sapieha Palace, Branch of the Contemporary Art Centre (CAC)

filled up, torn open se sitúa en la intersección entre lo familiar y lo tabú. Lo familiar se resalta a través de referencias recurrentes a la cultura pop, la contemporaneidad en sus formas físicas y virtuales, y la iconografía religiosa. Lo tabú emerge en la forma en que estos elementos, aparentemente dispares pero correspondidos, convergen: mediante la sensualidad, la intimidad y, a veces, la violenta proximidad corporal de los personajes que ocupan la mise en scène. Sin nombre y discontinuos, los personajes transitan la narrativa con una oscuridad que refleja la naturaleza fragmentaria del propio filme. Lo que los une es la fuerza del deseo, la búsqueda de experiencias límite que trascienden, aunque sea por un breve instante, las restricciones de sus cuerpos físicos. En la narrativa resultante, que se asemeja a un sueño febril, el statu quo del mundo racional se desmorona, dando paso a nuevos imaginarios radicales.

La obra de Deividas Vytautas Aukščiūnas ha capturado nuestra atención durante mucho tiempo con sus complejas estructuras narrativas, un rasgo claramente demostrado en filled up, torn open (2022/2024). La película vibra con un rico entramado de imágenes que incluye renders en 3D, animación por IA y metraje encontrado, mientras explora temas como la mitología religiosa, la cultura contemporánea, las tendencias de internet y la música pop. Su estructura algorítmica resuena en el contexto visualmente saturado de hoy en día, pero lejos de promover una interacción pasiva, esta mezcla de fuentes diversas genera una reacción sensorial activa. Los motivos carnales y sensuales, expresados a través de actuaciones que anclan la historia, amplifican esta respuesta y alinean la película con el tema de la solidaridad de este año. Específicamente, resalta la necesidad de un compromiso activo en la construcción colectiva de mundos, proponiendo la unificación sensorial como un método convincente para lograr este objetivo.

Povilas Gumbis, curador, Palacio Sapieha:
Como una nueva rama del Centro de Arte Contemporáneo (CAC) de Vilna, el Palacio Sapieha está encantado de unirse al programa de AFI. Seleccionamos la película de Deividas debido a su capacidad de abrazar la incomodidad y explorar las posibilidades más allá de ella. Con el Palacio Sapieha situado en la intersección entre el patrimonio cultural y el arte contemporáneo, debemos reconocer tanto los aspectos cómodos como incómodos que la historia y la contemporaneidad aportan, y atrevernos a aventurarnos en la incomodidad para garantizar una comprensión integral del conjunto.
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Deividas Vytautas Aukščiūnas (n. 1996, Chicago, EE. UU.) es un artista visual lituano que vive y trabaja entre Berlín y Vilna. Aukščiūnas obtuvo su maestría en práctica de arte contemporáneo en el Royal College of Art (Reino Unido) en 2022 y una licenciatura en cine de la University of Westminster (Reino Unido) en 2017. Entre sus exposiciones individuales y colectivas recientes se encuentran: Todestrieb en Generation & Display, Londres (2024), Escapismus en Kunstpunkt, Berlín (2024), Surface Tension en Des Bains, Londres (2024), Shells of the Self en Crash Club, Varsovia (2024), Flashbang en Vilnius Higher Education Institution (2023), Collective Healing Youth Club (ACT I) en Meno Parkas Gallery, Kaunas (2023), Audra en Mykolas ilinskas Art Gallery, Kaunas (2023), Soft When Warm en Guts Gallery, Londres (2023), Spaces en Composers House, Vilna (2021), y Everything Forever en Sissy Club, Marsella (2021).

Aukščiūnas fue seleccionado como uno de los finalistas de la clase de 2023 del CIRCA PRIZE con su pieza de video Collective Healing Youth Club (2023). En 2021, recibió el premio JCDecaux otorgado por el Contemporary Art Centre (CAC) por su película tight grip, it makes me feel safe (2021).

