R.I.P. Germain. Everything’s For Sale & Everyone’s Welcome To Buy, 2023
La película recién encargada de R.I.P. Germain, Everything’s For Sale & Everyone’s Welcome To Buy, toma muestras de la profunda investigación que sustenta su exposición "Jesus Died For Us, We Will Die For Dudus!" (ICA London, 21 de febrero - 14 de mayo de 2023), cortando como un extractor de muestras de suelo en las capas sedimentarias que informaron la muestra. Everything’s For Sale & Everyone’s Welcome To Buy fue encargado por Forma para Artist Film International 2023 de la Whitechapel Gallery.
Everything’s For Sale & Everyone’s Welcome To Buy toma muestras de la profunda investigación que sustenta "Jesus Died For Us, We Will Die For Dudus!" (ICA London, 21 de febrero - 14 de mayo de 2023), cortando como un extractor de muestras de suelo en las capas sedimentarias que informaron la muestra. R.I.P. Germain es un ávido coleccionista de material cultural, archivando lo icónico y lo marginal de la cultura negra y mucho de lo que hay en medio, permitiendo que estas ideas se mezclen y se superpongan, generando resonancias exegéticas que informan su toma de decisiones sin necesariamente ser inmediatamente recuperables para el espectador. Aquí obtenemos una pequeña porción del pastel, cada clip es una fachada falsa y el espectador puede hacer múltiples conjeturas sobre cómo se relacionan, ahí radica el desafío. Everything’s For Sale & Everyone’s Welcome To Buy fue encargado por Forma para Artist Film International 2023 de la Whitechapel Gallery.
La práctica de R.I.P. Germain se mueve entre los significados dobles, las resonancias profundas y la tensión entre la accesibilidad y la ocultación. Tramposo y guía, intenta bailar en una línea fina: crear obras que hablen de verdades profundas sin banalizarlas con explicaciones ni simplificarlas para su fácil consumo. Impregnado de capas densas de significado cultural y referencia, la extensa investigación que sustenta el trabajo de R.I.P. Germain se nutre de múltiples géneros de experiencia, historia y cultura negra, tanto personal como colectiva, buscando hacer arte que sea riguroso en cuanto a sus compromisos y posibilidades como artista negro.
R.I.P. Germain ha exhibido internacionalmente, y sus exhibiciones recientes incluyen; Jesus Died For Us, We Will Die For Dudus!, una exposición individual en ICA, Londres; Cubitt 30, una muestra grupal presentada por Cubitt en Victoria Miro en Londres, Reino Unido; The Exhibition Formerly Known As "Trace Image" en Deborah Schamoni, Múnich, Alemania; Shimmer, una exposición individual en Two Queens en Leicester, Reino Unido; Four Bedrooms With An En Suite, A Garage & Garden In A Nice Neighbourhood, una exposición individual en V.O Curations en Londres, Reino Unido; Supastore Southside, Slingbacks & Sunshine, una muestra grupal organizada por Sarah Staton en South London Gallery; Ways of Living #2, una muestra grupal presentada por Arcadia Missa en NICO en Bari, Italia; Dead Yard, una exposición individual en Cubitt en Londres, Reino Unido; Double 6 con Ashley Holmes en la antigua sala de audiencias de Leeds Town Hall en Leeds, Reino Unido; y Gidi Up, una exposición individual en Peak en Londres, Reino Unido. R.I.P. Germain también fue el ganador del premio ICA Image Behaviour 2021, que culminó en el estreno de su primer cortometraje en el ICA en 2022. Ph: Joshua Osbourne
Entrevista a R.I.P. Germain
De los barrios. Me interesé por el trabajo de imagen en movimiento una vez que me di cuenta de que podría ser una forma efectiva de transmitir mis puntos de vista. Armand Hammer - Chicharrones. Este es uno de muchos. Mucho jaleo... pero, además, y lo más importante, encontrar tiempo para pasar con mi hija pequeña y disfrutar de ser un nuevo padre.
Damir Avdagić, Prolazi izmedju 1980–2021 [Passages between 1980–2021], 2021
En "Prolazi izmedju 1980-2021 (Pasajes entre 1980-2021)," cinco jóvenes bosnios/noruegos realizan testimonios sobre el conflicto en la antigua Yugoslavia y participan en conversaciones sobre afiliación nacional, social y política.
