Sábado 17 de julio, a las 17.00 hs.
En el Auditorio de Fundación Proa. Entrada libre y gratuita

Valeria González presenta En busca del sentido perdido (Papers Editores, 2009), un libro que reúne diez proyectos de arte argentino que tuvieron lugar en viviendas particulares o en instituciones extrañas al circuito del arte entre 1998 y 2008.

Según los autores, “si la búsqueda de locaciones alternativas respondía, en la tradición vanguardista, a una actitud de negatividad crítica, estos artistas postulan territorios de afirmaciones singulares. Componen situaciones y experiencias vinculares que se distancian de la llamada estética relacional, por su búsqueda de valores éticos capaces de oponer resistencia a los modelos dominantes de la cultura contemporánea”.

En busca del sentido perdido retoma los siguientes proyectos:
“Ferro-Carriles Argentinos”, 1998, Patricio Larrambebere
“Ensayo de un Museo Libertario”, 2000, Magdalena Jitrik
“Opción Antifuncional”, 2001, Silvina D’Alessandro y Marcos Xcella
“Nieto”, 2002, Gabriel Baggio
“Domínguez Dentrecasa”, 2003, Lila Siegrist
“El Arco del Triunfo Entrópico”, 2004, Julián d’Angiolillo
“Laboratorio Baigorria S.A.”, 2004,  Verónica Gómez
“Visitas a la casa del coleccionista”, 2004,  Provisorio-permanente
“Desde el Alma”, 2007, Gabriel Baggio, Carolina Katz y Zoe Di Rienzo
“Espacios débiles”, 2008, Romina Orazi

La publicación incluye un gran despliegue gráfico de fotografías de las obras y un DVD con el registro audiovisual de los proyectos.

“Desde el alma” en un departamento deshabitado de Gabriel Baggio, Zoe Di Rienzo y Carolina Katz

En busca del sentido perdido. 10 proyectos de arte argentino. 1998-2008 (2010)
Papers Editores
156 páginas / Edición bilingüe / Incluye DVD

A la venta en la Librería de Fundación Proa:
libreria@proa.org / +54 11 4104-1005
http://proa.org/esp/library.php

Sábado 8 de mayo, 18.00 hs.
En el Auditorio de Fundación Proa. Entrada libre y gratuita
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La obra en sur de Babel

Voces, ecos, resonancias, aromas, llamadas que retumban y vuelven; lugares vacíos y espacios llenos que regresan en un vaivén continuo, entre la resolana de un tiempo nuevo e infinito.

La infancia, la memoria, grietas insoslayables de la existencia, son el sostén y la voz de una niña que avanza, de un modo pausado y vertiginoso, en el ir y venir de una voz que se mece entre la adultez y los recuerdos de la infancia. La novela posee un registro único, identitario, que se mantiene firme de comienzo a fin. El tiempo regresa, el pasado se hace presente, pero la historia y los años la han convertido en otra cosa: “la infancia, un gusto en la boca, un sabor: la prueba física. Cuenta eso que pasa transformado, que llega hoy, esa fuerza. Un vestido de muselina, su crujido, su olor. Uno también puede pasar cadáver”.

¿La historia? Qué decir. Sólo la voz, el fluir de las imágenes, los espacios, y nuevamente la voz. La narración progresa casi sin pausa con un virtuosismo cálido y original. Resolana es eso: aquel lugar donde se posa el sol y todo sucede y todo se observa y todo se evade. Aquel espejismo luminoso que hace que el viento se detenga, que el tiempo se estanque, para dar paso al brote de sensaciones, a la mirada. Resolana, tal vez, es también eso: una espléndida reverberación del sol: “El olvido y la memoria son iguales: grietas. Huecos. Enigmas.

Sofía, aquella niña que narra, hace de Resolana una historia de voz, de voces, de ecos, y de recorridos perpetuos e insondables.
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El autor

Lucía Mazzinghi nació en la Ciudad de Buenos Aires en 1975. Psicoanalista y escritora, comenzó su carrera literaria desde niña y en el año 2005 publicó su primer trabajo literario: Recorridos por el Ulises de James Joyce- Guía de viaje. Resolana, fue editada por editorial Paradiso y es su primera novela. En la actualidad, está escribiendo su segunda novela que tendrá por nombre Carmelo o Fuga en mi menor.

La editorial

Editorial Paradiso nació en el año 1992, y fue fundada por Américo Cristófalo. Su objetivo principal fue conformar un catálogo que diera cuenta de la producción literaria argentina.

La editorial posee un catálogo muy rico que fue tomando cuerpo y fue creciendo a lo largo de los años. En un principio, la idea fue centrarse en autores argentinos. Actualmente publican no sólo obras de autores nacionales sino que también les dan lugar a escritores extranjeros, con muy buenas traducciones.

Fragmentos de la entrevista a Lucía Mazzinghi publicada por Sur de Babel

Sur de Babel: ¿Cuánto tardaste en escribir la novela? ¿Y cómo fue la relación que estableciste vos con esa novela?

Lucía Mazzinghi: Mirá, la dejé y la retomé varias veces, no la escribí de corrido. En agosto de 2005 publiqué un libro de ensayos sobre el Ulises de Joyce… y habré empezado a escribir esta novela en septiembre-octubre del mismo año. En ese momento yo estaba escribiendo cosas muy breves, relatos, pequeños poemitas en prosa, y entre ellos estaba este fragmento que era la descripción de una foto de dos chicos. Me junto mucho con amigos escritores a tomar café y a charlar y, en uno de esos encuentros se le mostré a uno de ellos que me dijo: acá hay algo, está bueno, por qué no lo abrís un poco a ver qué sale. Entonces empecé a abrir ese fragmento que eran diez míseros renglones y se abrió más y más hasta convertirse en Resolana.