Entrevista Deividas Vytautas Auksciunas
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¿Qué te impulsa a trabajar con la imagen en movimiento y cómo comenzaste a interesarte por el medio?

Mi atracción inicial hacia este medio, como probablemente le ocurra a muchos, es bastante mundana, aunque engañosamente simple. Recuerdo que, cuando aún estaba en la secundaria, vi Dogtooth (2009), una película de Yorgos Lanthimos. En ese momento, no creo haber entendido completamente de qué trataba, pero de todas formas me impactó profundamente, alterando de algún modo mi percepción y la forma en que veía el mundo a mi alrededor. Esa poderosa experiencia, en la que una obra de arte tiene el potencial de abrir y transformar el sentido de la realidad, despertó mi interés por el cine y, más tarde, por el arte.

¿Qué te inspiró a crear esta obra?

No hubo un momento único de inspiración que diera origen a esta película. Mi intención era construir un objeto escultórico a través del medio cinematográfico, reuniendo una variedad de elementos aparentemente desconectados como materiales para mi proceso creativo. Entre las principales inspiraciones se incluyen eventos políticos globales, experiencias personales de intimidad, la realidad contemporánea de la vida social y su extensión en línea, conversaciones cotidianas, novelas, poesía, cultura pop y, por supuesto, la religión.

¿Cómo se manifiesta y se practica la solidaridad en tu trabajo artístico?

La solidaridad en mi práctica artística se ejerce a través del reconocimiento del poder innegable de la energía colectiva: una fuerza transgresora y trascendental con el potencial de romper la linealidad del presente socialmente construido. Durante la producción de filled up, torn open, profundicé en los paralelismos entre las experiencias religiosas colectivas y las búsquedas hedonistas. Los sermones en iglesias y la cultura de las raves son ejemplos clave de estas experiencias, que muestran cómo la espiritualidad colectiva, la violencia y el deseo pueden convertirse en fuerzas capaces de alterar la realidad. Un texto clave que ha influido en mi investigación y práctica es El erotismo, de Georges Bataille.

¿En qué estás trabajando actualmente?

A principios de este año, mi colaboradora de larga data, Gloria Viktoria Regotz, y yo iniciamos una práctica conjunta enfocada en el arte performativo. Hemos estado presentando performances en Berlín y Londres durante los últimos meses y estamos desarrollando nuevas obras para exhibiciones en toda Europa este verano. En mi práctica individual, estoy investigando y desarrollando una nueva pieza cinematográfica, además de preparar una exposición individual en Vilna, programada para diciembre de 2024.

¿Qué significa para ti una plataforma internacional democrática como AFI, como artista?

Una plataforma internacional democrática como AFI ofrece un espacio crucial para que los artistas se conecten, compartan y se desarrollen más allá de las barreras geográficas y culturales. Para mí, significa interactuar con una amplia variedad de perspectivas y prácticas artísticas, enriqueciendo mi propio trabajo y fomentando una comunidad artística global. También brinda la oportunidad de mostrar mi obra a un público más amplio, ganar visibilidad y colaborar con otros creativos dedicados a la innovación y la expresión artística. En última instancia, AFI encarna el espíritu de inclusión y diálogo, esenciales para la evolución del arte contemporáneo.

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Maud Saulter. No Oxbridge Spires, 
Tramway, Glasgow, Escocia

En No Oxbridge Spires, la artista Maud Sulter sigue a su madre, su tía y sus hijas en un recorrido pausado por los Gorbals, una zona del sur de Glasgow situada en la desembocadura del río Clyde, que atraviesa la ciudad y su historia como un importante puerto marítimo y centro de construcción naval. Las figuras se detienen en su camino: los adultos avanzan lentamente, marcados por la edad, a través de espacios profundamente familiares, mientras los niños, llenos de curiosidad, descubren el barrio donde creció su madre. La película ofrece un mapa geográfico y de memoria de un lugar impregnado de historia y recuerdos.