En "Prolazi izmedju 1980-2021 (Pasajes entre 1980-2021)," Avdagić trabaja con cinco adultos bosnios/noruegos que llegaron a Noruega como refugiados infantiles a principios de los años 90 durante el conflicto en la antigua Yugoslavia. Juntos, el grupo realiza testimonios recopilados de miembros de la generación de sus padres y abuelos. Los testimonios trazan el desarrollo del conflicto en la antigua Yugoslavia en el período entre 1980 y 1995. Entre las lecturas, los participantes interrumpen sus roles, cambian de idioma y participan en conversaciones en las que discuten sus experiencias en torno a la afiliación nacional, social y política.
Damir Avdagic nació en 1987 en Banja Luka, BiH. Su práctica explora temas de memoria histórica e identidad a través del texto, la actuación y el video. El conflicto en la antigua Yugoslavia (1991-1995) forma parte central de la historia familiar de Avdagic, y utiliza este evento como punto de entrada para abordar temas como los sistemas políticos cambiantes, la migración y la relación entre generaciones. El trabajo de Avdagic ha sido exhibido en el 18th Street Art Center, Santa Mónica, la Bienal de Escultura de Changwon, Changwon, Corea del Sur, Kunsthall Charlottenborg, Copenhague, Dinamarca, y Kristiansand Kunsthall, Kristiansand, Noruega, entre otros.
Entrevista a Damir Avdagic
Nací en Banja Luka, BiH, en 1987, pero llegué a Noruega en 1993 como refugiado durante el conflicto de los años 90. Estoy basado en Oslo, Noruega. Mis películas documentan escenarios en los que miembros de la diáspora yugoslava realizan testimonios relacionados con la historia que comparten y reaccionan ante ella al interactuar entre ellos y con el contenido que interpretan. La mayoría del material hablado en mi obra no está guionizado, sino que surge como consecuencia de la interpretación, y he encontrado que la imagen en movimiento es el medio perfecto para capturar estas reacciones sintomáticas. Mi práctica interroga un tema principal, y cada obra lo examina desde un ángulo diferente. "Pasajes entre 1980-2021" es una continuación de esto y se centra en nociones de identidad nacional. En las conversaciones que tuvieron lugar durante la filmación de la pieza, me intrigó cómo el grupo describía su relación con varios marcadores de identidad como mucho más fluidos de lo que se puede reconocer en los testimonios que el grupo interpreta. Para mí, hay un elemento subversivo en esto cuando se ve en el contexto del clima político actual, y elegí editar la pieza en torno a estas preguntas. Actualmente estoy desarrollando un nuevo proyecto para una exposición individual en la Sociedad de Jóvenes Artistas en Oslo, Noruega, en el que trabajo con parejas compuestas por madres y sus hijos (ahora adultos), todos los cuales llegaron a Noruega a principios de los años 90 desde la antigua Yugoslavia. La obra será una pieza de video y actuación en la que las historias serán narradas por la madre en bosnio y traducidas al noruego simultáneamente por el hijo. El proyecto marca un cambio en mi práctica al involucrarme más directamente con la actuación en vivo como forma artística.
Jesse Chun, O dust, 2022–23
O dust desentierra poéticas íntimas y diaspóricas sobre el lenguaje, la herencia y lo intangible, al descentralizar la traducción y la historiografía eurocéntrica de la herencia cultural.
O dust desentierra poéticas íntimas y diaspóricas sobre el lenguaje, la herencia y lo intangible, al descentralizar la traducción y la historiografía eurocéntrica de la herencia cultural. Filmada en la sede de la UNESCO en París (FR), O dust observa a través del aparato institucional del discurso, como las cabinas de intérpretes, las máquinas, los micrófonos, las salas de conferencias vacías y los archivos del Patrimonio Cultural Inmaterial. La película no lineal oscila entre la poesía de la imagen en movimiento, un folclore multilingüe imaginario y una carta abstracta a la difunta abuela de Chun: habla a través de capas de rupturas sonoras, lingüísticas y visuales que evaden la narrativa burocrática. O dust convoca lo efímero y lo intraducible, para recordar lo que se lleva a través de lenguas, lugares y el tiempo.
Jesse Chun (nacido en 1984, Seúl, Corea del Sur) es un artista con sede en Nueva York y Seúl. Las obras de Chun, que incluyen cortometrajes, poemas de imágenes en movimiento, dibujos e instalaciones, abordan temas de lenguaje, traducción e historiografía. Chun ha exhibido internacionalmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto (Canadá); el Centro de Arte Nam June Paik (Corea del Sur); SculptureCenter, Nueva York; el Drawing Center, Nueva York; el Queens Museum, NY; Ballroom Marfa, TX, entre otros. Chun es receptor de la Beca de Pintores y Escultores de la Fundación Joan Mitchell (EE. UU.; 2020). Sus obras se encuentran en colecciones públicas selectas, como la Biblioteca del Museo de Arte Moderno (NY); el Instituto Smithsonian (DC); la Biblioteca del Museo Metropolitano de Arte (NY); y KADIST (FR/US).