SdB: ¿Este fragmento está dentro de la novela?

L.M: No, no, hay alguna que otra imagen quizá, pero no. Pero surgió a partir de eso. Mutó de mil formas, por eso no fue de corrido; lo dejé, lo retomé, empecé a escribir otra cosa, lo volví a agarrar, lo había escrito en pasado y lo cambié a presente, agregué una escena y después otra, quité páginas enteras, corté, pegué, reescribí… Cada vez que lo agarraba iba surgiendo algo nuevo. Desde que lo empecé hasta que se publicó pasaron como tres años. Fue algo que se fue escribiendo, siempre estaba ahí. Tres años con baches y cosas en el medio. Yo vivo de otra cosa, o sea que…

SdB: ¿De qué trabajás?

L.M: Soy psicoanalista. Trabajo en un hospital psiquiátrico a la mañana y en el consultorio algunas tardes. Escribo todos lo días, cuando puedo, cada vez que puedo.

SdB: ¿Cómo surgió tu relación con la escritura?

L.M: Escribo desde chiquita. Lo primero que escribí fueron poemas que me copiaba de mi hermano. Mi hermano escribía poemas y yo los copiaba y le cambiaba algunas palabras. Empecé robándole a mi hermano. Así fue. Hacía poemas con rima, le escribía al sol, a la luna, a la virgen María y a mi pijama color rosa. Debía tener nueve o diez años. Después escribí mucho diario íntimo, siempre tenía alguna libreta a mano en la que copiar frases que me gustaban; escribí para sacarme la rabia, la angustia, para tratar de entender, para organizarme… siempre estuve escribiendo alguna cosa. Lo que cambió fue mi relación con la escritura. Lo que a mí me pasaba con lo que escribía, el lugar desde donde lo hago, las preguntas, ya no trato de entender, si no al revés. Ya no es una descarga, es una necesidad, es no poder dejar de hacerlo. Pero lo principal fue la lectura. Yo tengo una fuerte relación con la lectura. Aprendí a leer a los tres, cuatro años y siempre leí mucho, muchísimo. En mi casa mi viejo compró la primera tele cuando yo tenía diez, imaginate, no paraba de leer. Después, claro, iba a la casa de alguna amiga y lo único que quería era mirar tele (risas). Pero bueno, mi viejo me regalaba libros y hablábamos de los personajes como si fueran reales, para nosotros lo eran. Eso que te decía, con los años la escritura empezó a ser una necesidad que no puedo explicar, pero que es mi vida. Yo vivo, hago de todo, voy vengo de acá para allá pero esa dimensión está siempre. Una parte mía siempre está dedicada, atenta a lo que escucho, a lo que leo y a lo que escribo.

SdB: En Resolana lo que justamente se ve, lo que más me gustó de la novela, es el tono y el estilo que tiene, que primero es algo que no se puede dejar de leer porque la prosa tiene un ritmo interno excelente y me dio esa sensación: que no estabas apurada por concluir o narrar alguna historia en particular. Si bien la historia está y es entretenida, pareciera más como una excusa para las palabras.

L.M: Sí, es eso, qué bueno lo que decís. A mí no me interesa narrar, contar una historia cerradita y con todos los condimentos. Podría hablar de este vaso de agua o de cualquier otra cosa. Lo que me interesa son las palabras y el ritmo que tienen, me interesa encontrar un ritmo propio. Por eso cuando me preguntan: ¿de qué se trata tu novela? no sé qué responder. Es una pregunta que me complica terriblemente, no sé qué decir sobre el argumento: es una voz que habla, que cuenta cosas, lo que va pasando. Con el músico pasa lo mismo: ¿qué hace? ¿qué le pasa? No sé… Camina por la ciudad un febrero caluroso en pleno carnaval y le pasan algunas cosas. Hay una voz que habla en tercera persona y por momentos se mezcla con la primera. Está el narrador y cada tanto aparece la voz de Carmelo. Son seis días en la vida de Carmelo pero podrían ser veinticinco o uno o diez años, no importa, el texto va y viene del presente al pasado y de vuelta al presente sin solución aparente de continuidad. Resolana también es eso de alguna manera aunque Carmelo tiene más rota la voz cantante.

La obra en sur de Babel: “El síndrome de Rasputín”

Sur de Babel define a “El síndrome de Rasputín” como “la neblina que todo lo abarca, en una Buenos Aires del Bicentenario llena de bombas, con dos obeliscos, edificios destruidos, con una constante garúa que hace calar al frío más hondo aún en los huesos, tres personajes tan extraños como el contexto, se mueven desde Once a la Boca en pos de resolver un extraño asesinato que tiene como principal acusado a uno de estos tres amigos. Los tres, víctimas del Síndrome de Tourette, atraviesan la ciudad devastada en medio de tics nerviosos que generan una especie de amistad entre ellos, o tan solo, quizás, un entendimiento mutuo a causa de sentirse igualmente discriminados.

A veces una novela es buena por su historia; otra, por sus personajes; otra, por lo bien que está escrita. Cuando en una misma obra estas tres categorías se unen, es motivo de festejo. Nuestro mayor homenaje, entonces, es que todos los socios de Sur de Babel puedan disfrutar de estas líneas que saben atrapar al lector desde la primera hasta la última página”.

