Escritos por el artista
Por Dan Flavin

Fluorescentes
polos
se sacuden
titilan
flamean
fuera
opacan
monumentos
de
sobre
y
fuera
del arte

(Este "poema" data del 2 de octubre de 1961)

 

1965
Hasta ahora, he realizado un considerable intento por equilibrar la silenciosa luz eléctrica en la caja que es una sala, en un crucial concierto punto por punto, y, por otro lado, línea por línea. Esta dramática decoración fue fundada en la joven tradición de la revolución plástica que sacudió al arte ruso hace sólo 40 años. Mi alegría es tratar de construir a partir de esa experiencia "incompleta", de la manera en que creo conveniente.
(de la Sección "The Artists Say" de la edición de la revista Art voices del verano de 1965)

¿Qué ha sido el arte para mí?
En el pasado, lo he conocido (básicamente) como una secuencia de decisiones implícitas para combinar las tradiciones de pintura y escultura en la arquitectura con actos de luz eléctrica definiendo el espacio, y, recientemente, como propuestas estructurales más progresivas sobre éstos instrumentos vibrantes que separaron los reconocimientos del pasado y los aumentaron en insistentes modelos mentales que no debería descuidar. Quiero contar con más lámparas para la ocasión -al menos por el momento-.
(del ensayo autobiográfico "...in daylight or cool white")

 

1966
El arte es lo que un artista que se reconoce como tal piensa que es. Una generosidad de su comunicable resultado no está igualmente implicada.

 

1966 - 1973
"algunas observaciones..."
Como he dicho por varios años, creo que el arte se está desprendiendo del excesivo misterio por un sentido común de decoración realizada agudamente. El simbolismo está decayendo -deviniendo futil -. Estamos decayendo hacia un no-arte -un sentido mutuo de decoración psicológicamente indiferente- "un placer neutral de ver" conocido por todos.
Ahora sé que puedo reiterar cualquier parte de mi sistema de luz fluorescente de manera adecuada. Los elementos de las partes de ese sistema simplemente se modifican en la instalación de situación. No tienen la mirada de una historia. No siento ningún desarrollo estilístico o estructural de significados dentro de mi propuesta -sólo desviaciones de un énfasis partitivo- modificable sin cambio intrínseco.
Todos mis diagramas, incluso los más viejos, parecen continuamente aplicables. Es como si mi sistema sinonimizara sus estados pasados, presentes y futuros sin incurrir en una pérdida de relevancia. Es curioso sentirse autonegado a un desarrollo progresivo, aunque sea por pocos años.
La luz eléctrica es sólo otro instrumento. No tengo el deseo de generar fantasías místicas o sociológicas más allá de ella. De cualquier modo el arte del futuro y su falta reducirán seguramente esas especulaciones a tontas trivialidades...
...las lámparas se irán (como deberían hacerlo sin duda). De algún modo, creo que el cambiante sistema de luces deberá soportar mis ideas dentro suyo. Voy a tratar de mantenerme en este camino. Es necesario trabajar. El medio sostiene al artista...
...mi propia propuesta se ha transformado principalmente en una rutina interna de ubicar tubos fluorescentes. Fue mal llamada escultura por gente que debería saber más. En el comienzo, y por un cierto lapso de tiempo, yo también fui tomado por fáciles reconocimientos de la luz fluorescente como imagen. Ahora sé que el tubo físico nunca fue disuelto o desaparecido por el campo físico de su propia luz. En una primera mirada parece ocurrir esto pero con una mirada más profunda, se ve que cada tubo mantiene sus contornos a pesar de su acto interno de luz ultravioleta. El hecho físico del tubo como objeto prevalece, sea prendido o apagado. (Todavía siento que el término compuesto "imagen-objeto" es el que mejor describe mi utilización del medio).
Lo que he escrito explica más ampliamente (incluso altera) las nociones contenidas en los últimos parágrafos de "...in daylight or cool white" y niega el interés por un pensamiento metafísico sobre la luz y las actividades visuales relacionadas con ella.
Mi dibujo no es inventivo en sí mismo, es un instrumento, no una resultante.
La propuesta de uno desafía aquello en lo que uno cree que el arte se transforma (su existencia). Preguntarse si el arte existe o no después de Duchamp se ha transformado en una pose intelectual. Sólo sirve para agrandar el ego y no vale mucho para el resto de los colegas.