Entrevista a Jesse Chun
¿De dónde eres y cómo te interesaste por el trabajo de imagen en movimiento? ¿Qué te inspiró/influyó para hacer esta obra? ¿En qué estás trabajando en este momento?
Actualmente, estoy basado entre Nueva York y Seúl. Podrías decir que soy de esos lugares, así como de Hong Kong (donde también crecí). Me interesé en trabajar con la imagen en movimiento debido a su intimidad, intangibilidad y fluidez, especialmente la imagen en movimiento proyectada en relación con el espacio circundante. También me atrajo el proceso diarístico de filmar con mi teléfono; no necesito estar "equipado" para crear, siempre puedo hacerlo en cualquier momento, solo. Me encanta la forma en que la imagen en movimiento activa muchas formas de hablar, escuchar, dibujar, escribir y borrar. Me interesa su potencial narrativo y no narrativo, y cómo cobra vida cuando se instala en un espacio, eso es otra capa de vida que atraviesa después del proceso de edición.
Siempre he tenido una pregunta existencial hacia la historiografía y las narrativas burocráticas que tienen la autoridad para definir el "mundo". Gran parte de mi trabajo proviene del deseo de liberar el lenguaje de estas estructuras de poder y narrativas, y encontrar poéticas/ significados alternativos. También me ha interesado mucho lo intangible; siempre me pareció absurdo que la UNESCO tenga un archivo de "patrimonio cultural inmaterial", ¿cómo institucionalizas algo intangible, como la herencia y la memoria? En 2022, estuve en una beca en París y aproveché la oportunidad para ponerme en contacto con la sede de la UNESCO allí, con sus archiveros y traductores. Me interesaron especialmente sus políticas de traducción; todo el mundo tiene que traducirse a sí mismo solo en inglés o francés para ser considerado para el patrimonio cultural inmaterial. Esto me hizo preguntarme, ¿para quién es esta traducción? Esto llevó a algunas conversaciones interesantes con los traductores de la ONU; uno de ellos, Clarisse Edelmann de la Unidad Francesa, fue lo suficientemente curiosa y generosa como para narrar la película conmigo, para pensar juntos en estas preguntas. Extrañamente, mientras pasaba por el proceso de investigación/filmación, no podía dejar de pensar en mi difunta abuela, que fue una bailarina folclórica coreana tardía y que tuvo que abandonar su arte y convertirse en monja budista hasta el día de su fallecimiento. Mi familia me dice que fue la primera mujer en actuar en un teatro público en Corea. Nunca fue historicizada. Ni siquiera su nombre estaba documentado en nuestros registros familiares debido a una complicada historia familiar y al patriarcado. Esta película terminó siendo una carta abstracta para ella. Cuando pienso en la herencia, el patrimonio cultural y otros intangibles valiosos de la vida, quiero recordarla y reconocerla. Incluso después de su fallecimiento, ella sigue comunicándose conmigo sobre la vida, el significado y la impermanencia.
Estoy trabajando en una exposición individual que tendrá lugar este otoño en el Museo de Historia de Seúl para la 12ª Bienal de Mediacity de Seúl, comisariada por Rachael Rakes y presentada por el Museo de Arte de Seúl. O dust también estrenará su instalación completa allí. Significa mucho mostrar esta obra en Corea del Sur, donde ahora reside mi familia nuevamente. Gran parte de mi trabajo reflexiona sobre las condiciones diaspóricas del lenguaje, y a menudo me inspira el folklore y las canciones coreanas; presentar mi primera exposición retrospectiva en Seúl se siente realmente conmovedor e importante para mí en este momento.
Michelle Deignan, Looking for Gary, 2018
La artista y cineasta irlandesa Michelle Deignan lleva a un equipo de filmación a Essex Road (el antiguo territorio del actor y músico Gary Kemp) en Islington, Londres, en busca de un nuevo Gary para reemplazarlo.
Michelle Deignan escuchó por primera vez sobre Islington en Londres mientras estaba sentada en su sala de estar una noche en 1980, cuando los "Spandau Ballet" de los nuevos románticos británicos fueron presentados en el programa "Top of the Pops" de la BBC como "cinco chicos jóvenes de Islington que están causando sensación en la industria musical". Desde entonces, fusionó el romanticismo nuevo de Islington y Spandau Ballet en un solo recuerdo. Treinta y ocho años después, viviendo cerca, Deignan lleva a un equipo de filmación a Essex Road en Islington, el bullicioso pasaje por el que creció Gary Kemp, el compositor de Spandau Ballet. Juntos buscan a un nuevo Gary que reemplace al antiguo.