En esta maravillosa novela de Romero, los protagonistas son tres tipos raros, tres amigos marginados afectiva y socialmente por la enfermedad compartida, la compulsión a la repetición de gestos, exclamaciones o movimientos que identifican al síndrome de Tourette; son los vulnerables prisioneros de los tics. Casos clínicos perdidos, los queribles Abelev, Maglier y Muishkin se verán envueltos, por afán solidario, en una aventura marcada por lo desaforado. Trepidante novela de ideas, El síndrome de Rasputín –ese tic primario de sobrevivir pese a todo– participa del folletín aventurero desatado a la manera de Edgar Wallace y del grotesco tenebroso del mejor cine mudo.

El autor

Ricardo Romero nació en Paraná, Entre Ríos, en 1976. Es Licenciado en Letras Modernas por la Universidad Nacional de Córdoba y desde el 2002 vive en Buenos Aires. En el 2003 publicó su primera novela, Ninguna Parte, y a partir de ese mismo año dirigió la revista de literatura Oliverio. En el transcurso del 2006 publicó su primer libro de cuentos, Tantas noches como sean necesarias. En el 2007 sus cuentos “Visigodos” y “Habitación 22” fueron publicados en diversas antologías dedicadas a los nuevos narradores argentinos. En la actualidad tiene una novela inédita, Perros de la lluvia. Es uno de los integrantes del Quinteto de la Muerte y editor de Gárgola Ediciones, donde dirige la colección “Laura Palmer no ha muerto”.

Ediciones Aquilina

En el año 2008, Ediciones Aquilina abrió sus puertas con una colección orientada en cuatro policiales modernos, porteños, nuestros: la colección Negro absoluto, dirigida por Juan Sasturain y Ricardo Romero. La editorial, además de publicar y dar a conocer la obra de autores consagrados, apunta al desarrollo y a la búsqueda de escritores nuevos, emergentes, inéditos, para mostrar la realidad de una literatura nacional viva y propia.

Reservas: info@proa.org
Entrada libre y gratuita.

Entrevista con el autor y Juan Sasturain publicada por Sur de Babel

En un típico bar porteño de San Telmo, nos encontramos con Ricardo Romero y Juan Sasturain, dos escritores que, desde distintas trayectorias se miran mutuamente, se respetan, se admiran y se ríen de los acartonamientos literarios. Ambos desarrollan la colección Negro Absoluto, una interesante propuesta que ya vio nacer a futuros legendarios detectives porteños que investigan en una Buenos Aires siempre distinta.