 

1967
De una carta del 27 de abril de 1967 para Elizabeth C. Baker, editora de ArtNews:
No me parece que el equipo que yo despliego sea ni feo ni lindo.
"No hay espacio para el misticismo en la denigración de Pepsi", es una cita mía para un estudio de artistas durante el año pasado. Quiero remarcar eso enfáticamente. Mis tubos fluorescentes nunca "se quemaron" deseando un dios.
Prefiero el término "propuesta" y me esfuerzo por usarlo correctamente. No conozco otro "trabajo" que mi arte.
Por algunos años, desarrollé un sistema de diseño por diagramas para luz fluorescente en situación. Por supuesto, no me dí cuenta inmediatamente de esa conveniencia ni de sus fascinantes cambios inherentes. Asumo que se desarrollaron sin mi reconocimiento explícito o regular. Por otra parte, tuve que acumular una cantidad de diagramas antes de poder obtener un tipo de reciprocidad. Ahora, el sistema no procede, simplemente es aplicado. Incidentalmente, descubrí que ningún diagrama es inapropiado para mi archivo. Ninguno necesita ser prevenido, suspendido o descartado por falta de calidad. Cada uno espera solamente por coordinación, una y otra vez. A veces, ajustes y nuevas variantes están implicados. Entonces, y sólo entonces, pienso yo en mover mi lápiz de nuevo. Estoy encantado con este entendimiento.
Sí, los equipos de luz fluorescente son poco funcionales para ubicar, particularmente lejos de una superficie lisa. Soy consciente de haber sido excesivamente cuidadoso con eso. Intento constantemente obtener claridad y distinción primero en el molde de los tubos y luego con las estructuras de soporte. Pero, con o sin color, nunca descuidé el diseño.

 

De una respuesta del 15 de junio de 1967 :
Encontré la invitación para participar en su objetable exhibición sin título sobre "arte minimalista". No disfruto la designación de mi propuesta como algo tan ambiguo, facetado, epitético, protohistórico como ese "movimiento". (Me doy cuenta de que esta contribución crítica no se originó con usted, pero usted la adoptó aparentemente con mucha credulidad).
Repentinas llamas de Billy ¿Quién?, lasers a través de la noche, "Luces Cancelando Orbitas", arte inepto de Cuartel, no me informan acerca de mi esfuerzo. Esta propuesta es enteramente ahora y lo ha sido. No requiere un embellecimiento tecnológico y tampoco debe de disfrutar del tecnocrático arte de ciencia ficción en tanto progreso cultural de realización constante. Además, no me siento compelido a esperar un día más maravilloso antes del hecho en la historia promo-proto-art. No estoy ansioso por ofrecer una especulación contra la posteridad. Me gusta pensar aquí y ahora sin cohartadas morales.
Gracias por perseverar. Yo también estoy exhausto.
Atentamente. (firmado)

Rápido, disponible comprensión es aplicada por los participantes de mis instalaciones. (No se debería parar al arte más)
De una respuesta del 17 de junio de 1967 a Jan van der Marck, director del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago:
...No me gusta el término "entorno" asociado a mi propuesta. Me parece que implica condiciones y quizás una invitación a una comfortable residencia. Un uso tal niega un sentido de artificio visual directo y difícil, en el mismo sentido en que confrontar la vibrante luz fluorescente por algún tiempo debería molestar a la mayoría de los participantes.
Igualmente, intento comprehensiones rápidas -entrar y salir de las situaciones-. Creo que uno tiene momentos explícitos con una luz -espacio- tan particular. Ahora, testimonié estos momentos en situaciones lo suficientemente frecuentes como para no ser agobiadas por ellos. Los conozco y los olvido suficientemente. Las instalaciones son completadas, iluminadas y desarmadas. La claridad prevalece en mi mente, después de todo.
... Antes de que me olvide, por favor no se refiera a mi esfuerzo como escultura y a mí como escultor. No manejo trabajos estáticos de tres dimensiones, ni siquiera como los objetos específicos juddianos de Barbara Rose. Me siento apartado de los problemas de la pintura y la escultura, pero no hay necesidad de re-rotularme. De cualquier modo, me di cuenta de que es necesario no ser un substituto de la vieja ortodoxia.
De una respuesta del 11 de junio de 1967 para Ira Licht, un historiador del arte:
Francamente, siento que no tiene interés plantear el problema de si el arte dentro de la luz eléctrica podría ser también utilitario. De mi parte, no resistiría el "servicio público".