Michelle Deignan (nacida en Dublín, 1970) es una artista y cineasta con sede en Londres. Crea obras de imágenes en movimiento, fotografía e impresión, para contextos de exhibición y proyección. Estas obras examinan críticamente la producción y difusión de la cultura tanto en la actualidad como en la historia.
Exposiciones recientes incluyen: True North, Galería Fermay, Palma de Mallorca, ES (2023); BIENALSUR, Montevideo, UY y Córdoba, AR (2022); Halvad Ideed (Malas Ideas) Tallinna Kunstihoone, Tallinn, EE (2022); Rencontres Internationale Paris/Berlín, Museo del Louvre, FR (2021). Michelle contribuye a The Crown Letter, un proyecto artístico internacional de mujeres autoorganizado, publicando respuestas semanales de artistas al aquí, entonces y ahora. www.crownproject.art
Soy de la periferia de North Dublin, Irlanda, y he estado creando obras de imágenes en movimiento desde mediados de la década de 1990. Siempre me atrajo el cine y ver el trabajo de Jaki Irvine fue un punto de inflexión para mí.
En 2018, la Galería Tintype de Londres me encargó hacer una película sobre Essex Road. La galería estaba particularmente interesada en que produjera una obra que presentara a las personas que vivían allí. Dado que había estado viviendo cerca durante muchos años, me pareció adecuado incluirme a mí misma y mis asociaciones con ese lugar. Después de descubrir que Gary Kemp creció allí, supe que quería incluir esta conexión de la infancia que tenía, que mezclaba Islington con los Nuevos Románticos.
Actualmente estoy trabajando en una obra de imágenes en movimiento de 25-30 minutos que indaga en la historia de las perspectivas europeas sobre el paisaje. Está ambientada en 1837, un año en el que el Reino Unido tenía dominio político sobre toda la isla de Irlanda y el Reino de Hannover. Sigue a una mujer y aspirante a escritora de viajes mientras prueba su oficio visitando territorios en Alemania e Irlanda. Lo que descubre son formas alternativas de percibir el paisaje más allá de las ideologías de poder. La película será la pieza central de mi exposición individual en Tromso Kunstforening, Noruega, en enero de 2024.
Dejan Kaludjerović, House-They-Europe, three songs from the opera performance I Don’t Know That Word …Yet, 2022
Dejan Kaludjerović nació en Belgrado, Yugoslavia. Estudió en la Academia de Artes Aplicadas de Viena en la clase de Erwin Wurm y obtuvo una Maestría en Artes Visuales en la Academia de Bellas Artes de Belgrado en 2004. Por sus logros en las artes visuales, Kaludjerović recibió en 2010 la ciudadanía honoraria austriaca.
En 2017, Kaludjerović cofundó la organización artística y cultural con sede en Viena llamada Verein K. El trabajo de Kaludjerović forma parte de muchas colecciones privadas y públicas, entre otras: MUSA, WIEN MUSUEM, colección KONTAKT, colección STRABAG y la colección de la Artothek des Bundes en Viena y el Museo de Arte Moderno de Salzburgo; Museo de Arte Contemporáneo de Belgrado, Colección del Salón de Octubre y Museo de la Ciudad de Belgrado; APT Berlín; Yarat - Centro de Arte Contemporáneo, Bakú; Museo Nacional de la República de Osetia del Norte-Alania, Vladikavkaz, etc.