Sur de Babel: ¿Cuándo empezaste y cuándo terminaste a escribir El síndrome de Rasputín?
Ricardo Romero: Los tiempos de El síndrome… fueron bastante apretados porque salió la idea y fue muy vertiginoso. Sacando lo dos o tres primeros capítulos, que los escribí en enero de 2009, el resto fue entre febrero y marzo. Generalmente, yo trabajo con tiempos más largos. El libro de cuentos anterior me llevó dos años. No es que haya algo forzado en esta, la historia me llevó.
SdB: ¿Ya tenías la idea de hacer un policial?
R.R: En realidad cuando salió el tema de los policiales con Juan [Sasturain], de entrada dije: “Uy, estaría buenísimo poner algo con el síndrome de Tourette… Y Juan me miró como diciendo “de qué estás hablando”. Yo hacía rato que quería escribir algo con el síndrome de Tourette, y cuando salió el tema del policial, dije, es esto.
SdB: ¿Por qué con el Síndrome de Tourette?
R.R: Cuando conocí la enfermedad, me pareció increíble. Después leí El hombre que confundió a su mujer con un sombrero, de Oliver Sacks. Aparte de contar cosas del síndrome de Tourette, cuenta cosas increíbles que pueden llegar a pasarle a la gente. Trata de un músico que veía las cosas pero no las podía conceptualizar. Veía una botella pero no sabía qué era. Tuvo que empezar a vivir como un ciego. Como era músico tenía buen oído y se empezaba a guiar por eso. Me parece que el Tourette era una enfermedad, que en el caso de estos personajes- que lo padecen en un nivel no tan grave (hay gente que ni siquiera puede salir a la calle)- me permitía cortar con lo cotidiano. Me gustaba ese tipo de marginalidad, que no tenía una ideología particular; es la marginalidad esencial de ellos. Es parte del propio mundo que los personajes se van formando.
Cuando meto en un hospital público al personaje de Abelev, le tenía que poner un acompañante, y de a poco el viejito Miranda empezó a ganar espacio. Fue una sorpresa para mí. Yo decía “ya tengo tres personajes, no voy a estar metiendo uno más”. En la segunda novela que está por venir toma más protagonismo el murciélago rojo y Miranda vuelve en la tercera.
SdB: Lo pensás como una saga…
RR: Toda la colección está planteada como una saga. Ahora salió Ceviche de Levin, y en agosto sale Lejos de Berlín que también es la primera novela de otra saga. Ya en septiembre sale Todos mienten, que es la segunda de Aguirre, y en octubre sale la segunda mía, Los bailarines del fin del mundo.
SdB: ¿Cuándo empezaron a pensar esta colección y por qué hacer una colección de escritores jóvenes que se dedicaran al policial “argentino” es decir, con marcas muy propias de nuestra cultura “porteña”?, digo por tu novela, y por Ceviche, que trascurre en el barrio del Abasto.
Juan Sasturain: Como sucede a veces, o casi siempre, hubo quien, un editor novato, una editora novata en este caso, que encargó los libros que quería leer. La idea era tener aventuras policiales ambientadas en Buenos Aires. Esa era la pretensión. Todo lo demás vino por añadidura, pero lo primero que estaba era eso: construir una saga con algún detective que se moviera en la ciudad de Buenos Aires. Como se estaba pensando con una pata internacional en el origen, se buscó hacer algo un poco típico de Buenos Aires, a la manera de esas colecciones de detectives históricos, como los de la Edad Media, o los de Estocolmo, Venecia. Y bueno, por qué no en Buenos Aires. Ese fue el proyecto original, formulado tal cual por la editora y fue tomando algunas variantes. Me convocaron a mí para que organizara esta colección, yo lo convoqué a Ricardo, por una cuestión de reconocer en él a la persona que me podía guiar en todo lo que se escribe hoy en día entre los jóvenes, que yo no tengo la menor idea, y Ricardo sí. No sólo tiene aptitud como escritor sino que tiene un contacto muy fluido con un montón de gente que escribe y muy bien. A partir de eso, empezamos a asociar un detective a un determinado autor; a cada autor se le encargaría la cobertura de un espacio de Buenos Aires en distintos momentos. Y exactamente así fue. El primer nombre fue el de Ricardo y después alguno que me sugirió él, como Federico Levin; otros, como Juan Terranova, que yo conocía. Yo le sugerí también qué le parecía Osvaldo Aguirre, que es muy idóneo, conocedor del género policial; convocamos a Elvio Gandolfo también, y así se fue formando. Luego se incorporó  que era de algún modo, el que tenía un poco más de conocimiento público.
RR: A parte de que él ya venía trabajando con el género policial.
J.S: Ese fue el comienzo y creo que lo vamos desarrollando bien.
R.R: El año que viene se suma María Inés Krimer, muy buena escritora, que tiene varios libros publicados.
SdB: Va a ser la primera mujer de la serie…
R.R: Claro, una detective. Una viejita, una abuela judía
J.S: No viejita…una veterana guerrera (risas)
R.R: No, no es una viejita.
SdB: ¿Y El doble Berni, la novela de Elvio Gandolfo y Sosa, también la “encargaron” a partir de este proyecto, o era algo que ya habían encarado ellos?
J.S: No, todo el mundo empezó a escribir a partir de este proyecto. Incluso Leo [Oyola] también, la historia no la tenía de antes.
RR: De hecho cuando tiramos la propuesta, hicimos sugerencias. Algunos las agarraron y otros las replantearon. Por ejemplo, nosotros lo convocamos a Elvio y el dijo “yo quiero escribir con este muchacho uruguayo” y plantearon el proyecto. Leo fue a otro que le dijimos “qué te parece tal cosa” y él empezó a trabajar con una idea y nos la presentó. La editora ya tenía un par de ideas que quería trabajar y nosotros teníamos que ver qué autores se interesaban por eso.
J.S: Es interesante que sean muy diferenciables entre sí los personajes. Ya cada uno de los narradores tienen una personalidad definida: cada uno tiene su estilo, su manera, su clima, sus propias obsesiones. Nos viene bien que estén muy diferenciados los protagonistas. Lo que ha conseguido Federico [Levin] con El sapo, que es un personaje muy lindo, muy fuerte… Ni hablar de lo que está haciendo Ricardo… es una puesta muy complicada, muy osada, muy valiente… A mí me da vértigo. Cuando me contaba nomás lo que pensaba hacer…