1972
No quiero imponer vaciamientos separados de ego escultural como obras públicas. No quiero rivalizar con la arquitectura y los espacios públicos insistentemente grandiosos. Lo he hecho en el pasado y pretendo continuar, entonces ahora adopten mi arte cuidadosa y públicamente. Pero eso es fácil para mí. Admiro el área de interés. (Incidentalmente, perdí lo que sentí como "el momento justo" para mi propia educación potencial en arquitectura por un tour obligatorio de cuatro años en el Servicio de clima Aéreo dentro de las fuerzas militares de las Naciones Unidas durante la guerra de Corea). Lo que encontré difícil, incluso riesgoso, en el servicio público, es mantener una diferenciación irónica entre lo que podía y lo que debía obtener para mí mismo, y posiblemente para los demás, entre el arte aparte y las soluciones ordinarias de diseño mecánico del trabajo a ser hecho -es decir, un artificio artístico intensamente pensado, sin uso, particularmente modelado y reiluminado, y discretamente balanceado con un establecimiento del número de lámparas suficiente para la iluminación funcional-. Pero el diseño y el arte aparentes deben ser procesados cada uno dentro del otro a la vez. Y finalmente, de la fusión constante, tuve que ser capaz de reconocer al arte porque lo prefiero. De otro modo, el interés y soporte a los artistas para exponer en público es todavía particularmente difícil en este país, pero dentro hay otro ensayo que no puedo perpetrar aquí y ahora.
(Este estatuto fue un aditamento al artículo "Notes on an exposition of cornered installations by Dan Flavin set to celebrate ten years of the Albright-Knox Art Gallery", por James Wood, del staff del mismo museo. Fue publicado en Studio International en diciembre de 1972).

 

1973
"...sobre dibujar y diagramar"
(del catálogo dibujos y diagramas 1963-1972 por Dan Flavin, Volumen 1, de Emily S. Rauh para una exposición del mismo nombre desde el 26 de enero al 1 de marzo de 1973, en el St. Louis Art Museum).
Llegué a entender que, para mí, dibujar y diagramar son fundamentalmente lo poco que implica mantener un registro de pensamiento, de cualquier modo, para cualquier cosa, en cualquier momento. Dentro de mi sistema recíproco para luz fluorescente, una retención continua tal es constantemente requerida. Uno nunca sabe cuando las anotaciones pasadas serán reasumidas como relativamente pertinentes. El sistema es activo en tanto puedo pensar dentro de él y para él. Ahora, estoy mayormente satisfecho con mi entendimiento.

 

1974
A mediados de los 60, el arte formal del grabado devino en América principalmente una mímica reductiva de los problemas pictóricos (con reproducciones expresivas mimeo-foto- copiadas esperando ser vistas y reexaminadas en algún momento). Por lo tanto, esos procesos soportados por el color en pantallas de seda, litografías e inclusos litografías de foto offset, etc. tuvieron un uso enfático -y un abuso de la impersonal, no hecha a mano, grande hasta lo "ilimitado", meramente mecánica y comercial reproducción.
El dibujo directamente hacia la pintura a través del drypoint, del grabado, de la litografía, etc. devino relativamente ignorado. Fue como la mayoría de los artistas pensaron que no podían encontrar un uso nuevo para esos simples y rectos significados dispuestos tan bien a través de siglos por Durero, Rembrandt, Goya, Daumier, Whistler, Degas y Toulousse-Lautrec.
Bien, finalmente, después de algunos años de intermitentes consideraciones y hesitaciones sobre la práctica de la pintura, me determiné a dibujar para pintar, también. Y siento que este presente simple bosquejado de litografías "-para una luz fluorescente circular de pared", una vez más promueve la actitud suficientemente-.
(Este estatuto fue preparado para Multiples Newsletter de mayo de 1974.)

 

1975
No soy un diseñador pretensioso tan egoístamente compelido en demostrar el magnífico artificio gráfico, de una aparente infinitud, incluso de infatigable a tedioso, rasgos de lápiz, de lapicera y brocha. No tengo tiempo para eso; no obstante, cuando dejo de registrar una idea (lo cual no sucede siempre), debo poner observaciones resumidas, impetuosas, repentinas abreviaturas en una hoja de un cuaderno de anotaciones, íntimas, idiosincráticas y sinópticas (por ahora, principalmente "mi estilo"). Que un sistema modular y arquitectónico, extensivo e impresivo se proponga de este modo, es sólo otra de esas terribles ironías del arte. Y yo tengo éxito con ellas.
Estos memos míos tan personales no se llevan bien con el desinteresado aislamiento del encuadre exhibicional, pero, cuando podés elegir examinar algunos de ellos, por favor tratá de entender que Franz Meyer y yo podemos difícilmente ofrecer tantos trabajos en papel en su ordinario buen gusto, en su pretensiosa ubicación general en los museos, de cualquier modo.
Y Franz y yo elegimos proveer tanto de un período de tiempo tan relativamente resumido, reciente (principalmente de 1972-1975) para ser exhaustivamente informativos con aquellos de ustedes que podrían querer un estudio así. De cualquier modo, por favor no se abrumen con todo, pásenlos y, disfruten un poco.

Fuente:
(Este estatuto fue preparado para la exposición de dibujos, diagramas, pinturas y posters con dos instalaciones de luz fluorescente por Dan Flavin, Kunstmuseum Basel, del 8 de marzo al 16 deabril de 1975)

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