Entrevista a Dejan Kaludjerović
Nací en Belgrado, Yugoslavia. Después de terminar la Academia de Bellas Artes en Belgrado, me mudé a Viena, Austria, donde todavía resido. Estudié pintura en la Academia, y mi interés por las imágenes en movimiento comenzó cuando utilicé el medio de video como una extensión de las pinturas creadas para mi exposición individual de maestría titulada "Bite a Carrot, Bunny! - Keine Angst vor kleinen Tieren" en 2004. Desde entonces, las imágenes en movimiento se han convertido en una parte importante de mi práctica, junto con la pintura, el dibujo, la instalación, el sonido y la actuación. He estado trabajando en el proyecto Conversations desde 2013, cuando se produjo la primera obra de la serie en Vladikavkaz. La serie se basa en la cooperación con las instituciones que me invitaron a exhibir mis obras, así como en la investigación y las entrevistas con niños de 7 a 10 años, procedentes de contextos socioeconómicos y culturales tan diversos como sea posible en la ciudad/comunidad en la que se produjo cada obra. Hablé con los niños sobre sus sueños, miedos, dinero, guerra, chicos, chicas, política, religión, libertad, pero también sobre estadounidenses, europeos, rusos, gitanos, árabes, inteligencia artificial y otros temas importantes relacionados con la sociedad en la que vivían. La edad de los niños entrevistados es muy importante, ya que este es el período en el que los niños aún no están individualizados y aún no son propensos a la "auto-censura", sino que hablan libremente. Sus respuestas sirven como una prueba de fuego de su sociedad de origen. Basado en el material de sonido grabado, edité instalaciones de sonido multicanal, llamadas actuaciones invisibles, para ser reproducidas en las galerías/museos donde se exhibieron las obras, siempre yuxtapuestas con la "puesta en escena", es decir, los objetos que produje utilizando el lenguaje de los juegos y juguetes infantiles, sugiriendo así una perspectiva sobre la sociedad en la que se hizo una obra en particular. Aparte de Vladikavkaz, hice las Conversations en Belgrado, Bakú, Teherán, Viena, Jerusalén y Liubliana, así como en Dnipro, Ucrania, un mes antes de que comenzara la guerra, para mi exposición individual que se pospuso por razones obvias. Poco después de que se produjeran las obras iniciales de esta serie, me di cuenta de que el material de las conversaciones con los niños que recopilé, es decir, sus declaraciones, era muy rico y que definitivamente quería hacer una ópera basada en ellas. Mientras trabajaba en la ópera-performance en Graz, también me incliné hacia un formato visual adecuado para un contexto de galería. Por lo tanto, organicé la grabación de la actuación con múltiples cámaras fijas, dos steadicams y un dron. La idea era crear un collage de video tridimensional. Era importante para mí traducir la actuación de ópera al lenguaje digital, señalando a las generaciones de niños a los que había entrevistado, nacidos y criados en el mundo digital. La ópera-performance "I Don't Know That Word... Yet" fue encargada por el festival Steirischer Herbst 21 en Graz y realizada en colaboración con la compositora Marija Balubdić, la libretista Tanja Šljivar y el director de teatro Bojan Đorđev. En esta ocasión, saqué tres canciones de la ópera "I Don't Know That Word... Yet" - "House - They - Europe", ya que corresponden más al tema de la Diáspora. Actualmente estoy trabajando en una obra de video titulada "LES ENFANTS", basada en la investigación y entrevistas con diez niños de Dnipro, Ucrania, realizada un mes antes de que comenzara la guerra. El material de video utilizado fue filmado allí con mi iPhone, con material adicional filmado de forma remota por un cineasta que vive allí. Además, estoy terminando el segundo cuadro de la serie "Conversations"; estoy colaborando con un niño incorporando sus dibujos sobre el tema de género. Simultáneamente, estoy trabajando en las próximas ediciones de mi proyecto Conversations - instalaciones de sonido y video multicanal para las dos próximas exposiciones individuales en 2024, en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Rijeka y en el Museo de Bellas Artes de Split, Croacia. Además, colaboro con la directora de teatro con sede en Estocolmo, Anja Suša, en nuestra investigación para el próximo proyecto sobre la instrumentalización de la infancia con fines ideológicos.
Mochu, GROTESKKBASILISKK! MINERAL MIXTAPE, 2022
¡GROTESKKBASILISKK! MINERAL MIXTAPE examina subculturas en línea basadas en una aceleración tecnológica rápida y nostalgia imperial, y sus extrañas afinidades con ideas antirracionalistas en la esfera pública.
¡GROTESKKBASILISKK! MINERAL MIXTAPE indexa un lugar anómalo de choque filosófico donde las subculturas en línea, las ruinas ciberpunk y la nostalgia imperial se organizan en una historia prismática llena de errores de memoria, desconocimientos y fantasías tecno-utópicas. A través de una corrupción de comerciales de bienes raíces en 3D, sonidos de Bollywood, cómics mitológicos, etc., el video examina la extraña complicidad histórica entre las ficciones tecnológicas y las ideas antirracionalistas en Internet.
Mochu (nacido en India en 1983) trabaja con video y texto organizados como instalaciones, conferencias y publicaciones. Las ficciones tecno-científicas tienen un lugar destacado en su práctica, a menudo se superponen con instancias o figuras extraídas de la historia del arte y la filosofía. Sus proyectos recientes han explorado la nostalgia ciberpunk, el horror corporativo, las geologías locas, las subculturas psicodélicas y la pintura modernista india. Es autor de los libros "Bezoar Delinqxenz" (Edith-Russ-Haus / Sternberg Press, 2023) y "Nervous Fossils: Syndromes of the Synthetic Nether" (Reliable Copy / KNMA, 2022). Sus obras han sido exhibidas en varias galerías y bienales de arte en todo el mundo.