SdB: ¿Vos ya tenías pensado, Ricardo, la extensión?
RR: Yo sabían que iban a ser tres novelas.
J.S: El compromiso que tienen todos – y ahí habla el editor, no el editor pero sí el responsable de esto- es que cada uno haga una serie de tres novelas.
R.R: Yo tengo una “ticlogía”. La tengo pensada en tres. A veces tengo miedo de que se me vaya a un poquito más porque no pueda resolver ciertas cosas. Vamos a ver ahora cuando encare la tercera…
SdB: ¿La idea es que los tres personajes se mantengan?
R.R: Sí, así como en la primera el disparador fue Abelev, en la segunda es Maglier y en la tercera, Muishkin. Se va trasladando el protagonismo.
SdB: Lo que me parece que está súper logrado es la ambientación de tu novela.
J.S: El desafío de lo que encaró Ricardo es muy complicado, porque vos tenés que pintar tantas cosas…. Tenés que describir un universo nuevo y propio de esa novela. La referencia, es una referencia construida, pasa en una Buenos Aires que no es esta, entonces hay que contar ese mundo. Tampoco podés parar y explicar cómo funciona ese mundo, y después meter a los personajes. Después, tenés personajes que no son normales… No existe la normalidad, pero estos son particularmente poco normales. Entonces, además de contar lo que les pasa, tenés que contar a quién le pasa. Vos tenés que explicar el mundo, explicar los personajes y a partir de ahí construir una ficción, una historia. Es muy complicado. A mí, por lo menos, su plan me intimidaba. Yo le decía: “¿cómo vas a hacer para contar todo eso? Bueno, parece que puede. Es un muchacho valiente, como deben ser los escritores. Me parece que una de las cosas más lindas que tiene esta generación es que son valientes, van para adelante, eso me encanta a mí.
SdB: Hay que tener muchas ganas de escribir para hacer esta saga…
J.S: Eso, hay que tener hambre. Está muy bien eso. Terranova escribió por ejemplo Lejos de Berlín, una novela de trescientas páginas y pico… se descontroló, saludablemente se descontroló… probablemente escribió cosas que no pensaba escribir, se desparramó, hay cosas que se escribieron más o menos, pero está muy bien, que fluya…
R.R: Tampoco se puede controlar toda la situación.
J.S: Ojalá lo maltraten un poco, así aprende (risas). Está muy bien, hablando en serio. Todos han tomado riesgos.
R.R: Cada uno se metió con cosas que realmente le interesaban… A Terranova siempre le interesó el nazismo, y creó un personaje varado en Buenos Aires en pleno peronismo, después de la Segunda Guerra, y eso le permitió meterse con pila de cosas.
J.S: Está muy bien. Son novelas todas bastante desequilibradas.
SdB: Leí una reseña que comentaba algo que a mí también me pareció apenas terminé la novela: un ambiente parecido al de la película Brazil o Delicatessen.
R.R: Para mí el cine es fundamental. La televisión también. Alguien que comentó mi libro decía que yo mezclaba cultura alta con cultura popular. Yo no puedo hacer esa separación que él hace. Para mi no hay diferencia entre las películas, la literatura que nombro. Yo quería poner algo gótico, y tenía que hacer una ciudad decadente.
J.S: Todas las referencias son artificiales, salvo la del Bicentenario.
SdB: A parte de esta saga, ¿estás escribiendo alguna otra cosa?
R.R: Tengo un libro de cuentos, pero no escribo muchos cuentos. Y tengo una novela que la había escrito antes de empezar con la saga y antes de empezar con la segunda, la corregí. Se llama Perros de la lluvia. Vamos a ver qué pasa.
SdB: Ustedes, o quizás vos más Ricardo, que están en contacto con las nuevas producciones de escritores jóvenes, ¿ven algún denominador común en estas escrituras emergentes?
J.S: Yo no tengo ni idea. Los tres o cuatro que conozco son los de mi tiempo.
SdB: ¿No sos de leer autores jóvenes o nóveles…?
J.S: No, leo poquito. Releo más que nada. Los jóvenes se leen entre ellos.
R.R: Eso es bueno, que nos estemos leyendo. Yo con el Quinteto [de la muerte] he tenido una experiencia muy buena. No creo que haya un denominador común, y tampoco me gustaría plantearlo. Osvaldo Aguirre me preguntaba eso hace unos días. Dicen que los narradores de hoy, son muy autobiográficos. Yo creo que hay de todo. Creo que nuestra generación no tiene una relación tan conflictiva con lo que nos precede. Hay una relación más relajada, no tenemos que matar a nadie. Hoy en día hay muchas antologías, eso está bueno pero, la idea de obra no está. Me produce un poco de sospecha que haya tantas antologías con cuentos a pedido. Hay mucha gente escribiendo para eso y a uno le sale decir: “bueno, ¿y dónde está tu proyecto personal”? A mí me interesa más qué es lo que estás haciendo. Se ve mucho oficio, hay mucho taller de por medio…
SdB: Sí, se nota la escritura de taller…
R.R: Sí, y hay antologías que tienen la marca de ciertos talleres.
SdB: Contános sobre El quinteto de la muerte.
R.R: De algunos años a esta parte han habido muchos encuentros de narrativa. La primera que arrancó fue Alejandría, que era un grupo de Castillo, y era más tradicional, leían sentados. Lo bueno de eso es que se acercaba gente que tenía muchas ganas de escuchar, que andábamos boyando por Buenos Aires y queríamos conocer gente que más o menos tuviese los mismos yeites que uno… Después de esos encuentros íbamos a comer, íbamos a tomar… y siempre éramos los mismo cinco los que quedábamos, y un día uno que estaba con nosotros nos dijo: “yo me voy, ustedes son el quinteto de la muerte” y quedó. Y después empezamos a leernos nuestras cosas, a comentar nuestras cosas. Y cuando Funes empieza con el ciclo de Los mudos, leímos ahí. Costaba leer al principio, pero yo terminé poniéndome un vestido de noche en la última lectura (risas). Lo puedo hacer con El quinteto porque es un lugar que me sostiene. Cuando lo hacemos en el Pachamama, cocinamos, y bueno, cuando llega la lectura, uno llega más aflojado. Tenemos estilos muy diferentes, pero todos nos respetamos. Ahora tenemos un libro armado, vamos a ver si sale para marzo del año que viene. Escribimos un prólogo entre todos, donde la idea principal es la amistad como una aventura política. Priorizar un valor como la amistad le hace mucho bien a cualquier cosa.