El pequeño grupo atraviesa un paisaje urbano marcado por viviendas en deterioro, tiendas cerradas, tráfico constante y largas calles que parecen extenderse interminablemente en la distancia. La película llega a un punto culminante en un edificio de viviendas (tenement block) que alguna vez fue hogar de la artista, su madre y su abuelo, ahora programado para ser demolido como parte de los planes de transformación de una zona conocida desde hace mucho tiempo por su pobreza y privación, lejos de la educación de élite y los edificios históricos de las universidades de Oxford y Cambridge.

Después de un breve pasaje centrado en el acto de caminar, con huellas en aceras rotas, la banda sonora se convierte en la narración en off de la artista, leyendo su cuento corto No Oxbridge Spires (1989). La película ofrece un viaje a través de complejas capas de (auto)biografía, historia, narración, conexiones familiares y diáspora, situando la experiencia de las mujeres negras dentro de las políticas del lugar y reflexiones sobre la solidaridad de la clase trabajadora. La narración concluye con una frase poderosa:

"Y me hizo preguntarme cómo se pierden las comunidades. No hay torres de Oxbridge para nosotros, ni reliquias antiguas talladas en piedra. Ninguna permanencia."
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Maud Sulter nació en Glasgow, Escocia, Reino Unido (1960–2008), fue una galardonada artista y escritora, historiadora cultural, curadora y galerista de ascendencia ghanesa y escocesa que vivió y trabajó en el Reino Unido.
A lo largo de su carrera y en diversos medios, Maud Sulter interrogó la representación de las mujeres negras en las historias del arte, los medios de comunicación y la fotografía, investigando las complejas experiencias de la diáspora africana en la historia y cultura europeas durante los últimos seiscientos años.

"Esta noción de lo desaparecido, creo, es algo que atraviesa mi trabajo. Me interesa mucho la ausencia y la presencia, especialmente en cómo la experiencia de las mujeres negras y su contribución a la cultura suelen ser tan a menudo borradas y marginadas. Para mí, como individuo y obviamente como artista negra, es importante devolver a las mujeres negras al centro del encuadre: tanto literalmente, dentro de la imagen fotográfica, como dentro de las instituciones culturales donde opera nuestro trabajo."

Entrevista Maud Sulter
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¿Qué te impulsa a trabajar con la imagen en movimiento y cómo comenzaste a interesarte por el medio?

Maud Sulter comenzó a trabajar con la imagen en movimiento a finales de los años 80, inicialmente con una serie de guiones no producidos, como Hysteria 1990, antes de crear varias obras en video, incluyendo No Oxbridge Spires y Plantation (1994), así como And My Father’s House (fecha por confirmar). Continuó escribiendo guiones y fundó la productora Gallus Pictures.

¿Qué te inspiró a crear esta obra?

Maud se inspiró en su historia personal y biografía, explorando una noción ampliada de lo que define una comunidad y una ascendencia. En el caso de Sulter, esta ascendencia ya estaba en riesgo de desaparición, amenazada tanto por el olvido y la reescritura de la historia —que tiende a ignorar y dejar sin documentar las experiencias de las clases trabajadoras y las personas racializadas— como por el avance implacable del urbanismo. En particular, se refería al "rediseño" del área de los Gorbals en Glasgow, donde Sulter y su familia materna crecieron, llevado a cabo por los urbanistas que modificaban el entorno sin considerar su impacto en las comunidades locales.

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Ingrid Bjørnaali, Maria Simmons & Fabian Lanzmaier. Land Bodies, Decomposing Mass, 2023
Tromso Kunstforening, Tromso, Norway

Land Bodies, Decomposing Mass es una colaboración audiovisual entre Ingrid Bjørnaali, Maria Simmons y Fabian Lanzmaier, que se centra en los pantanos y su interpretación a través de diversas tecnologías de grabación y computación 3D. Mediante el uso de la fotogrametría, una tecnología relacionada con el mapeo satelital y el archivo de espacios y monumentos antropocéntricos, el biotopo se interpreta fragmento por fragmento en una interacción íntima y en primer plano. La obra explora específicos pantanos en Finlandia, Noruega y Canadá desde diversas perspectivas, descentralizando la experiencia humana y enfocándose en la idea de los paisajes naturales como fuentes en lugar de recursos.