Entrevista a Mochu
Vivo en Delhi e Istanbul. El interés por las imágenes en movimiento va en paralelo con mi interés por la literatura y la filosofía, y mis obras no están demasiado comprometidas con un solo medio, a veces toman la forma de libros, dibujos o lecturas-performance. Las imágenes en movimiento ayudan a combinar estas formas diversas y a chocar sensaciones asimétricas entre ideas, imágenes, sonidos y tiempo.
El video comenzó con la sensación de que está surgiendo una nueva experiencia del tiempo histórico y la futuridad a partir de las subculturas en Internet y la transnacionalidad peculiar que representan.
Ahora estoy trabajando en un ensayo video especulativo histórico ambientado alrededor del Mar Egeo, que intenta comprender un enfoque radical de la economía política que surgió junto con el nacimiento de la filosofía en la antigua Ionia.
Nicola Pellegrini and Ottonella Mocellin, The wall between us, 2021
Esta película documenta un viaje visionario en el que un barco navega por la ciudad, circunnavegando el perímetro de lo que antes era Berlín Occidental, mapeando así la huella del Muro de Berlín.
Viajando en un pequeño barco, nuestra familia pasa un día íntimo en el espacio público, navegando por el tráfico de la ciudad en busca de un lugar imaginario en el que las historias y vidas de aquellos que fueron divididos por la historia pudieran encontrarse idealmente. Navegamos junto al espectro del muro como un acto de reparación poética y, en las muchas interconexiones y reverberaciones entre hechos personales, políticos e históricos, concebimos el video como una carta a las madres biológicas de nuestros hijos. El deseo de encontrar un lenguaje compartido se manifiesta en forma de un alfabeto doble que aparece a lo largo de la película, dando un ritmo adicional a la narrativa.
Ottonella Mocellin y Nicola Pellegrini, nacidos en Milán en 1966 y 1962, viven en Berlín. En 2002 estuvieron en residencia en PS1, Nueva York. Su trabajo ha sido mostrado en galerías y museos, entre los que se encuentran las bienales de Turín, Brescia, Valencia, Tel Aviv y Tirana; Manifesta 12 Palermo; Galería Nacional de Eslovaquia, Bratislava; MUAR, Moscú; PS1, Nueva York; Atelier D’Artistes, Marsella; SMART, Ámsterdam; Kunst Haus, Dresde; Participant Ink Nueva York; White Columns Nueva York; Museo de la Universidad Americana, Washington DC; FFFrankfurt; Fundación la Marrana Monte Marcello; MA*GA Gallarate, Villa Romana, Florencia; CCC Strozzina, Florencia; GAM, Bolonia; GAM, Turín; MART, Trento y Rovereto; PAC, Milán; PAN, Nápoles; Galería Cívica, Trento; MAMBo, Bolonia; Fundación Merz, Turín; Trienal, Milán; Fundación del Monte Bolonia. En 2020 ganaron la 8ª edición de Italian Council. Están representados por Galleria Lia Rumma, Milán.
Entrevista a Nicola Pellegrini and Ottonella Mocellin
Somos de Italia y nuestros hijos son de Vietnam; vivimos en Berlín. Hemos estado trabajando con video y cine durante mucho tiempo. Nuestro trabajo suele ser narrativo y el video nos brinda la posibilidad de trabajar, además de con imágenes en movimiento, con nuestras voces. La película surge de una reflexión sobre el legado de la Guerra Fría en las comunidades de la diáspora asiática, y vietnamitas en particular, en Occidente, al tiempo que cuestiona nuestra relación personal con la historia de esta comunidad. La comunidad vietnamita de Berlín, formada por dos grupos de personas que llegaron de un país dividido a otro país dividido, es especialmente simbólica de este legado. El espectro del Muro de Berlín y la relación ambivalente del estado alemán hacia los migrantes vietnamitas infiltran muchos aspectos de la ciudad. Meditando sobre la delicada frontera entre la explotación cultural y el reconocimiento cultural, queríamos problematizar nuestra posición como padres adoptivos italianos con hijos nacidos en Vietnam. Explorando la intersección entre la pertenencia, el parentesco, la historia, la memoria y la política de identidad, así como el enredo entre nosotros, nuestros hijos y los diferentes movimientos de memoria que habitan la ciudad en la que vivimos. La película también documenta una actuación en el espacio urbano que, habitando el espacio entre la biografía y la autobiografía, observa las estructuras sociales a través de la lente de nuestra constelación familiar. Estamos recontextualizando un antiguo proyecto sobre la compleja relación entre Italia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. Esta instalación de video basada en un intercambio de cartas entre el abuelo de Ottonella, que fue deportado en Alemania, y su abuela, que lo esperaba en Italia.