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Sur de Babel sostiene que la escritura de Moira Irigoyen está caracterizada por una calidez narrativa que se detiene en el detalle, y a partir de pinceladas finas y armoniosas, el lenguaje va cargando las historias de energía, fuerza e identidad.

La autora define a “Ese verano” como una novela breve narrada enteramente en primera persona. Julia es una niña adolescente y, al mismo tiempo, una mujer adulta, una mujer permeada por los años y los recuerdos; y una mujer extranjera que rememora, desde el armazón de su ventana canadiense, su infancia, su espacio, sus veranos, ese verano. La narración conjuga y reúne estas dos voces: la de aquella niña que siente y juega desde el calor, la arena y la brisa cálida del verano, y la de la mujer adulta que sobrevive en el interior de un  cuarto propio, al frío riguroso y la nieve acumulada del espacio canadiense.

El relato, entonces, se estructura a partir de la construcción de la memoria, una memoria que se aleja de la melancolía y la nostalgia para presentarnos la realidad de una extranjera, que en el desarraigo de su espacio, observa por la ventana los límites de su propia identidad. La memoria logra unificar ambos relatos y cuando se acerca el final de la obra, la Julia adulta va tomando la palabra para posicionarse, y superar desde el extranjero y la escritura, la marea del recuerdo.  El lenguaje toma cuerpo y las páginas finales se confunden entre fotos ocultas y flores nuevas, que entre el frío, comienzan a renacer, menciona Moira.

La autora nació en Buenos Aires en 1965. Es Licenciada en Letras por la Universidad de Buenos Aires (U.B.A). Publicó la novela En el fondo de la materia crece una vegetación oscura, por Editorial Paradiso, el libro de cuentos Combustible (Longseller) y algunos cuentos y relatos orientados a la literatura infantil. En el año 2006 participó de la compilación narrativa Una terraza propia, Nuevas narradoras argentinas a partir de la selección de Florencia Abatte (Norma). Por “Ese verano” fue finalista del Concurso novela Página/12 2007, y obtuvo una mención del  Fondo Nacional de las Artes.

Una obra imperdible y profunda que, con intensidad, analiza las vivencias de una mujer fuerte y débil a la vez.  Para no perdérsela.

Para más información sobre el libro y sobre la autora, click aquí.

Participarán de la presentación del libro: La autora Lila Zemborain y la traductora Sarah T. Reyna, Juan Lo Bianco, director de arte de la edición y el artista Martín Reyna .

Fecha: Sábado 25 de julio, 17 hrs.
Lugar: Auditorio PROA
Entrada Libre

El sábado 25 de julio a las 17 horas se presenta con entrada libre, el libro de acuarelas y poemas “El color del agua” de la poetisa Lila Zemborain y el artista Martín Reyna en el auditorio de Fundación Proa. Lila Zemborain y la traductora de sus poemas al francés, Sarah T. Reyna, harán una lectura del conjunto de poemas “Cromo soma tonal” en ambos idiomas. La introducción estará a cargo de Juan Lo Bianco, director de arte de la edición.

Se presentará la muestra «El color del agua (detalles)» de Martín Reyna en el Espacio virtual de REDGalería

Después de la presentación, ambos autores firmarán los ejemplares del libro.

“El color del agua” propone un diálogo entre las acuarelas de Martín Reyna y los poemas de Lila Zemborain, una edición bilingüe en francés y español. El punto de partida, según la editora Virginie Boissière, fue “el encantamiento provocado por el color y el agua volcados sobre el papel”.  Las imágenes fueron fuente de inspiración para la escritura poética que luego fue traducida al francés. Esta publicación representa la primera edición de la poesía de Lila Zemborain en lengua francesa.

En las acuarelas de Martín Reyna prevalece la acción del agua, sugiriendo la sensación de desmaterialización. Ambos motivos constantes en su pintura desde que vio, por primera vez, el trabajo de Bill Viola en la Capilla del Hospital de La Salpêtrière: videos en que la figura desaparecía bajo el agua convirtiéndose en una gran masa acuática.

El conjunto de poemas “Cromo somo tonal” de Lila Zemborain posee una estructura compacta y dilatable, insinuando la imagen de una gota de agua que cae sobre el papel. La consigna al escribir fue completar la narrativa que el director de arte Juan Lo Bianco había armado previamente desde Buenos Aires con las acuarelas de Martín Reyna.

Entrevista a Lila Zemborain por el departamento de prensa de Fundación Proa.

- ¿Desde cuándo surge la colaboración artística con Martín Reyna?
Lila Zemborain: A Martín lo conozco desde los 80, pero nos hicimos realmente amigos cuando se fue a vivir a París, lugar adonde voy seguido. Además de una relación bastante familiar, soy madrina de su hija, tenemos cada tanto largas conversaciones sobre pintura o literatura. Martín es muy buen lector y en una época también escribía. A mí, por otra parte, me encanta su obra, pero nunca, hasta hace un par de años surgió la idea de colaborar en algún proyecto juntos. Yo vengo escribiendo poesía sobre arte, hace varios años, pero en forma independiente, simplemente porque ciertas imágenes me intrigan y me generan el deseo de escribir sobre ellas. En el 2007, después del evento “Ut Pictura Poesis” en Roma, en colaboración con Rafael Bueno, Alessandro Twombly me pidió que le escribiera unos poemas para un catálogo, pero tenían que ser ya. Escribí las primeras versiones en Roma, y cuando llegué a París dos días después, le pedí a Martín que las leyera, porque estaba insegura de algo escrito de un día para otro. Al día siguiente Martín me llamó por teléfono y me preguntó si quería colaborar también con él en un libro de acuarelas que estaba planeando, porque sentía que el tipo de poesía sobre arte que estaba escribiendo se conectaría mejor con sus acuarelas que un discurso crítico. Cuando Martín me mostró el proyecto de libro diseñado por Juan Lo Bianco me quedé fascinada. Y así fue como empezó esta colaboración, que Virginie Boissière, como diestra editora, hizo realidad.