El texto en la voz en off se basa en investigaciones, mitos y notas de campo sobre encuentros con los pantanos. Está inspirado en textos de Anna Tsing, Karen Barad y Espen Sommer Eide, de los libros Arts of Living on a Damaged Planet y Spectres 1: Composing Listening/Composer L'ecoute. El audio consta de grabaciones de campo editadas de los pantanos físicos, así como sonidos producidos por sintetizadores. El audio fue realizado por Lanzmaier, la voz en off por Simmons, el texto escrito por Simmons y Bjørnaali, la fotogrametría, animación y edición por Bjørnaali, incluyendo algunas imágenes capturadas por Simmons. En el video, el pantano es referido como ‘mire’, en referencia a su nombre noruego ‘myr’.
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Fabian Lanzmaier es músico y artista sonoro residente en Viena. En sus obras, a menudo colaborativas, combina el sonido con otros medios como la performance, elementos escultóricos, luz y video. En sus actuaciones en vivo y composiciones, utiliza la síntesis de audio para explorar aspectos de la textura y estructura del sonido, así como su presencia en el espacio. En su trabajo más reciente, experimenta con la percepción y las ideas de sonidos naturales/artificiales, así como con ambientes fluidos y ambiguos.

Maria Simmons es una artista canadiense simbiótica que investiga entornos potencializados mediante la creación de esculturas híbridas e instalaciones. Su obra abraza la contaminación como un acto de colaboración. Recoge basura, cultiva levadura, fermenta plantas y cuida moscas de la fruta. Crea arte que se come a sí mismo.

Entrevista Maria Simmons & Fabian Lanzmaier    
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¿Qué los motiva a trabajar con imágenes en movimiento y cómo se interesaron por este medio?

IB: A través de un interés por el sonido y las obras basadas en experiencias en vivo, comencé a incursionar en el VJing y a crear trabajos en video. Me gusta cómo el video permite combinar varios tipos de ondas en un solo medio, la manera en que traduce la realidad y la gama de posibilidades dentro del medio.

MS: Personalmente, trabajo con una amplia variedad de medios, pero la imagen en movimiento puede expresar cosas de formas únicas. Me atrae particularmente la duración inherente de la imagen en movimiento, especialmente cuando se trata de trabajos sobre ecosistemas antiguos y de crecimiento lento, como los pantanos. El hecho de tener que permanecer con la obra durante un tiempo tiene mucho sentido de manera física.

FL: La vista es el sentido humano al que a menudo se le denomina el más prominente o el más accesible. Trabajar con imágenes en movimiento es una gran oportunidad para guiar este poderoso sentido. Para mí, viniendo del campo del sonido, solo trabajo con imágenes en movimiento en colaboración. Disfruto del diálogo en el que la imagen y el sonido se influyen mutuamente y cambian la forma en que vemos/escuchamos lo que observamos. En este video, construimos un mundo sonoro alrededor de las imágenes que parece familiar al principio, pero en una segunda escucha empiezas a sentir los elementos hiperreales, lo que lo vuelve más alienante.

¿Qué los inspiró a hacer este trabajo?