Sashko Protyah (Freefilmers collective), My Favourite Job, 2022
En la primavera de 2022, la ciudad ucraniana de Mariupol fue cercada por tropas rusas. Utilizaban armas de destrucción masiva contra la población civil a diario. A mediados de marzo, los voluntarios comenzaron a evacuar a las personas de Mariupol hacia Zaporizhzhia. Se reunían después de cada viaje para intercambiar información, apoyarse mutuamente y hablar sobre sus experiencias traumáticas.
"Mi Trabajo Favorito" es una película experimental que documenta las prácticas de un grupo de voluntarios que evacuaron a personas de Mariupol en la primavera de 2022, cuando la ciudad estaba rodeada por tropas rusas y los objetivos civiles eran bombardeados de manera intensa a diario. Se reúnen después de cada viaje para compartir información, apoyarse mutuamente y hablar sobre sus experiencias traumáticas. La película incluye imágenes de videos de teléfonos móviles de los voluntarios, el archivo personal del cineasta y modelos de animación: imágenes que evidencian ex negativo la prohibición influenciada por la guerra de la circulación de imágenes de Mariupol. Cualquier documentación se realiza bajo un peligro extremo de ser asesinado por parte del ejército de ocupación, ya que la mencionada foto o video puede contener evidencia de crímenes de guerra. Los videos en primera persona sin clasificación de destrucciones masivas que aparecen al principio de la película fueron grabados y sacados de Mariupol por los operadores bajo su propio riesgo.
Sashko Protyah es un director de cine y activista de Mariupol, Ucrania. Es co-fundador de Freefilmers, un colectivo de artistas y cineastas. En sus películas, trabaja con temas de memoria, otredad y alienación. Actualmente, Sashko reside en Zaporizhzhia y es voluntario en la ayuda a personas desplazadas y en el ejército ucraniano.
Liv Schulman, A somatic play (Aduaneras), 2019
En la Ciudad de México actual, las fronteras ya no ocurren en un solo lugar y están dispersas por todas partes, creando grietas en el tejido social y comercial de la ciudad. Un grupo de seis agentes de aduanas, todos interpretados por la misma actriz, se coloca en estas fronteras invisibles regulando los flujos de ansiedad, erotismo, idiomas, comercio formal e informal.
En esta ficción de 32 minutos, el concepto de frontera se desliza entre diferentes lugares, interpretando una limitación de jurisdicción que se vuelve muy abstracta y se basa en diversas asociaciones o conjuntos: podría ser el uso de una cierta droga para comportamientos psicóticos o el tráfico de influencias, o el tráfico de ciertos afectos como el miedo o la voracidad. Estas fronteras se convierten en una metáfora de lo que significa la diferencia para cada individuo según su estatus social y su lugar en la sociedad. Para regular el tráfico en estas fronteras, hay un grupo de agentes de aduanas, todos interpretados por la misma actriz. Estos agentes aduaneros en su burocracia cotidiana hablan y piensan en las fronteras, los límites, las necesidades y reflexionan sobre de qué está hecha la sociedad, siendo la circulación de información el nuevo poder que debe regularse de manera capitalista.
Liv Schulman nació en 1985. Creció en Buenos Aires y vive en París. Después de estudiar en la École nationale supérieure d'arts de Cergy, se formó en la Universidad de Goldsmiths en Londres y en el programa de posgrado de Beaux-Arts de Lyon. Su trabajo se ha presentado notablemente en el CRAC Alsace, Bemis Art Center, Fondation Ricard, la Bienal de Rennes o en la Galerie, Centre d'art contemporain, en Noisy-le-Sec, en el SixtyEight Art Institute en Copenhague. En 2019, recibió el Premio Fondation Ricard que le otorgaron con motivo de la exposición "Le Vingtième Prix de la Fondation d'entreprise Ricard", concebida por Neil Beloufa, y presentó una exposición individual en la Villa Vassilieff, donde fue residente en la Villa Médicis de Roma.