- ¿Cómo se relaciona el dibujo de su poesía con las acuarelas de Martín Reyna?
L.Z: En realidad, los poemas los escribí en una tarde, pero después de una larga elaboración que duró meses. Martín me dio la maqueta del libro en marzo y la miré con sumo atención tres veces en cinco meses. La idea de la forma de los poemas se fue delineando de a poco, pero lo que tenía siempre en mente era la brevedad. Tenían que ser poemas cortos, compactos y a la vez dilatables, casi como gotas que cayeran en un papel. Solamente una alusión, un toque, a lo que ya estaba allí. Lo que hice en esa tarde fue simplemente rellenar con poemas los espacios en blanco que había dejado la suerte de “narrativa” que había armado Juan Lo Bianco. Cada acuarela tenía su imagen, su intensidad, su atmósfera o su humor, pero era a la vez parte de una serie. Creo que la cualidad que tienen los poemas es justamente este sentido de unidad en la dispersión, y de allí los espacios en blanco, las pausas, la condensación.

- Llama la atención que el libro se titula “El color del agua” y el conjunto de poemas “Cromo soma tonal” ¿Cómo podemos comprender esto?
L.Z: Aquí hubo una especie de división entre el concepto de la imagen en el libro y el concepto del poema en el libro. “El color del agua” es el nombre que Martín le dio probablemente al proceso de pintar las acuarelas y es un nombre lindísimo. Mis poemas, sin embargo, respondían a otro nombre, que surgió de un estado de atención más difuso y a la vez más concentrado en el cuerpo, de ahí las reverberaciones orgánicas de cromo (color), soma (cuerpo), tonal (sonido).

- Observo que en “El color del agua” conviven diferentes idiomas: por un lado, el español, en el que se escribieron los poemas, el francés, al que los poemas fueron traducidos y, además, el idioma inglés, de su lugar de residencia ¿Cómo considera usted que se interrelacionan?
L.Z: El proceso de traducción fue genial. Ya con Sarah habíamos estado trabajando en otro libro mío, que por suerte se le ocurrió traducir. Por lo tanto teníamos, además de la amistad, una relación a través del lenguaje. Sarah habla perfecto argentino y tiene un sentido agudo del ritmo, del sonido y de la imagen. Además de traductora y poeta, Sarah es fonoaudióloga, así que su material de trabajo es el lenguaje. El pasaje de los poemas al francés fue muy fluido, tal vez mucho más fluido que cuando se traduce al inglés ya que la estructura gramatical es la misma. Y como Sarah conoce perfectamente la obra de Martín tradujo con sutileza lo que yo veía en las acuarelas.

- ¿Qué lugar ocupa este libro en el contexto de su obra?
L.Z: Este libro ha sido un placer, un descanso, y tiene una cualidad lúdica que tal vez mis otros libros no tengan. Probablemente porque al entrar en la compulsión del otro, uno se olvida de la propia compulsión. Las acuarelas de Martín tienen un sentido final de alegría y de ahí que la escritura se haga más liviana, menos densa. Creo que ése es en definitiva el efecto que me produce la poesía ecfrástica (una representación verbal de una representación visual). Salir de las propias obsesiones a través de las imágenes creadas por otros.

- He leído que le interesa la relación entre las artes visuales y la poesía hispanoamericana contemporánea, ¿este libro responde a esa inquietud?
L.Z: Sí, siempre me gusta leer poemas ecfrásticos, vengan de donde vengan. Uno de los poemas que más me impresiona en este género, es el poema de Ashbery sobre el cuadro de Parmigianino, “Portrait on a convex mirror”.  Pero el que realmente me dio la idea de escribir sobre pintura, fue Robert Creeley, a partir de unos poemas que escribió para un catálogo de una muestra de Francesco Clemente en 1997. Creo que por el hecho de vivir en New York, estoy más en contacto con la poesía ecfrástica que se escribe aquí, aunque conozco poetas latinoamericanos que han escrito poemas ecfrásticos maravillosos. Justamente hace un par de años, organicé en la serie de poesía KJCC que dirijo en NYU, un ciclo de lectura de poemas escritos especialmente sobre arte geométrico latinoamericano de la Fundación Cisneros, que se mostraba en una galería de la universidad. Allí leyeron, Coral Bracho, Yolanda Pantin, Mariela Dreyfus, Cecilia Vicuña, Roberto Echavarren, Jussara Salazar y Edwin Torres. Fue increíble. Cada poeta generó una visión de las obras elegidas completamente insólita. En este intercambio, las diferentes texturas de los distintos tipos de arte se retroalimentan.

Entrevista a Martín Reyna
- ¿Desde cuándo surge la colaboración artística con Lila Zemborain?
Martín Reyna: Hace muchos años que somos amigos con Lila y la poesía y la literatura son temas recurrentes cuando nos vemos. Cuando leí las “Cartas a Cézanne” de Rilke tuve la impresión de que  la mejor manera de ponerle palabras a la pintura es desde la poesía. Más tarde, Lila me hizo leer los poemas que había escrito sobre la pintura de Alessandro Twombly y a partir de esos poemas pensé que se podía dar un buen encuentro entre sus versos y mis acuarelas.

- ¿Cómo se relacionan sus pinturas con la poesía de Lila Zemborain?
M.R: Esta relación aparece con el diálogo que hacemos en el libro, cuando miro las acuarelas con la lectura de los textos que las acompañan, me encuentro frente a sonidos que aluden a formas que empiezan a existir de una nueva manera para  mi visión. A tal punto que, para la selección de los detalles de la exposición “El color del agua” (detalles)  en Redgaleria,  tomé como punto de partida los poemas de Lila para seleccionar los fragmentos de la exposición,  aquí los versos de Lila me guiaron o me indicaron el recorte de las formas.