IB: Ante todo, los pantanos en los que crecí jugando cada verano en el norte de Noruega, y los mitos y relatos que rodean los pantanos en general, como lugares de encuentros y experiencias mágicas y aterradoras. Fabian y yo nos conocimos en los terrenos empapados de la Noruega occidental, ambos grabando sitios de diferentes maneras a través del sonido y la imagen, y Maria y yo nos conocimos en los pantanos cerca de la ‘Reserva Natural Estricta de Paljakka’ en Finlandia, en la residencia Mustarinda, compartiendo nuestras experiencias del lugar. En esos vastos pantanos finlandeses, pasamos todo el día interactuando con grúas, aves pipas, musgos esfagno y droseras, perdiéndonos, atascándonos, pero también durmiendo sobre pantanos cubiertos de nieve, esperando que todo se derritiera, y nadando en sus pozos de agua cuando llegaba la primavera. En la edición y la animación, me inspiran los videojuegos finlandeses como Sauna 2000 y My Summer Car, los espacios liminales y libros como Volumetric Regimes de Jara Rocha y Femke Snelting++.

MS: Cuando Ingrid y yo trabajábamos en este video, habíamos pasado mucho tiempo juntas en los pantanos de Finlandia, lo cual sirvió como un punto de conexión mutua. Mi padre era geólogo y a menudo tenía que vadear los pantanos espesos o "muskegs", como se les llama en Canadá, y tomar muestras de ellos. Los pantanos activamente expulsan a los humanos haciéndolos difíciles de atravesar. Esta especie de tira y afloja de la tensión del pantano, junto con su profunda presencia mitológica e histórica, sigue atrayéndome a hacer más obras sobre él: estamos buscando re-mistificar el pantano en lugar de simplemente intentar explicarlo.

FL: Fue realmente interesante dar una sonoridad a este paisaje que fue reinterpretado a través de procesos fotogramétricos. Yo no he experimentado estos paisajes/sonidos por mí mismo, por lo que todo el sonido se modeló a través de interpretaciones de notas de campo e historias de Maria e Ingrid. Basado en el estado de ánimo transferido a través de estas notas, se creó el sonido de este nuevo paisaje a partir de grabaciones de audio específicas del lugar, además de sonidos sintetizados, que añaden una capa de abstracción y un cambio de perspectiva.

¿Cómo está presente y se manifiesta la solidaridad en su práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas, experiencias personales vividas que alimentan y enmarcan su manera de pensar y crear?

IB: Participo en un grupo voluntario de mapeo de micólogos y biólogos aficionados dedicados, donde registramos especies en una base de datos oficial; un método para preservar áreas naturales en las que caminamos por el suelo con tecnologías como GPS, lupas, microscopía y nuestros propios sentidos para determinar especies de hongos que crecen en la madera. Este enfoque inspira mi forma de interactuar y grabar los sitios que visito en mi práctica artística, y amplifica la importancia de preservar la biodiversidad. El nivel de protección de la naturaleza que encontramos en la Reserva de Paljakka, donde ni siquiera se permite la entrada de los humanos, fue verdaderamente inspirador, haciendo que el sitio natural fuera monumental de alguna manera. Muchos tipos de pantanos están en peligro y creo que este nivel de protección debería practicarse en más lugares.

MS: Mi enfoque de la solidaridad se basa en identificar fenómenos naturales que puedan servir como un marco para comprender nuestras relaciones con los humanos y los más que humanos dentro del contexto de nuestra crisis ambiental actual. Hemos entrado en una época en la que los cambios ecológicos ocurren a una escala incomprensible. Debido a esto, necesitamos encontrar nuevas formas de pensar sobre el ambientalismo y nuestro papel dentro del extractivismo. En el libro The Extractive Zone de Mararena Gómez-Barris, se habla de la interconexión de la explotación social y ecológica. La destrucción de los pantanos tiene consecuencias ambientales significativas, como la destrucción del hábitat, la contaminación del agua y la liberación de carbono, lo que afecta desproporcionadamente a las comunidades marginalizadas. La solidaridad con los pantanos es también solidaridad con aquellos más afectados por el cambio ambiental.

FL: Al hacer este video, hemos utilizado diferentes escalas y perspectivas, en un intento de descentralizar la experiencia humana. Este cambio ayuda a relacionarse con las especies no humanas a un nivel sensorial. Sentir una conexión fuera de uno mismo es uno de los requisitos básicos para la solidaridad. Como extensión de esto en la vida cotidiana, gran parte de mi práctica se basa en procesos colaborativos y redes que se mantienen principalmente a través de formas de solidaridad comunitaria, como la ayuda mutua.