Entrevista con Liv Schulman
Soy originaria de Buenos Aires, Argentina, y crecí en el barrio de Paternal. Me interesé por las imágenes en movimiento cuando llegó el cable a mi casa, sucedió cuando tenía 9 años. Empecé a ver televisión compulsivamente, series y películas. Más tarde, en la escuela de arte, descubrí que el video era en realidad un medio que podía utilizarse para expresar y escribir cosas y convertirlas en algo divertido. Podía ver que había un material exponencial en el uso de actores, actitudes y palabras, y que los medios basados en el tiempo me interesaban mucho debido a su capacidad de transformación. Estoy muy influenciada por la escritura y la escucha, ya sean diálogos, lo que la gente dice en el autobús, y por las actitudes corporales que revelan algo geopolítico, como los afectos producidos por la economía bajo la cual vivimos. El trabajo de algunas artistas y escritoras como Maria Fusco, Yve Lomax, Sadie Bennings, Marcelline Delbeq, Sylvie Blocher, Lorna Simpson, Cindy Sherman, Carolee Schneider, Shana Moulton, Pipilotti Rist y Saverio Lucariello realmente me influyó en mis primeras etapas para hacer este trabajo. También el pensamiento de Robert Filliou. He tenido la suerte de tener acceso a ideas que realmente son liberadoras, como la idea de que todo puede ser arte y que el arte es una parte de la vida material que hace que la vida sea más interesante. Eso y la idea de que el video es un flujo de pensamiento, que crea una escritura instantánea y que es lo suficientemente ligero como para aparecer y desaparecer cuando lo deseamos. Estoy montando un drama victoriano interpretado por electrodomésticos eléctricos, donde el personaje principal es un aire acondicionado que sufre una dilución de clase.
Adnan Softić and Nina Softić, Ships with goods and materials from all over the world bump the Bibby Challenge with their waves, 2020
Centrándose en un barco residencial de refugiados en Hamburgo, la película "Barcos con mercancías y materiales de todo el mundo golpean la Bibby Challenge con sus olas" explora el fenómeno de la extraterritorialidad y el motivo de los refugiados en el agua y su búsqueda de tierra firme.
La Bibby Challenge, donde Adnan Softić vivió en su momento, fue una hibridación entre un crucero y un barco de contenedores que estuvo anclado en Hamburgo desde 1993 hasta 2006 para albergar a refugiados. En este ensayo poético en video, Adnan Softić y Nina Softić exploran cuestiones de extraterritorialidad, falta de rastro y la lucha de las personas "indeseadas" por encontrar tierra firme. La obra también reconstruye la vida en el barco, abordándolo como un lugar y un no lugar; una embarcación flotante altamente móvil que sabe cómo navegar entre las aguas nacionales e internacionales.
El dúo de artistas Adnan Softić y Nina Softić tiene su base en Berlín y Sarajevo. Su práctica colaborativa explora la relación entre estética, política y ecología, centrándose en fenómenos como problemas de comunicabilidad, exilio, extraterritorialidad, invisibilidad, cultura y violencia. Su proceso de trabajo artístico es de investigación, interdisciplinario y un híbrido de exploraciones poéticas y filosóficas-científicas. Sus obras han sido exhibidas en diversos lugares, incluyendo n.b.k. Berlin, Johann Jacobs Museum, Zúrich, Museo Nacional de Bosnia y Herzegovina, Sarajevo, Museo de Arte Contemporáneo, Novi Sad, MAXXI Museo, Roma, Berlinische Galerie, Museo de Arte y Diseño, Hamburgo, entre otros.
Entrevista a Adnan Softić y Nina Softić
Vivimos en Berlín y Sarajevo. El interés por las imágenes en movimiento refleja la naturaleza del tiempo, muestra que todo está en proceso de creación y desaparición y se resiste a la suposición de que algo puede tener el mismo significado para siempre. Lo atractivo del trabajo de imagen en movimiento es que es un medio híbrido que opera con imágenes, sonido y texto de manera lógica y asociativa al mismo tiempo. Como tal, puede evocar estados sensoriales muy diferentes.
En esta obra, fue importante para nosotros reunir imágenes privadas e históricas para comprender mejor los desarrollos actuales. Vemos los barcos residenciales de refugiados como un tema marítimo no contado en Hamburgo que también tiene implicaciones más amplias. Los barcos reflejan una cierta actitud del estado, en la que la tierra se está convirtiendo cada vez más en una fortaleza.
Actualmente estamos trabajando en el desarrollo de un objeto sonoro generativo que llamamos "klimaton". Está basado en datos climáticos recopilados durante la expedición de investigación más grande a la región ártica, liderada por el Instituto Alfred Wegener. Nuestro objeto es un híbrido entre un dispositivo de sonificación y un instrumento musical que emite los datos como sonido, lo que permite un enfoque abierto a los archivos de datos. Convierte los datos del Ártico en sonido y crea una imagen sonificada de un paisaje que desaparece, sirviendo como testigo clave del cambio climático.