- ¿Qué hay en “El color del agua” de su primer encuentro con la obra de Bill Viola?
M.R: El tema del agua fue una constante en mi pintura desde el comienzo; pero siempre había aparecido desde lo representativo. A partir de  los videos de Bill Viola    -en donde la gota de agua se convierte en una poderosa masa acuática que hace desaparecer a la figura- empiezo a utilizar el agua como material de trabajo. En las acuarelas recientes el agua actúa sobre el papel y vehiculiza el color  dejando al pintor en un segundo plano, como un acompañante de los accidentes que le dicta la acción del agua.

- ¿Cuál fue el criterio de selección de las acuarelas?
M.R: Juan Lo Bianco, quien diseñó el libro, vino a mi taller para ver las acuarelas y me propuso un proyecto de edición, lo puse en contacto con Virginie Boissière, la editora, que ya estaba con ese proyecto desde hacía un tiempo. Juan Lo Bianco realizó el trabajo de selección y construyó las secuencias a partir de las que escribe Lila; creo que Juan encontró un ritmo visual que corresponde muy bien a la naturaleza de mi trabajo.

- ¿Qué lugar ocupa este libro en el contexto de su obra?
M.R: “El color del agua” está concebido como una obra de diálogo en donde mis obras funcionan en correspondencia con la intervención de los otros, el hecho de poner las acuarelas al servicio de la idea y el ritmo visual de Juan y de los versos de Lila es algo nuevo que aparece por primera vez en mi obra a partir  de este libro. Y, justamente, mi pintura en acuarela sobre papel, que comienza hace ya algunos años, logra con esta edición un lugar preponderante en el contexto de mi obra, teniendo en cuenta que el desarrrollo del trabajo de acuarela en grandes formatos fue para mí una manera de reivindicar esta técnica que históricamente fue presentada de manera secundaria como notas o bocetos;  mi idea es darle un contexto protagónico a la acuarela, en lugar de considerarla como una obra de apoyo o de proyecto de otra obra más relevante.

Los autores

Lila Zemborain

Nació en Buenos Aires y vive en Nueva York desde 1985. Del 2000 al 2007 fue directora y editora de la serie de poesía Rebel Road y desde el 2003 dirige la serie de poesía KJCC, en el King Juan Carlos I Center de New York University, donde es Clinical Assistant Profesor en la Maestría de Escritura Creativa en Español. En el 2007 recibió la beca John Simon Guggenheim.
Ha publicado los libros de poesía Rasgado (Buenos Aires, Tsé-Tsé, 2006), Malvas orquídeas del mar (Buenos Aires, Tsé-Tsé, 2004) / Mauve Sea-Orchids (New York, Belladonna Books, 2007), Guardianes del secreto (Buenos Aires, Tsé-Tsé, 2002) / Guardians of the Secret (Texas, Naomi Press, 2008), Usted (Buenos Aires, Ediciones Ultimo Reino, 1998), Abrete sésamo debajo del agua (Buenos Aires, Ediciones Ultimo Reino, 1993). Ha sido incluida en las antologías Mujeres mirando al Sur. Poetas sudamericanas en USA (Madrid, Torremozas, 2004), Actual triantología de poesía Argentina, Brasileña y Peruana (Lima, Humunculus, 2004), The Light of City and Sea. An Anthology of Suffolk County Poetry 2006 (South Beach, Street Press, 2006) y Corresponding Voices (Syracuse, Point of Contact Productions, 2002), y en los catálogos de arte Heidi McFall (New York, Aninna Nosei Gallery, 1995), y Alessandro Twombly (Bruselas, Alain Noirhomme Gallery, 2007). En el 2002 publicó el ensayo Gabriela Mistral. Una mujer sin rostro (Rosario, Beatriz Viterbo Editora).

Martín Reyna

Nació en Buenos Aires en 1964. Desde 1994 trabaja y reside, también, en París. En 1983  participó de la exposición que presentó Rafael Bueno “Los últimos  pintores” en el taller La Zona junto a Sergio Avello, José Garofalo, Alejandro De Ilzarbe, Miguel Harte y Gustavo Marrone. Fue convocado en 1986 por la galería M-13 del East Village de Nueva York para realizar la exposición “Latinoamericanos en Nueva York” junto a Guillermo Kuitca y Rafael Bueno. En 1991 viajó a París para la exposición “L’atelier de Buenos Aires” organizada por Philippe Cyroulnik en la que participaron Pablo Suarez, Roberto Elia y Jorge Macchi,  y en 1992 realizó su primera exposición personal la galería Michel Vidal de París.
Descubrió en 1994 los videos de Bill Viola, a partir de ese momento el agua – una constante en su obra – dejó de ocupar un lugar representativo para convertirse en un material de trabajo. Desarrolló la serie de pinturas “Paisajes abstractos” (2000). La Galería Del Infinito Arte de Buenos Aires y Virginie Boissière Art Contemporain de París publicaron la primer monografía de su obra en el 2004. En el mismo año, presentó una exposición en el Espacio Adamski en París y la Galería Del Infinito Arte presentó su trabajo en la Feria de ARCO en Madrid. Virginie Boissière presentó su trabajo en Scoope Londres y en la Feria LINEART, en Gand, Bélgica en el 2005 y, en 2007, expuso sus obras en la Biblioteca Universitaria de Angers en el marco del Congreso Anual de las Artes en el mundo hispánico.