¿En qué están trabajando en este momento?

IB: Recientemente he estado buscando otros tipos de terrenos y sitios excepcionales, más tóxicos y hostiles, pero que crean sus propios hábitats y ecosistemas especializados. En este momento estoy editando varias grabaciones de esos sitios para convertirlas en instalaciones de video y obras escultóricas. Me intriga la noción de interrupciones/perturbaciones naturales, y en el proceso me estoy enfocando en colaboraciones entre microorganismos y procesos macroscópicos de y dentro de la Tierra. Juntos, también estamos trabajando en una exhibición más extensa del trabajo LBDM, que incluirá esculturas, nuevas obras de video, sonidos y material impreso.

MS: Además de continuar con nuestro trabajo en LBDM, estoy comenzando mi investigación doctoral sobre una región específica de pantano en el norte de Ontario llamada el Círculo de Fuego. El Círculo de Fuego es una zona controvertida en la que se disputa ampliamente la existencia de grandes depósitos minerales. Desde que se identificaron los depósitos potenciales en 2007, la zona ha estado bajo amenaza constante de explotación minera. El resultado de esto desencadenaría una gran liberación de carbono y la destrucción de este ecosistema crítico. Mi próxima investigación artística será una inmersión profunda en la relación entre la extracción, la queeridad, el misterio subterráneo y el anticapitalismo ecológico dentro de las ecologías de los pantanos.

FL: Estoy trabajando en otra colaboración: una instalación sonora al aire libre ubicada en un prado, rodeado por un bosque y estanques. Los sonidos que producirá están pensados para fusionarse con el paisaje sonoro circundante y mimetizar a sus habitantes. Los sonidos se crean en tiempo real mediante sintetizadores y componentes fotosensibles dentro de los circuitos. Dependiendo de las situaciones de luz y del día, el sonido de la instalación cambiará, creando una composición que no se repite y que está influenciada por los ciclos diarios y estacionales durante un período de 3 meses.

¿Qué significa para ustedes una plataforma internacional democrática como AFI, como artistas?

IBMSFL: Estar conectados y mostrar nuestro trabajo junto a una red internacional tan profesional y amplia de artistas de video significa mucho para nosotros. Es una oportunidad para ver obras de otras personas que han estado pensando sobre temas y temáticas similares, y abre nuevas perspectivas para uno mismo. Perspectivas de personas en diferentes partes del mundo, viviendo en circunstancias diferentes. De alguna manera, también siente como si los pantanos con los que hemos pasado tiempo hubieran encontrado una forma de viajar por sí mismos, mediando sus historias aún más.

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Pınar Öğrenci. Inventory 2021, 2021
Neuer Berliner Kunstverein (n.b.k.), Berlin, Alemania

Inventory 2021 es una reconfiguración de la película original Inventur – Metzstraße 11 (1975) del director yugoslavo elimir ilnik. En la década de 1970, la represión por parte del gobierno yugoslavo llevó a ilnik al exilio en Alemania Occidental, donde enfocó su mirada en las condiciones de vida de los llamados "trabajadores invitados". De manera similar, la artista y cineasta Pınar Öğrenci tuvo que emigrar a Alemania en 2018 debido a las represiones del régimen actual en Turquía. Para ambos, ilnik y Öğrenci, las escaleras de un edificio con varios apartamentos son un espacio colectivo donde los inquilinos se encuentran.

Mientras que ilnik filmó a los residentes de una casa en Múnich, el trabajo de Öğrenci se sitúa en Chemnitz y retrata las luchas antirracistas de las personas que viven allí. En la película original, donde la mayoría de los entrevistados habían llegado bajo los "acuerdos de reclutamiento" de Alemania Occidental como "invitados", se los ve descendiendo por las escaleras. La versión de Öğrenci muestra a los protagonistas subiendo, yendo a sus apartamentos. Así, Öğrenci presenta Chemnitz no como un hogar temporal para los migrantes, sino como un espacio permanente. En la película, los protagonistas hablan sobre sus historias de vida, sus conexiones con la región, su compromiso contra el racismo, así como sobre la experiencia cotidiana de la discriminación, tanto en sus formas estructurales como individuales.
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La artista y cineasta Pınar Öğrenci (1973, Van, Turquía) vive en Berlín. A través de diversos medios, como la fotografía, el video, el cine, la performance y la instalación, explora temas como la migración, la guerra, la violencia estatal, la asimilación, los movimientos colectivos y los desastres naturales.

Sus obras se han exhibido ampliamente en museos e instituciones de arte, incluyendo la 60ª Bienal de Venecia (2024), documenta quince (2022) en Kassel, la Berlinische Galerie (2023), la 12ª Bienal de Gwangju (2018), la 6ª Bienal de Atenas (2018), la Bienal de Sharjah 13 (2017), Survival Kit (2019), Tensta Konsthall en Estocolmo (2018), el Württembergischer Kunstverein (WKV) en Stuttgart (2017), el Museo MAXXI en Roma (2016) y SALT Galata en Estambul (2015-16). Su primera exposición individual en el extranjero se realizó en el Kunst Haus-Hundertwasser Museum de Viena, con el título "A Gentle Breeze Passed Over Us" en 2017.

Entrevista Pınar Öğrenci
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¿Qué te impulsa a trabajar con imagen en movimiento y cómo te interesaste por este medio?

Debo decir que soy narradora. Me gustan las potencialidades comunicativas, performativas, activistas, pero también poéticas, que ofrece el uso de la imagen en movimiento como herramienta para contar historias. Quise hacer cine desde la primera vez que vi una película en la gran pantalla en el cine de Estambul, cuando tenía 17 años. Me sorprendió mucho, y desde entonces he querido ser cineasta.

¿Qué te inspiró a hacer este trabajo?

Me inspiré en el Inventario original dirigido por el cineasta yugoslavo elimir ilnik en 1975. Después de ver y leer sobre su película, tuve la idea de rehacerla con las comunidades migrantes de hoy en día, usando las escaleras como un escenario para discutir la ciudad, la migración y el racismo.

¿Cómo está presente y se lleva a cabo la solidaridad en tu práctica artística? ¿Hay libros, obras de arte, redes colaborativas o experiencias vividas personales que influyan en tu forma de pensar y de crear?

La solidaridad es una parte muy importante de mi práctica artística. Casi todas mis obras comienzan con la idea de solidaridad con migrantes, refugiados, mujeres, trabajadores, manifestantes, estudiantes, etc., es decir, personas que enfrentan la violencia estatal, la guerra y la opresión, y que luchan contra ello. También me interesa cómo las prácticas de solidaridad moldean las comunidades y sus luchas. Por otro lado, vengo de un trasfondo en arquitectura y restauración. La restauración, en sí misma, es un atributo hacia el logro de otra persona. Siempre hay libros, poemas, canciones y experiencias vividas que me inspiran. Por eso he colaborado con muchos investigadores, escritores, músicos, poetas y otras personas para mis proyectos.

¿En qué estás trabajando en este momento?

Acabo de terminar mi nueva película, Glück auf in Deutschland (Buena suerte en Alemania), que habla sobre la industria minera, la migración y el racismo en la región del Ruhr en Alemania. Ahora estoy escribiendo el guion de mi nueva película, que explora la relación entre la crisis ecológica y la violencia en mi ciudad natal, Van, y su entorno.

¿Qué significa para ti, como artista, una plataforma internacional democrática como AFI?

Plataformas como AFI reúnen a muchos artistas y crean redes alternativas fuera del sistema artístico dominante. Lo mejor de todo es ser representada en diferentes ciudades e instituciones dentro del mismo marco.